© Mirco Magliocca

C’est essentiellement par la réalisation musicale, sur scène et dans la fosse, que ce spectacle gagne ses galons. En ce soir de première, il est normal que quelques réglages restent d’actualité. Demeurent quelques décalages (à l’orchestre ou entre fosse et scène) et surtout un équilibre meilleur à trouver entre les voix et les instruments, qui ont tendance tout du long à couvrir la scène. Le jeune chef italien (il a 25 ans) Riccardo Bisatti dirige pour la première fois l’orchestre du Capitole et il le fait bien ; l’ouverture est ciselée, parfaitement lisible. Il manquera toutefois une homogénéité des tempi, qui fait que l’on a parfois l’impression d’assister à une juxtaposition de numéros sans véritable fil conducteur (par exemple le « Deh vieni a la finestra» est pris très lentement alors que la scène du cimetière est alertement troussée). L’ensemble des pupitres est comme souvent irréprochable.
On attendait le Don Giovanni et Nicolas Courjal et l’on n’est pas déçu ; le diable est dans cette voix sombre, féline, parfaitement portée et qu’aucune difficulté technique n’effraie (on note cependant quelques imprécisions dans la prononciation de l’italien). Le portrait qu’Agnès Jaoui trace du séducteur nous laisse en revanche perplexe. C’est celui d’un homme tout d’un bloc, un véritable monolithe, qui ne connaît pas le doute et semble dépourvu même de réflexion. On le verra du début à la fin avec le même sourire moqueur, distancié certes, mais qui fait fi de l’évolution psychologique du personnage tout au long de la pièce. Certes, Don Juan prend son monde de haut, mais toutes les avanies (« décidément une sale journée », dira-t-il) qu’il rencontre doivent faire évoluer le personnage, contribuer à le densifier, à montrer de lui une facette bien moins caricaturale que celle d’un séducteur qui ne pense qu’à chiquer et séduire à tour de bras. Le Juan doit se saisir de lui-même et aller jusqu’à douter. Don Giovanni est-il un personnage intéressant s’il ne se pose pas de question ?
Face à lui, Vincenzo Taormina (Leporello) est un acteur de talent ; le baryton est solide, l’air du catalogue plaisant mais  la voix se perd souvent dans les ensembles (le trio du début du I). Adrien Mathonat est un Masetto qui ne se laisse pas marcher sur les pieds et il sait très bien faire cela, Sulkhan Jaiani nous dresse un beau portrait de Commandeur ; la basse est riche, solide et il fait frémir lorsqu’il revient chercher Don Giovanni. Enfin on aura pris beaucoup de plaisir à entendre les deux arias d’Ottavio. Dolvet Nurgeldiyev délivre notamment un magnifique « Il mio tesoro », très habité.
Le trio féminin est de tout premier ordre. Anaïs Constans est absolument parfaite en Zerlina, amoureuse de son Masetto, mais totalement déboussolée par le séducteur. Karine Deshayes est une magnifique Elvira ; il faut retenir essentiellement son « In quali eccessi… mi tradi quell’alma ingrata » qui trace avec profondeur et toute crédibilité le portrait d’une femme qui ne sait plus à quel saint se vouer. Grande performance dans cette aria du II. Et que dire de celui de donna Anna, incarnée par une Andreea Soare des grands jours : la voix puissante et ductile lui permet d’aborder crânement les pièges de son « Crudele !… Non mi dir » et de venir à bout des coloratures qui parsèment la partition. En réalité ce sont ses deux grands arioso et aria des premier et second actes qui ont suscité l’enthousiasme.
Neuf représentations de Don Giovanni sont prévues à Toulouse. Forumopera rendra compte de la distribution en alternance.

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Les sœurettes Céline Laborie (Clorinda) et Julie Pasturaud (Tisbe) confirment qu’elles sont décidément irrésistibles en mégères qu’on ne voudrait surtout pas apprivoiser. Les deux voix se complètent bien, insufflant ce qu’il faut d’acide et de fiel tout au long de l’ouvrage. Floriane Hasler est une belle découverte en Angelina. La voix est bien posée, la technique déjà solide. Elle gère bien la longue partition du rôle-titre en évitant de s’aventurer sur des chemins risqués, préférant une conduite prudente, ce qui lui permet d’aborder le « Non più mesta accanto » final avec les réserves nécessaires. Autre belle découverte, la basse solide et chantante d’Adolfo Corrado en Alidoro et un « La del ciel nell’arcano profondo » revigorant. Michele Angelini est Don Ramiro à la voix étroite dans les aigus mais solide dans le milieu de la gamme. Pas de chance ce soir-là pour Philippe Estèphe qui n’a pu proposer qu’un acte en Dandini, la voix lui ayant fait défaut pour le second, ce qui nous a valu une réapparition de Florian Sempey.
Orchestre toujours irréprochable sous la conduite d’un Michele Spotti décidément très inspiré dans ce répertoire.

