Jean-Louis Grinda, qui signe la mise en scène, a confié à Louis Lavedan la réalisation d’un décor de bande dessinée, peint à l’aquarelle, pour l’Heure espagnole. La projection sur le rideau de scène du dessin d’un orchestre vide, où deux personnages s’entretiennent devant l’estrade du chef, introduit la comédie musicale. Pour la fantaisie lyrique qui constitue la seconde partie du programme, soucieux d’une approche fidèle, mais renouvelée, il « ne voulait pas voir de chaise qui chante, d’horloge qui parle, de tapisserie qui s’exprime ». La réalisation de Rudy Sabounghi, inventive à souhait, est d’une beauté et d’une efficacité rares. Les costumes sont à l’avenant. Le pari est gagné de nous offrir un Ravel allusif, d’une élégance raffinée malgré l’apparent fossé qui sépare les livrets.

Le vaudeville de Franc-Nohain, dont chaque réplique fait mouche, est d’une constante drôlerie, toujours ça pétille. Le décor projeté est savoureux, valorisé par des éclairages pertinents. Deux comtoises, refuge des amants frustrés, un canapé, une table et une chaise se marient remarquablement au dessin, fausse perspective, dont la verrière supérieure et la vitrine dispensent la lumière, changeante. Chacun connaît l’intrigue, où Conception attend impatiemment le départ de son mari pour satisfaire son appétit sexuel avec son amant-poète. L’arrivée inopinée d’un brave muletier au magasin, avant l’amant attitré, puis d’un riche banquier en quête d’aventure galante, va troubler ses plans. Les espagnolades de la farce, dès la charge du taureau contre l’oncle de Ramiro, sont remarquablement traduites par le jeu et les chorégraphies des chanteurs. Chaque mouvement est réglé avec une précision d’horloger qu’eût aimé le compositeur. Pour autant, Conception, son mari et ses amants sont de chair et de sang, même si le parti est pris de leur refuser l’échange de regards. La direction d’acteur y est magistrale.

La Concepcion qu’incarne Marie-Catherine Gillet est des plus belles que l’on ait vues et écoutées, sensuelle, aux aigus radieux, d’une assurance vocale et dramatique exemplaire. Son désarroi et le comique de situation et de langue n’excluent pas la sensibilité ni le pathétique. L’égalité et l’homogénéité de la voix, l’expression physique naturelle de son jeu, s’ils ne séduisent pas son poète prétentieux, conquièrent le public, après avoir ravi notre bonhomme de muletier « seul amant efficace ». Carlos Natale donne à Gonzalve, le ridicule versificateur vocalisant, une vérité burlesque. Le propos est toujours intelligible, le chant clair, virtuose, poussé à la caricature jusqu’au contre-ut. Kaëlig Boché nous vaut un Torquemada affairé, habile commerçant, burlesque témoin sinon complice des appétits sexuels de sa bouillante épouse, insatisfaite. La composition en est remarquable. Le banquier Don Inigo Gomez, est confié à Jean-Vincent Blot, voix aussi forte que l’homme est corpulent et prétentieux. Le personnage est vrai, jusqu’à sa touchante sérénade (« Oui, fou de toi », avec le basson). Le muletier-déménageur débonnaire, sensible et complexé, Ramiro, Ivan Thirion, est le plus attachant des hommes, avec une fraîcheur d’émission, une naïveté juste qui réjouissent.

Nous retrouverons les trois derniers, respectivement la Théière, la Rainette et le Petit vieillard (Kaëlig Boché), le Fauteuil et l’Arbre gémissant (Vincent Blot), et l’Horloge comtoise, le Chat (Ivan Thirion) dans la seconde partie, où leurs dons de comédien et leur voix font merveille, dans un tout autre registre.

L’enfant semble perdu dans une chambre monumentale, richement décorée où de nombreux domestiques s’affairent. Sa solitude, malgré sa violence, n’en est que plus perceptible. La chorégraphie de l’Enfant et les sortilèges, réglée par Eugénie Andrin participe au régal, tout comme la vidéo qui submerge progressivement l’arithmétique de ses chiffres, en ronde folle. Tous les tableaux sont également séduisants, traduisant les climats renouvelés de l’histoire. On glisse du réel vers un merveilleux onirique à la faveur d’animations et d’éclairages magistraux. Les costumes sont plus inventifs et colorés les uns que les autres, ainsi la Princesse, le Feu, la libellule, très proche de celle de la création. Si elle souffre parfois de quelques répliques d’une intelligibilité insuffisante, la distribution, dont l’engagement est total, s’affirme de très haut vol.

