Résilience d’une musique, et plus largement d’une œuvre, dont le génie a surmonté l’épreuve du temps, des guerres franco-allemandes, de la révolution électronique, informatique puis numérique, de l’évolution des mœurs, etc. En dépit de mutations profondes, les références d’hier demeurent valables aujourd’hui. L’Opinion publique s’exprime à présent au travers de la télévision, et plus encore des réseaux sociaux. Brocarder Jupiter en Jupin était moyen déguisé de moquer Napoléon III ; notre actuel président de la République est souvent qualifié de jupitérien. Ça va Manu ?

Résilience aussi d’un public, venu nombreux un dimanche matin dans ce petit coin du 16e arrondissement malgré la grève des transports publics. Résilience surtout des artistes, également soumis à l’actuelle inconstance des trains et des métros, avec ce que cela signifie de fatigue lorsque le temps de trajet dépasse deux heures, de séances de répétitions écourtées ou, pire, annulées, de courage pour surmonter ces écueils et, comme si de rien n’était, de la nécessité d’assurer sur scène leur mission de divertissement. The show must go on, comme on dit, mais au prix de sacrifices qui touchent à l’abnégation. Ne développons pas davantage pour ne pas céder à une indignation, voire une colère, contraires à l’esprit d’Offenbach. « Mon seul nom suffit à remplir le Ranelagh un jour de grève », s’enorgueillit Orphée pour convaincre de son talent Eurydice récalcitrante. La salle s’esclaffe… L’humour est la politesse du désespoir, disait Georges Duhamel.

© Opéra du Jour

La bonne humeur prend donc le pas sur les tracas du quotidien, tout au long d’une représentation dont rien ne semble pouvoir entamer le plaisir contagieux. Entre les deux versions d’Orphée aux Enfers – 1858 et 1874 –, Isabelle du Boucher et Annie Paradis ont dû faire des choix dont seule la substitution du refrain de « Ah le petit vin blanc » aux couplets bachiques paraît discutable. La présence du Chœur de Grenelle autorise le grand final du premier acte avec sa parodie d’anathème, à défaut de la valse des petits violonistes. Les coups de ciseaux à droite, à gauche n’entament pas la cohérence d’une lecture toujours intelligible. Les coutures sont suffisamment habiles pour ne pas nuire à la continuité du propos.

Au piano, Magali Albertini, assistée du violon de Mathilde Garderet dans le duo du concerto, conduit le discours musical à un galop forcément infernal. L’entrain avec lequel la pianiste mène le bal ne s’exerce jamais au détriment du chant. La suppression du rondeau des métamorphoses et de la saltarelle de Mercure réduit à onze le nombre de rôles et à dix le nombre de solistes, Mars étant confié au même interprète que Styx – Ronan Dubois plus à l’aise vocalement en « domestyx » qu’en dieu neuneu.

A chacun, plusieurs points communs : la clarté de l’élocution d’abord – qu’il soit parlé ou chanté, aucun mot n’échappe à la compréhension ; l’adéquation vocale et scénique à leur personnage ensuite – s’il nous avait fallu les imaginer, on ne les aurait pas représentés autrement ; la capacité, indispensable dans ce répertoire, à jouer aussi bien que chanter.

On a plaisir à retrouver dans la distribution certains noms devenus familiers au fil des saisons d’Opéra du jour, par exemple la frimousse de Mylène Bourbeau en Cupidon mutin. Marthe Davost est une Eurydice délicieusement légère. Maxime Duché use de son sens du théâtre pour surmonter les quelques notes tendues d’Orphée. Dans la romance d’Aristée, Rémi Peloso démontre une jolie maîtrise de la voix de fausset. Ania Wozniak possède tout à la fois un faux air de Valérie Lemercier et un mezzo-soprano suffisamment profond pour faire l’Opinion Publique acariâtre et sentencieuse. Il faut le duo de la mouche pour que Laurent Bourdeaux, en Jupiter, se démarque de sa réserve et puisse tendre d’un air coquet le jarret dans l’acte suivant. Etc.

