Christiane Karg est engagée dans la carrière de chanteuse depuis 2006, après avoir obtenu le prix Lili Lehmann et s’être formée au Mozarteum de Salzbourg auprès de Wolfgang Holzmair puis dans des master classes avec Grace Bumbry, Robert Holl, Mirella Freni ou Ann Muray. Engagée à l’opéra studio de Hambourg puis de Francgort, elle mène depuis lors une carrière honorable dans des rôles de soprano léger à l’opéra ou en concert.

La voix hier nous a paru relativement étroite, peu soutenue, peu ancrée dans le corps – qui d’ailleurs bouge sans cesse d’un pied sur l’autre au point de vous donner le mal de mer – et dès lors pauvre en couleurs et en capacités expressives. Sur le plan technique, la voix présente un petit vibrato serré permanent qui est sa principale couleur, toutes les fins de phrases retombent comme vidées de leur énergie, livrées à elle mêmes, sans conduite. Elle montre peu de soin dans les intervalles ou les notes de passage qui sont le plus souvent escamotées. C’est dans le haut medium que la voix est le plus à son aise. Le grave est très peu sonore, parfois à la limite du parlando.  L’interprétation est souvent affectée, on peut même parler de maniérisme, et certainement pas guidée par une émotion sincère et spontanée. Si j’explique tout ceci, c’est pour argumenter mon opinion négative, qui sinon pourrait être prise pour un caprice ou un parti pris de ma part, ce qui n’est pas le cas.

La diction en revanche est extrêmement appuyée, chaque consonne bien mise en évidence, comme pour compenser par l’expression du texte ce que la voix ne parvient pas à exprimer par elle-même. Tout cela donne une image sonore peu libre, pas du tout spontanée, sans grand relief pour soutenir l’attention ni susciter l’émotion. L’artiste était peut-être simplement dans un mauvais jour, ça peut arriver mais ça n’explique pas tout. Rendez-vous raté, donc, en ce qui me concerne.

Le pianiste français David Fray est lui aussi doté d’un curriculum impressionnant. Né à Tarbes dans une famille d’intellectuels, c’est à Montréal qu’il se fait remarquer tout d’abord en remportant en 2004 un second grand prix à l’International Music Competition. Il a beaucoup joué Bach en concert et en enregistrements, ainsi que Mozart et Schubert. A la ville, il est aussi le gendre de Riccardo Muti. Il adopte au clavier une position un peu inhabituelle, assis en fond de chaise le dos appuyé au dossier et loin du clavier, avec le corps peu engagé, ce qui lui donne une sorte de distance, une impression de survoler le répertoire plutôt que de s’y plonger à bras le corps. Son jeu est discret, certainement tempéré par le volume réduit de la voix qu’il accompagne, et débouche sur une sorte de mezzo-piano permanent vite lassant. Le travail de musique de chambre entre les deux artistes semble avoir été réduit au minimum, on sent très peu de communion entre eux.

Si on ajoute à cela que le programme du jour, pour intéressant qu’il soit d’entendre des Lieder de Schubert qui sortent des sentiers battus, ne contient pas que des chefs-d’œuvre, on comprendra que nombre de spectateurs se soient réjouis qu’il ne soit pas trop long. Chacune des deux parties du concert est elle-même divisée en deux sections inégales, entre lesquelles les artistes quittent la scène pour y revenir pour une seule mélodie : assez longue et de forme strophique très répétitive de surcroît, écrite par un Schubert de 14 ans, avec des élans de romantisme touchants mais encore assez maladroits, à la fin de la première partie (Leichenfantasie D.7), et en fin de seconde partie, la mélodie Elysium, qui clôture le programme – c’est vraiment étrange.

Un seul bis qui débute par les vers  Schöne Welt, wo bist du ? viendra, dans une forme d’ironie sans doute involontaire, mettre un terme à ce récital.

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C’est avec Reynaldo Hahn que débute la seconde partie. Les accents nostalgiques dont la chanteuse parsème « A Chloris » et les délicats pianissimi qu’elle dispense dans « L’Heure exquise », notamment sur la dernière note longuement tenue, enchantent les spectateurs. « La Barcheta », sur un texte en dialecte vénitien, avec ses lentes vocalises et son rythme envoûtant, joliment ciselée par la mezzo-soprano, conclut en beauté ce groupe de mélodies.

La soirée s’achève avec Frauenliebe und Leben que Schumann avait composé deux mois avant son mariage avec Clara sur des poèmes d’Adelbert von Chamisso. Ce cycle évoque en huit parties les grandes étapes de la vie d’une femme, depuis sa rencontre avec l’être aimé jusqu’à son veuvage. Nombreuses sont les cantatrices qui ont abordé ces pages, tant à la scène qu’au disque, et le public qui attendait l’interprétation proposée par Karine Deshayes n’aura pas été déçu. La cantatrice qui avait déjà abordé l’œuvre par le passé en a donné une version sensible et attachante. Soulignons, le soin avec lequel le texte est déclamé et sa tentative louable de créer pour chaque lied le climat qui lui est propre, les prémices de l’amour, l’amour passion, le bonheur conjugal, l’amour maternel et finalement le deuil. Nul doute qu’avec le temps elle approfondira encore son interprétation tant ce cycle sied idéalement à ses moyens comme en témoignent le timbre lumineux de la chanteuse, sa voix solide dont la dynamique lui permet d’alterner de subtiles demi-teintes pour évoquer les émois de l’héroïne et d’impressionnants éclats pour clamer sa passion ou crier son désespoir comme dans la première phrase du dernier lied « Nun hast du mir den ersten Schmertz getan ».L’effet est rendu d’autant plus saisissant sur cette phrase par David Fray qui fait sonner son piano comme un glas lugubre. Tout au long de la soirée, le musicien s’est imposé davantage comme un partenaire que comme un accompagnateur. Sa première collaboration avec Karine Deshayes constitue une éclatante réussite qui trouve son acmé dans ce cycle dont la riche écriture pianistique lui offre l’occasion de montrer l’étendue de son immense talent jusque dans le bouleversant écho du premier lied, dévolu au piano seul à la fin du cycle.