© Studio Delestrade

Brenda Poupard est bien cet enfant au seuil de l’adolescence, violent, révolté, dont l’agressivité se mue en compassion, puis en amour. Son jeu, servi par une morphologie idéale pour le rôle, s’appuie sur une émission admirable, sûre et habitée. « Toi le cœur de la rose » après que le rêve de l’Enfant ait été brisé, nous émeut. L’apparition, magique, de la Princesse d’Amélie Robins (qui chante aussi le Feu et le Rossignol) émergeant lentement du sommet d’une armoire, participe aussi à ce merveilleux poétique dont l’expression vocale agile et suraigüe est l’illustration. Chacune mériterait d’être citée, d’Anne-Catherine Gillet, que nous retrouvons en bergère, puis en chouette, à Alina Martin, en Maman lointaine mais aimante, sans oublier Albane Carrère (La tasse chinoise, la libellule, le pâtre), ni Ramya Roy (La chatte, l’écureuil), et enfin Héloïse Poulet (Pastourelle, puis Chauve-souris).

Pour ponctuelle que soit l’intervention du chœur, il faut en souligner l’excellence. La participation des danseurs du Conservatoire d’Avignon, de la maîtrise de l’opéra ajoute à la féérie de l’Enfant et les sortilèges. Artisan essentiel de ce succès, Robert Tuohy anime les musiciens de l’orchestre national du Grand Avignon pour créer ces ambiances changeantes, colorées, où les vents chambristes et les percussions nous régalent. Ravel comme on l’aime.

(1) Celui de l’Heure espagnole est signé Klaus Simon, celui de l’Enfant et les sortilèges est dû à Thibault Perrine. Tous deux sont aussi soignés, exemplaires. Pour avoir connu d’autres arrangements, dont une version piano quatre mains, flûte et violoncelle de la fantaisie lyrique, celle-ci est somptueuse.
(2) Pour l’Heure espagnole : 2 flûtes, petite flûte, 2 hautbois, cor anglais, 2 clarinettes, clarinette basse, 2 bassons, sarrusophone ou contrebasson, 4 cors, 2 trompettes, 3 trombones, tuba contrebasse, timbales, batterie, célesta, accessoires divers, 2 harpes, quintette à cordes. 
Pour l’Enfant et les sortilèges : 2 flûtes, petite flûte, 2 hautbois, cor anglais, 2 clarinettes, petite clarinette, clarinette basse, 2 bassons, contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, 3 timbales, triangle, tambour, cymbales, grosse caisse, tam-tam, fouet, crécelle, râpe à fromage ( ! ), wood-block, éoliphone, crotales, flûte à coulisse, xylophone, célesta, harpe, luthéal (piano), quintette à cordes.

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Brenda Poupard, que l’on connaissait pour son attachement au répertoire lyrique comme baroque, nous fait partager maintenant un projet qu’elle mûrit de longue date, avec le pianiste Jean-Michel Kim, également épris de la culture japonaise. Réalisation audacieuse, courageuse, loin d’un orientalisme de convention, aux pentatonismes infantiles, qui nous offre un riche programme, où de nos compositeurs rares sont encadrés par des figures passionnantes du pays du soleil levant. Autant de découvertes, chantées dans leur langue originale, japonais ou français, avec, en son centre, un chef-d’œuvre, sinon le chef-d’œuvre de Claude Delvincourt, nous y reviendrons.

Sadao Bekku, disparu en 2012, laisse une œuvre considérable, où la voix tient toute sa place. Il avait été admis en 1951 au Conservatoire de Paris après examen de ses Deux rondels. Une mélodie très conjointe qui se développe sur une ponctuation lancinante du piano, interrompue par un passage passionné, puis après son retour, par une séquence exaltée, avant de retrouver l’atmosphère initiale. La voix s’y déploie, longue, chaleureuse, avec une large palette expressive et une technique admirable, au service du texte : Brenda Poupard est une conteuse. Henriette Puig-Roget fut davantage connue de son vivant comme pianiste et organiste que comme compositrice. Dès 1979, elle enseignait à Tokyo, et les Trois mélodies proposées en sont un des legs. La geisha contemple la lune, la neige, nuit d’été, cette dernière capiteuse, lourde et humide, l’écriture pianistique en est remarquable.  Du recueil La lune à la fenêtre (1985), de Graciane Finzi, nous écoutons deux belles mélodies sur des haïkus, qui alternent heureusement avec les pièces d’Henriette Puig-Roget. Nous découvrons ensuite deux amples compositions de Fabien Waksman, la seconde, avec piano délicieusement préparé, prête son titre (Ivresse de l’aube) à cet album.