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Il y a deux distributions pour cette Cenerentola qui sera donnée huit fois au total. Dans ce premier cast, nous assistons à la prise de rôle d’Adèle Charvet pour Angelina ; peu avant cette première, elle nous avait confié le défi que représente cette partie qu’elle qualifiait d’Everest, pour le comparer au rôle de Rosine, qu’elle chante depuis quelque temps. C’est à une belle prestation que nous assistons pour cette première. Il faut d’abord saluer la consistance qu’Adèle Charvet donne à ce personnage. A la différence de ses sœurs, cette Angélina, plus stricte, voire sévère, jusque dans son habit qui tranche avec celui de Clorinda et Tisbe, concentre et incarne les vertus de patience, bonté, et humanité. La voix entre vite dans le rythme et montre d’emblée une belle agilité dès les premières vocalises. La souplesse est là, la chaleur des graves ; seuls les aigus forte sont parfois forcés et perdent en musicalité, mais il est clair que c’est un rôle qu’Adèle Charvet pourra reprendre. Les deux sœurs sont incroyables de drôlerie. Céline Laborie est une Clorinda piquante à souhait et Julie Pasturaud une Tisbe impayable. Toutes les deux jouent aussi bien qu’elles chantent et Dieu sait que la mise en scène est exigeante pour ces deux personnages. Alex Rosen est un Alidoro fougueux et véhément. La voix de Levy Sekgapane en Don Ramiro peut surprendre ; tenorino capable d’aller cueillir à bout de voix les plus hautes notes, il fait montre d’une technique certaine qui lui permet de ne jamais sortir de la route. Don Magnifico est le formidable Vincenzo Taormina, qui a accepté de remplacer Nicola Alaimo ; il chantera donc les huit représentations. Il recueille de bruyantes ovations méritées ; même si son entrée est un peu laborieuse, son « Sia qualunque delle figlie » poussé par un orchestre lancé à toute allure est étourdissant, le reste du II à l’avenant. Florian Sempey enfin est un Dandini superlatif ; on retrouve chez lui tout ce qui fait notre bonheur ; une élégante nonchalance dans le geste et le chant, un sens inné du jeu, une capacité à sans cesse improviser à bon escient sur scène. Et puis quelle voix ! Timbre tantôt léger, tantôt viril, puissance présente à la demande, Sempey est décidément à son meilleur.

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Christopher Alden  a beaucoup d’idées. Broadway n’est jamais très loin et il sait animer un plateau, si vaste soit-il. La direction d’acteurs, aboutie, est très fouillée, même si certains effets sont d’un grotesque accusé, tel Narciso le contrefait, tel le chœur des travelos du bal masqué. Alors, pourquoi reste-t-on sur sa faim ? Le parti pris de transposer l’ouvrage dans les années cinquante ? Le décor unique, d’un mauvais goût manifeste, des costumes également quelconques ? On les supporte et on s’y habitue.  Beaucoup de clins d’œil, de gags parfois subtils, sans que leur cohérence soit perceptible. Le public n’est pas aidé dans sa compréhension d’une intrigue rendue complexe par la mise en abyme.