Tout ce petit monde s’ébat avec un naturel confondant quand on sait le peu de répétitions préalables. C’est là un des mérites du travail d’Isabelle du Boucher et Annie Paradis : savoir communiquer l’énergie nécessaire pour que le spectacle fonctionne avec une économie de moyens compensée par l’imagination et la poésie. Bon nombre de directeurs d’institutions lyriques soumis à la pression des budgets pourraient s’en inspirer. Prochaines représentations dimanche 19 et 26 janvier 2020 à 11h. 

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Réduire une partition de plus de sa moitié exige cependant de prendre une nécessaire distance par rapport au livret. La mer a été appelée en renfort scénique et sémantique. Le rideau se lève sur une plage. Une méduse traverse la scène. Les courtisans sont des marins et Ramiro, lui-même, a le costume d’un moussaillon. Il est intéressant de regarder les éléments se mettre en place, comme un puzzle vivant dont chaque pièce viendrait naturellement épouser les autres. L’enthousiasme du Chœur de Grenelle est contagieux. Mathilde Rossignol en Angelina a la blondeur lisse de Catherine Deneuve dans Peau d’Ane. Son prince, Louis Reumond, possède la fragilité des âmes pures. Laurent Herbaut endosse le maillot de Dandini avec un naturel réjouissant. Jean Vendassi – Don Magnifico – se régale à jouer le barbon teigneux et méchant tandis qu’Alidoro – Baptiste Jore – tire les ficelles. Mention spéciale aux deux sœurs – Ania Wozniak (Tisbe) et Mylène Bourbeau (Clorinda) – dont on guette avec un délice coupable chacun des mauvais tours.

Chanter Rossini, avec l’agilité diabolique requise comporte trop de pièges pour que ces jeunes voix puissent tous les contourner. Mais là pour une fois n’est pas l’essentiel. L’équilibre des forces et l’esprit d’équipe prévalent ; la lecture se veut moins littérale que picturale. Dépeindre sans temps mort pour donner à aimer quand on ne connaît pas et, lorsque l’on connaît, s’extasier une nouvelle fois sur l’inépuisable fantaisie rossinienne.

Musicalement, le spectacle repose sur les dix doigts de Magali Albertini, fée du piano que la mise en scène maquille en Petite Sirène. Sans que jamais la mécanique ne s’enraye dans des ensembles menés tambour battant, la pianiste conduit le bal jusqu’à l’heureux dénouement. Captivés, les enfants, nombreux en raison de l’heure matinale de la représentation, applaudissent aussi fort que les adultes. Mesdames et messieurs les directeurs de théâtre à la conquête d’un jeune public, ne cherchez plus : c’est ainsi que l’on initie. Dernier rendez-vous, dimanche prochain, 16 décembre, à 11h. A quand la reprise ? 

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Il a fallu aussi tailler dans la partition, parfois cruellement, pour que la pièce n’excède pas une durée imposée. Aie, le finale du 2e acte ! Aie, la deuxième partie du trio patriotique et les couplets bachiques d’Oreste ! Laetitia Ayrès, qui interprète le fiston d’Agamemnon, a pourtant de la fantaisie à revendre et de l’énergie à dépenser. Ces coupures s’imposent pour que le spectacle avance joyeusement sans s’essouffler. Au piano, Magali Albertini mène la danse de ses dix doigts allègres : marche des rois, pyrrhique de Calchas et même tango apocryphe dont on se demande ce qu’il vient faire ici : tout est habilement animé pour pallier l’absence d’orchestre.

Les chanteurs sont également bons acteurs. L’accent sud-américain de Pablo Veguilla semble davantage le prédisposer au Brésilien dans La Vie parisienne qu’au roi Ménélas. Mickael Chartois passe ses « Evohé » en force mais, une fois le trac surmonté, allège l’émission et mixe les registres pour une berceuse de Pâris et un duo d’amour frissonnants. Surtout, Cécile Meltzer se coule avec une aisance confondante dans le rôle-titre. Port de tête royal, silhouette élancée, profil grec viennent  conforter une élégance naturelle et une voix, entre mezzo et soprano, dont timbre, ligne et diction ne sont pas les moindres atouts. Si finalement l’on passe un bon moment en compagnie de cette Belle Hélène, c’est aussi parce qu’Hélène est belle.

Jacques Offenbach, La belle Hélène. Paris, Théâtre du Ranelagh, les dimanches 6, 13, 20 décembre à 11h ; le mardi 15 décembre à 20h30 (plus d’informations)
 

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