De Claude Delvincourt, on se souvient essentiellement de sa direction du Conservatoire durant la dernière guerre, et de son attitude exemplaire, courageuse. Cette activité a éclipsé le compositeur et c’est bien dommage. En 1925, il nous offre 14 poèmes (« utas ») traduits du japonais (Ce monde de rosée), aussi brefs que contrastés (2). Le cycle des saisons, ingénieusement organisé, appelle une écriture, toute d’élégance, qui est un régal. L’étrangeté, la surprenante modernité de chaque pièce fascinent. La conduite de la ligne vocale, longue, souple, fraîche et animée, comme l’écriture pianistique nous ravissent. Puisse cette découverte inciter des interprètes curieux à rendre vie à toutes ses mélodies ! Autre rareté, une Japonaise (n°4 des 6 mélodies et un duo, de 1892) de Pauline Viardot, dans le droit fil de la mélodie française, dont le sonnet atteste l’orientalisme cher à la fin du XIXe siècle Kaoli Ono, pianiste français d’origine japonaise, illustre Cinq Wakas (3) d’une poétesse du IXe siècle, dont le raffinement, la sensualité, la mélancolie et la fragilité, sont magnifiquement Illustrés par une voix ductile, riche, et par un piano somptueusement expressif. Pour conclure ce grand voyage, nous découvrons Hideo Kobayashi, éminent critique littéraire autant que musicien, arrangeur (4). La dernière mélodie, en japonais (les Mélèzes), nous ramène en des terres familières, où l’influence de la chanson internationale, tonale, est manifeste. Toujours, le piano complice de Jean-Michel Kim sait se faire discret comme véhément, subtil comme impétueux, percussif.

La brochure d’accompagnement, trilingue (français, anglais, japonais), ne comporte pas les textes chantés, accessibles par un QR code (défectueux sur l’exemplaire écouté, mais en cours de correction).

Un enregistrement exceptionnel, par son programme comme par ses interprètes. A découvrir !

(1) Les Trois poésies de la lyrique japonaise (3 , que Stravinsky écrivit en  1912, hélas rares, font figure de précurseurs. Evidemment la notoriété de Seiji Osawa, ou  de Messiaen dont la découverte du Japon qu’il visitait en 1962, allait susciter ses Sept Haïkaïs…
(2) Paul Landormy, son ami, témoigne que « chaque fois qu’il a terminé une œuvre, elle le déçoit, et il éprouve un grand découragement. Il médite sur l’inutilité d’écrire. Il se sent trop loin du but, son esprit critique crée en lui une souffrance très pénible. Une seule fois, il a réalisé exactement ce qu’il voulait (…) c’est lorsqu’il a écrit Ce monde de rosée… ».
(3) Le compositeur participe à la direction artistique du projet. Pour y voir plus clair avec les Wakas : mcjp.fr/fr/fr/quest-ce-quun-wake ; au cœur de la littérature japonaise durant sept siècles, le waka est une forme poétique fixe de 31 syllabes (5+7+5+7+7). 
(4) L’éditeur Schott a publié nombre de ses œuvres, dont Karamatsu (A Larch Grove), pour piano.

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Evoquer Leibniz, fut-ce avec irrévérence, à quelques pas de la statue du philosophe et des amphis, amener l’opéra au cœur même d’un lieu emblématique de l’université, voilà une proposition hautement pertinente pour les jeunes artistes de l’Opéra Studio de l’Opéra national du Rhin sous la houlette experte de Lambert Wilson. Narrateur ironique à l’humour grinçant, tour à tour cabotin, crooner ou libidineux, le comédien-chanteur campe un Pangloss hilarant de certitudes qui rend l’action aussi limpide que dynamique ; au point que l’absence de mise en scène n’est jamais pesante. Leonard Bernstein lui-même avait d’ailleurs fait le même choix en 1989 dans sa version avec le London Symphony Orchestra.