Rarement on a rencontré distribution plus homogène et de si haut vol. On attendait la prise de rôle d’Elena Galistskaya en Fiorilla. C’est la révélation. Elle campe cette jeune femme libérée avec beaucoup de finesse, de charme et d’autorité. Dès sa première intervention « Non si dà follia maggiore », il est clair qu’elle a toute la panoplie d’une rossinienne, dont elle se sert à merveille. Une voix d’exception, superbement agile, pleine et égale dans tous les registres, fraîche, légère à souhait lorsqu’il le faut, inventive dans son ornementation. La ligne de chant est très souple, servie par une voix longue. C’est une Fiorilla idéale, avec ses aigus naturels, une maîtrise vocale et dramatique rares. On l’aime partout mais peut-être plus encore dans le recitativo accompagnato et l’air « I vostri cenci » où elle mesure son désespoir, Selim lui ayant préféré Zaida et Geronio, son mari, la renvoyant chez ses parents. L’émotion est perceptible dans ce qui est un des sommets de l’ouvrage. Une suite naturelle à l’air de la Comtesse des Noces de Figaro, jusqu’à ce que l’allegro typiquement rossinien succède, assorti de tous ses traits de bravoure, de sa pyrotechnie. Ordonnateur de l’œuvre, le poète est Vincenzo Taormina, toujours présent, actif à travers ses abondants récitatifs, et quatre grands ensembles. De la classe, tant vocalement que scéniquement, le personnage est crédible malgré certaines outrances de la direction d’acteur. Quant au chant, il est remarquable. De vrais récitatifs, animés à souhait, justes de ton. La belle et ample voix est expressive, souple, jamais le débit rapide imposé ne pose problème. Le Geronio de Tiziano Bracci est vrai, humain, sensible et fin, aux antipodes du mari trompé dont les infortunes font rire. C’est un splendide baryton au timbre clair, d’une grande élégance, rompu à l’art de Rossini, avec l’abattage nécessaire, se doublant d’un excellent comédien. Sa cavatine « Vado in traccia d’una zingara » campe bien le personnage, dont l’évolution psychologique est particulièrement soignée pour arriver au pardon final. C’est Damien Pass que l’on retrouve en Selim (prise de rôle). Hors de toute convention, il n’est ni vieux, ni bedonnant. La séduction qu’il exerce sur Fiorilla, et l’amour de Zaida s’en expliquent d’autant mieux. Même si on imagine le personnage plus méditerranéen,  truculent, jouisseur, sa curiosité, son intelligence et sa naïveté sont toujours justes. La voix est séduisante, large, bien timbrée. Un peu plus de vaillance et c’est parfait. Zaida est Catherine Trottmann : malgré sa jeunesse, c’est déjà une rossinienne chevronnée à la technique impeccable, « sensible et affectueuse » comme l’écrivait Romani. Le timbre est riche, la voix est ample et nous touche. Narciso est caricaturé à l’extrême, avec une certaine vulgarité, sans que cela fasse vraiment rire, hélas. Le burlesque et le grotesque sont décidément à la mode (on se souvient du Barbier de Séville, de Sivadier, ici même, de Don Quichotte chez la duchesse, de Niquet avec Shirley et Dino…). Claudiquant, simple d’esprit, engoncé dans son imperméable de conspirateur, où il cache son poignard, l’amant (?) jaloux de Fiorilla est chanté par Luciano Botelho, qui connaît bien l’ouvrage. Toujours à l’aise, même dans les positions les moins favorables, le chant est clair, soigneusement orné, avec quelques aigus en force. Enfin, Albazar, ami de Zaida, est chanté par Juan Sancho, seul rescapé de la création aixoise. La voix, bien qu’encore verte, est pleine de promesses, agile, sonore et parfaitement articulée. Son sorbetto, air « ajouté » par Romani, est un régal, tout comme doivent le penser les choristes envahissant la scène, un « gelato in mano ». Mais qu’en retient le public ?

En grand chef lyrique, Antonello Allemani, avec des tempi toujours justes, impose un rythme inconnu jusqu’alors à l’orchestre et au plateau : il en résulte une jubilation permanente. L’Orchestre Dijon-Bourgogne est sorti de sa chrysalide : tour à tour léger, aérien et puissant, toujours vivace, souple, articulé, avec de belles couleurs, des bois mozartiens, un cor et une trompette solos qui forcent l’admiration. Les chœurs, souvent sollicités, avec une exigence chorégraphique aboutie, s’y montrent sous leur meilleur jour. N’oublions pas un acteur essentiel : le continuo au piano-forte de Raffaele Cortesi, spirituel, inventif, truffé de citations qui sont autant de clins d’oeils, rien que du bonheur.