Fidèle à la Salle Gaveau, Karine Deshayes s’y produira de nouveau le 5 décembre prochain en compagnie cette fois de Jérôme Corréas et de son ensemble Les Paladins dans un programme dédié à Mozart qui reprend en partie celui de son dernier album.

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Pure jouissance vocale ? Non, car ce qui nous est donné ici, c’est, comme l’écrivait Victor Hugo, « la beauté de l’âme qui se répand comme une lumière mystérieuse sur la beauté du corps » (ou de la voix, ajoute témérairement votre serviteur). Rien de narcissique ou de démonstratif ici, mais une célébration permanente du génie mélodique et de l’inventivité de Franz Schubert : les variétés de phrasé, qui n’excluent pas quelques libertés avec le rythme, sans que l’intelligibilité s’en ressente, trouvent dans chaque mélodie son juste poids expressif, et sa part dans l’ensemble du cycle. Ce sont les fantastiques accélérations de « Erstarrung », intenses mais pas tout à fait hallucinées (car le promeneur n’en est pas encore là, à ce stade de son voyage), l’émerveillement sincère du « Lindenbaum », où le temps se suspend, les allègements impalpables de « Irrlicht » et de « Rast », dont l’enchaînement dans un même souffle forme comme un cycle dans le cycle, le sarcasme de « Die Post », jamais surpris ou scandalisé, déjà bien fataliste. Car tout ce qui suivra est logique, évident : « Die Krähe » est le début d’une fin vers laquelle on progresse implacablement. On ne prend même plus la peine de moquer les bourgeois dans « Im Dorfe », on constate simplement qu’on n’est déjà plus de ce monde. Bien que pas toujours irréprochable dans les triolets et les doubles-croches les plus rapides, le piano de David Fray est à l’avenant de l’engagement de Mattei, refusant de tenir pour acquis le tempo ou la nuance qui pourrait tomber sous les doigts, à la recherche constante  de la vérité nue contenue dans chaque mesure. « Der Leiermann », concentré comme rarement, libère les ovations d’une salle bouleversée – à peine perturbée, à plusieurs reprises, par ce qui semblait être les interférences d’un appareil auditif : on pardonne bien volontiers à son propriétaire, car ce qui se jouait sur scène valait la peine d’être entendu.

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Elle s’apprête non seulement à prendre la direction de l’Opéra mais enchaîne également ses prestations vocales.

Récemment, elle a fait merveille dans un Turc en Italie dont Christophe Rizoud a fait ici l’éloge. Elle vient de récidiver dans cet air extraordinaire de Mozart « Ch’io mi scordi di te ? » qui est comme un double concerto pour voix et piano. Avec ses divers épisodes et ses changements de caractère, c’est un petit opéra à lui tout seul. Le texte commence par : « Que je t’oublie ? Ah non , la vie serait pire que la mort ! »

Mozart l’a dédié à Nancy Storace, créatrice de Suzanne dans les « Noces de Figaro ». Il en était certainement amoureux. Certains musicologues en doutent mais la musique l’affirme. Quoi de plus explicite, en effet, que ce couplet ouvert par un solo de piano «  Non temer, amato bene, per te semper il cor sarà» (« Ne crains rien, ma bien aimée, mon cœur sera toujours à toi ») ? A la création de l’œuvre, Mozart était lui-même au clavier. Il s’adressait directement à Nancy Storace.

Mais qu’aurait-il dit, Mozart, s’il avait entendu Cecilia Bartoli, éblouissante de vocalises et de musicalité ? Il serait tombé à ses pieds !

Voilà plus d’un quart de siècle que son chant nous charme. Et ça ne semble pas près de s’arrêter !

A ses côtés, le pianiste David Fray fut un partenaire idéal, minutieux, précis. Toutes ses notes étaient belles comme des perles. Il en fit un collier autour du cou de la cantatrice. Quant au Philharmonique de Monte-Carlo dirigé par Kazuki Yamada, il accompagna le tout avec douceur et élégance. L’esprit de Mozart était là !

Ovation du public.

Bouquet de fleurs à la cantatrice.

De ce bouquet, Cecilia retira une rose pour le chef.

On eut droit alors à une image qui restera dans nos mémoires : le chef dirigeant, une rose à la main, l’alleluia de l’ « Exulate jubilate » entonné en bis par l’inimitable Bartoli. Le chevalier à la rose !

Le reste du concert, entièrement consacré à Mozart, fut constitué d’un  21e concerto de rêve, d’une exaltante 1e symphonie (composée à l’âge de… 8 ans, quel génie cet Amadeus !) et d’une très belle symphonie « Jupiter ».

« Chi’io mi sordi questo concerto ? » Non, pas question d’oubier ce concert !

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