Ni ennui, ni temps mort, donc, dans cette soirée réjouissante, au diapason des tempi – très – enlevés choisis par l’excellent jeune chef de l’Opéra Studio, Samy Rachid. Ce dernier habite la partition des pieds à la tête, dansant presque face à Orchestre symphonique de Mulhouse à l’interprétation décoiffante, toute en vitalité juvénile, et ce, dès l’ouverture.

Acoustiquement, le lieu n’est pas simple, les artistes ne s’entendent sans doute pas très bien d’où quelques décalages. Sans cesse le chef se penche en arrière vers les chanteurs, accroche leur regard pour donner les entrées, puis pirouette vers l’avant pour soutenir le Chœur de l’Opéra national du Rhin à la pâte sonore opulente même si son anglais n’est pas toujours très clair.

Côté solistes, le Maximilien d’Oleg Volkov impose sa prestance décontractée et la projection puissante d’un organe au grain généreux sans aucun effort apparent.

Liying Yang, quant à elle, prête sa voix riche à la belle autorité au personnage délicieusement dévoyé de la vieille dame.

Nommée Révélation classique de l’ADAMI en 2021, Brenda Poupard collabore régulièrement avec le Poème Harmonique. Elle campe une Paquette tout en fruité que l’on aurait aimé plus entendre, tout comme Andrei Maksimov, impeccable d’autorité vocale ou encore Iannis Gaussin dont le Vanderdendur, félin, matois, révèle un vrai sens comique servi par une projection puissante et percussive.

Tous rejoignent le couple d’amoureux dans des ensembles bien équilibrés où perce le plaisir manifeste de pasticher tous les genres en jouant des couleurs et des nuances.

© DR

La Cunégonde de Floriane Derthe est un concentré de charme en fourreau lamé qui brille également par un timbre charnu, des aigus aussi faciles que ses graves sont bien campés. On perd parfois le personnage quand son œil trahit trop clairement la chanteuse en quête d’un appui pour une entrée mais il ne s’agit là que d’un défaut de jeunesse.

La révélation de la soirée est sans conteste Glen Cunningham qui, tout en assumant la modeste fonction du gouverneur, s’empare avec maestria du rôle titre en remplacement de son collègue, Damien Arnold, malade. Le jeune ténor force l’admiration tant il parvient à se détacher de la partition pour incarner un Candide tout d’ingénuité et de naturel, tant dans l’émission que dans le jeu, rendant l’incarnation naïve totalement crédible, ce qui est loin d’être facile.

Si l’instrument n’est pas démesuré, les forte sont d’une indéniable autorité, les piani délicatement filés dans un remarquable travail des nuances. Le chanteur colore même ses différents personnages d’une palette différente faisant montre d’une intelligence musicale qui force l’admiration.

Le propos universaliste de Voltaire est ainsi porté avec brio par des chanteurs du monde entier : chinois, russe, australien, écossais autant que français dans une version généreuse de cette « farce d’étudiant » qui nous démontre avec jubilation combien les voies de l’optimisme sont impénétrables.

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• Cyrielle Ndjiki Nya, soprano ; Kaoli Ono, Piano
• Ted Black, ténor ; Dylan Perez, piano
• Brenda Poupard, mezzo-soprano ; Anne-Louise Bourion, piano
• Adrien Fournaison, baryton – basse ; Natallia Yeliseyeva, piano

Comme les lauréats des promotions précédentes, ils suivront un parcours de quatre cycles de formation, de concerts et des masterclasses publiques encadrés à chaque fois par un duo de maîtres choisi parmi les plus grandes récitalistes de la scène internationale : été, automne, hiver, printemps.  

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La Création lumière de Marianne Pelcerf évoque des Leçons de Ténèbres qui seraient comme inversées car bougies et boules à facettes font basculer le spectateur de l’ombre à la lumière au fil de la soirée. Dans cet espace mouvant, les chanteurs déambulent en un ballet au flux et reflux hypnotique. La spatialisation existe déjà dans la partition avec des effets d’échos ou de réponses entre les solistes ou les instruments. Quelle belle idée de la donner à voir comme à entendre ! Ce chemin spirituel incarné modifie l’écoute jusqu’à des instants assez extraordinaires où, entourés par les chanteurs, l’auditeur se trouve baigné de vibrations.