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Aussi frustrant qu’il peut être de se présenter à un spectacle déjà commencé, les conditions d’approche et d’écoute de l’œuvre arrivent cependant à en être heureusement magnifiées. C’est le cas pour ce Barbiere di Siviglia découvert dans un lieu mythique s’il en est à Venise, le joli Teatro Malibran. Il ne faudrait jamais programmer un opéra à la sortie de l’aéroport où les retards sont banals et fréquents, mais il était trop tentant de voir cette dernière du Barbier, même incomplète. Après une excitante traversée de la lagune et le plaisir de retrouver la ville aimée et les ruelles étroites qui mènent au petit théâtre, nous voilà installée à l’étage dans une loge de côté pour ne pas déranger, au moment même où Rosine aborde « Una voce poco fa ». Las, la vue restreinte et de biais donne sur un paravent plutôt ringard et la gestuelle de Chiara Amarù paraît excessive et artificielle, jugée à froid. La voix, en revanche, est assurée et pleine, surtout dans le médium, généreuse autant qu’espiègle, idéalement véloce quoique parfois trop sonore de par sa proximité quasi immédiate. La vue plongeante sur la fosse et sur Stefano Rabaglia, le chef, permettent de voir ce dernier articuler – en playback, dieu merci ! – chaque mot prononcé par l’ensemble des chanteurs. Merveilleux souffleur, il est aussi tout à fait à son affaire dans la direction d’une formation équilibrée pour chaque pupitre où l’on se surprend à entendre quelques rares décalages dans une mécanique par ailleurs bien huilée et en mesure.

L’entracte permet de descendre et de s’installer à l’orchestre, bien dans l’axe cette fois et à bonne distance. Le public momentanément un rien dissipé tarde à s’installer à la reprise, sans doute parce que le bar est fermé et que ceux qui souhaitaient se rafraîchir ont dû sortir du théâtre… Mais cette fois, l’angle de vision permet de saisir idéalement les décors de Lauro Crisman. Une série de drapés en carton-pâte donne sur une porte-fenêtre ouvrant sur un balcon. Des tableaux suspendus symétriquement et le reste du mobilier donnent de faux airs de visage de Mae West détourné en appartement surréaliste par Dali. Dès lors, les costumes ultra-conventionnels et la gestique empreinte de tics issus de la Commedia dell’arte prend une autre dimension. La mise en scène de Bepi Morassi oscille d’ailleurs constamment entre classicisme et trouvailles émoustillantes. On se surprend à y voir des correspondances avec le travail d’un Ponnelle sur La Cenerentola, par exemple. De nombreux clins d’œil au cinéma complètent l’inventivité d’un spectacle très réussi au final. Par exemple, quand le comte revient déguisé, il porte le même costume que Basilio. Leur confrontation accidentelle donne lieu à une savoureuse parodie de la scène de rasage du chef-d’œuvre de Max Linder, Sept ans de malheur, dans laquelle un majordome essaie de cacher à son maître le drame du miroir brisé en prenant la place du reflet. Au point culminant de la colère de Bartolo, le jeu d’éclairages crée des ombres dignes du Nosferatu de Murnau. Bien intégrées au propos, ces citations renforcent le comique et la portée de l’œuvre, si besoin en était.
 
Le plateau vocal est homogène et les ensembles sonnent impeccablement, à l’exception notable de Berta interprétée par une Giovanna Donadini à la voix fatiguée mais encore largement sonore, au point de voler occasionnellement la vedette aux autres, dans une gouaille et une vulgarité assumée qui fait d’elle la gagnante toutes catégories à l’applaudimètre. Maxim Mironov a incontestablement le physique attendu pour Almaviva ; sa diction est satisfaisante, mais il manque de volume, ce qui est vraiment dommage, tant il est convaincant par ailleurs. Omar Montanari est remarquable en Bartolo, surtout pour la clarté et la précision des passages les plus véloces. Ce serait le barbon idéal s’il n’était pas aussi séduisant et évidemment juvénile sous le grimage pourtant réussi. Davantage en retrait, Luca dall’Amico offre une « Calunnia » honnête mais sans éclat particulier comme pour le reste de son incarnation de Basilio. Vincenzo Taormina complète avantageusement cette distribution qu’il coiffe effrontément de sa fantaisie ébouriffante. Beaucoup d’abattage et des manières de grande folle le rendent irrésistible en Figaro impayable. Quel dommage d’être arrivée trop tard pour assister à son grand air qui, s’il était de la trempe de ce qui a suivi, a pu être mémorable. Mais il aurait été stupide de se priver de ce Barbier de qualité dans un superbe théâtre – si on en oublie le caractère défraîchi, mais c’est l’affaire d’un coup de peinture – qui a longtemps été le plus important de la ville avant que la Fenice ne le détrône.

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