Soutenu par la Région Nouvelle Aquitaine, en résidence à Brive-la-Gaillarde – mais également au Théâtre de Compiègne – la compagnie affirme son tropisme méditerranéen en entremêlant la partition de Monteverdi de musiques vernaculaires du sud de l’Europe. Ces psaumes anonymes en faux-bourdons, extraits d’un manuscrit de la bibliothèque de Carpentras, évoquent l’Italie, la Sardaigne, la Corse. Ils témoignent des métissages entre chant monodique religieux et polyphonie populaire de l’époque. La trame, ici, en est si habile qu’il est difficile de distinguer musique savante et profane ; la fluidité domine et l’auditeur est emporté dans un flux aussi irrépressible que fascinant. Familier des croisements de répertoire, Simon-Pierre Bestion croit à la transversalité de cette musique traditionnelle qui lui semble la source la plus adéquate pour revivifier le répertoire « sérieux » par le langage oral. Il parvient ainsi à immerger le public dans un rituel jubilatoire quasi païen.

Car le chef d’orchestre sculpte cette matière sonore enveloppante avec une formidable virtuosité. Sa direction très engagée, rythmique et expressive, tire le meilleur des vingt-deux instrumentistes tout comme des vingt-et-un chanteurs réunis pour l’occasion. Monteverdi laissant beaucoup de liberté aux interprètes, il faut saluer la pertinence des choix d’orchestration qui font la part belle à l’émotion et à la sensualité.

Parmi les solistes, tous d’excellente tenue, mention spéciale à Amélie Raison au soprano limpide et suave qui s’accorde à merveille au mezzo généreux de Brenda Poupard. Edouard Monjanel et Francisco Manalich, pour leur part, sont deux ténors aussi différents que touchants, tandis qu’Eugénie de Mey s’impose comme une narratrice à l’émission particulièrement naturelle.

Cet « opéra sacré » enregistré en 2018 tourne désormais dans cette magnifique version scénographiée. Elle sera applaudie cette année aux Flâneries Musicales de Reims, au festival de Rocamadour, au MC2 Grenoble ou encore l’an prochain au festival de Saint Denis.

Programmée dans le cadre de la Nuit Là-Haut, cette soirée s’inscrivait décidément sous le signe de la magie et de rituels mystérieux puisqu’à la sortie du concert, les spectateurs étaient invités à suivre les spectres étranges de la compagnie Métalu à chahuter jusqu’au jardin de la Cathédrale investi par des silhouettes diaphanes, âmes errantes au cœur d’une scénographie baroque d’une grande poésie.

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Onze ans après les représentations de janvier 2008, Cadmus revient donc, toujours avec son français « restitué », mais privé des images qui l’accompagnaient. Point ici de version semi-scénique, même si la plupart des chanteurs font l’effort de jouer leur personnage avec la même expressivité qu’ils pourraient déployer dans un théâtre. Il faut imaginer les épisodes relevant du merveilleux ; il faut évidemment aussi écouter les danses au lieu de les regarder, mais ce n’est finalement pas plus mal, on y reviendra. Somme toute, s’il y a un « moins » quelque part, c’est peut-être du côté du chœur. Faute d’avoir chanté cette musique en scène l’ensemble Aedes manque parfois un peu de vie, surtout dans le prologue consacré aux jeux champêtres ; le sacrifice à Mars est moins déficient, car son côté martial exige davantage d’énergie.

L’orchestre, en revanche, livre une éclatante démonstration de son talent dans cette musique, et notamment dans ces danses que, l’œil n’étant pas sollicité, l’oreille est d’autant mieux placée pour savourer des pages aussi admirables que la chaconne du premier acte. Le Poème Harmonique brille ici de tous ses feux, et l’on apprécie particulièrement les couleurs dont se pare la partition de Lully, entre les cornemuses de la pastorale du prologue, les bassons et les flûtes tout au long de l’œuvre, la trompette lors de l’invocation à Mars… La direction de Vincent Dumestre sonne plus animée que jamais, fruit d’une décennie d’expérience supplémentaire, peut-être.

Par ailleurs, il faut le souligner, on ne retrouve chez les solistes vocaux pas un seul membre de la distribution d’il y a dix ans. Renouvellement intégral, donc, mais le vivier baroque est suffisamment riche pour le permettre. Parmi les plus petits rôles, on admire la délicatesse de nuances dont font preuve dans le trio des Africains Kaëlig Boché et Benoît-Joseph Meier, celui-ci livrant par ailleurs une remarquable composition dans le rôle de l’Envie. Des deux princes tyriens, Enguerrand de Hys est celui qui rend le plus admirablement l’ironie de son personnage. Guilhem Worms manifeste en grand sacrificateur une majesté et une autorité impressionnantes, tandis que Nicholas Scott campe une truculente Nourrice. Faisant preuve d’une belle générosité vocale, Marine Lafdal-Franc est la seule soprano de l’équipe féminine. Eva Zaïcik n’a plus à prouver sa totale adéquation avec ce répertoire dont elle maîtrise parfaitement les codes ; on est ravi de la voir ici interpréter un personnage rieur, ce dont elle n’a pas souvent eu l’occasion. Franchement comique est le personnage d’Arbas, qui trouve en Lisandro Abadie un titulaire idéal, par ses mimiques et ses regards qui font mouche comme par son aisance dans le grave. On connaît les affinités de Thomas Dolié avec la tragédie lyrique : si Cadmus est un héros bien moins tourmenté que ceux où il s’épanouit le mieux, il ne lui permet pas moins de déployer toute la richesse de son timbre, notamment dans l’un des plus beaux airs de cet opéra, « Belle Hermione, hélas, puis-je être heureux sans vous ? » qui ouvre le dernier acte. Plus inattendue dans cette musique, Adèle Charvet prouve sa versatilité en offrant d’Hermione un portrait on ne peut plus différent de celui qu’offrait naguère Claire Lefilliâtre : autant celle-ci était aristocratique jusqu’au bout des ongles mais un peu froide, autant la mezzo fait preuve d’une sensibilité à fleur de peau et remporte un triomphe auprès du public.

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Puisant ses sources chez Ovide, le compositeur conte l’histoire de la nymphe Coronis, une chaste prêtresse de Diane qu’une prophétie a condamnée à finir noyée dans la mer Égée. Courtisée par le monstre marin Triton, aussi amoureux que colérique, elle échappe a deux reprises à ses tentatives d’enlèvement. Croyant trouver son salut en implorant le secours d’Apollon, qui va la désirer à son tour, Coronis déclenche une foule de cataclysmes, guerre céleste entre celui-ci et Neptune, raz-de-marée et finalement conflit terrestre qui met la Thrace a feu et à sang. Heureusement, les interventions comiques de deux graciosos, typiques de la scène espagnole, viennent détendre l’atmosphère à plus d’une occasion !

L’argument est donc bien dans le goût de l’époque, mêlant dieux et magiciens, amoureux et bouffons. Vincent Dumestre s’est attaché à faire renaître toute l’originalité de l’œuvre, et les conditions mêmes de son interprétation lors de sa création. « Le plus remarquable  – explique-t-il – tient à une distribution entièrement féminine ou presque, partagée entre sept sopranos incarnant aussi bien l’héroïne qu’Apollon ou Neptune, et un ténor jouant le vieux devin Protée. Reflet d’une Espagne où seules les femmes, au sein des troupes théâtrales, étaient formées au chant, tandis que  les chantres de la chapelle royale dédaignaient la scène ».

Quant à la musique elle-même, également bien dans son époque, elle est d’une infinie variété, usant même de castagnettes et d’airs populaires espagnols. On y trouve déjà des lamenti poignants, et des grands airs préfigurant l’opera seria. La direction de Vincent Dumestre, d’une extrême précision comme à son habitude, met en valeur les cordes, mais aussi les harpes, guitares et percussions.  Les chœurs de nymphes, tritons et néréides, et de chasseurs et bergers Thraces, constituent sur scène un contrepoint dynamique et bien chantant, animé d’acrobates et de danseurs, et d’acteurs et chanteurs aux silhouettes toutes fort drôles, avec même un clin d’œil à la tauromachie.

Scène finale © Photo Philippe Delval

Car le metteur en scène Omar Porras a réalisé un exceptionnel travail de direction d’acteurs, dans les sobres décors d’Amélie Kiritzé-Topor. Il arrive magistralement à faire s’enchaîner les scènes tragiques, tristes, sentimentales et burlesques, en une sorte de spectacle de tréteaux. Il n’en sacrifie pas pour autant les personnages de l’histoire, à chacun desquels il donne une personnalité forte et singulière, grâce aussi aux costumes drôles et colorés de Bruno Fatalot. Le jeu des acteurs est particulièrement contrôlé et juste, notamment dans le dernier duo entre Coronis et Triton.

La mise en scène est une totale réussite, un régal des yeux, offrant une lisibilité parfaite de l’histoire brièvement interrompue par des rideaux façon Brecht, mais peints en accord avec le déroulement de l’action (par exemple des bleus tourmentés pour évoquer la mer en furie). Elle est faite aussi de moments savoureux à des titres divers, comme l’amusante arrivée de Coronis dans la grotte, l’apparition surprise de Neptune tout de bleu et vert vêtu, ou celle d’un bien improbable Apollon, figure désarticulée toute dorée fort drôle sortant d’une malle de vieux habits dans des crachements de pyrotechnie. Clin d’œil aussi aux « machines » du Grand siècle, quand Neptune s’élève dans les airs, assis dans un coquillage rouge. Et il y a même des moments de pure comédie, bien dans la tradition des gracioso et graciosa (bouffons), avec le bégaiement de Ménandre, sa fuite avec sa femme lors de l’incendie du temple, et le trio des balais, qui singe les devoirs conjugaux réciproques. Très drôle aussi, presqu’au second degré, l’affrontement final de Neptune et d’Apollon, le tout sous d’étonnants jeux pyrotechniques.

La grande triomphatrice de la soirée est Isabelle Druet, Triton de haut vol, caractérisé tant par le jeu scénique et la voix chaude et expressive de son interprète, que par ses intonations allant du charme aux éclats les plus inquiétants. Tout cela se résume dans l’air plein d’émotion « Dites-moi plantes, fleurs, sources…, où est ma bienaimée ? », qu’enrhumé, le monstre maléfique chante ses pieds difformes plongés dans une bassine d’eau chaude. Ana Quintans est une Coronis aussi sexy que rousse, vive, délurée, expressive à souhait, à la voix incisive, peut-être avec un tout petit bémol, un certain manque de puissance dans le bas médium. Protée, seul rôle attribué à un chanteur, est brillamment défendu par Emiliano Gonzalez Toro, qui excelle dans ce répertoire. Sa voix de ténor sonore et bien conduite, sait exprimer, par des inflexions savantes, la complexité du personnage.

On oublie vite que Neptune et Apollon sont chantés par deux mezzos, tant leur interprétation est en adéquation avec l’ensemble de la production. Caroline Meng en dieu de la mer, et peut-être plus encore Marielou Jacquard en dieu du soleil sont absolument épatantes, mettant une impeccable technique vocale et des voix fort sonores au service de ces deux personnages à la fois inquiétants et drôles malgré eux. Anthéa Pichanick et Victoire Bunel chantent les deux paysans bouffons Ménandre et Sirène, chargés des intermèdes comiques entre les moments dramatiques, et y réussissent totalement, sans jamais charger le trait. Tous les autres interprètes sont également talentueux, faisant montre dans la globalité d’un véritable travail de troupe, en même temps que d’une préparation musicale de très grande qualité.

Tout au long de la représentation, on est tout à la fois séduit, amusé, attristé, effrayé, et dans tous les cas très intéressé par tout ce qui arrive du fait de cette malheureuse, espiègle et inconstante Coronis. Et finalement, on en arrive à plaindre l’abjecte Triton, qui n’en finit plus de mourir sous nos yeux. Fort heureusement, dans cette version, tout se termine par le double mariage de Coronis et d’Apollon, et de Ménandre et Sirène. Cette magnifique résurrection constitue un spectacle fascinant, drôle et jubilatoire, à ne manquer sous aucun prétexte.

Création au théâtre de Caen le 6 novembre 2019. Le spectacle sera présenté à nouveau à Caen les 7 et 9 novembre, puis les 31 janvier et 1^er février 2020 à l’Opéra de Rouen, les 11 et 12 février 2020 à l’Opéra de Limoges, le 13 mars 2020 à la Maison de la culture d’Amiens, les 22, 24 et 25 mars 2020 à l’Opéra de Lille, et les 2, 3 et 4 mai 2021 à l’Opéra Comique.

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