Le concert s’ouvre avec Mimi de La Bohème au seuil de sa vie, au cœur du printemps  de son existence, avant que celle-ci ne s’achève prématurément.  Marie- Laure Garnier nous offre une interprétation de « Mi chiamano Mimi » à faire pleurer les pierres. Tour à tour rêveuse, langoureuse, extatique, la lauréate des Voix d’outre-mer campe une Mimi profondément émouvante, mais qui semble prête à affronter son destin quel qu’il soit. Un destin qu’elle semble toutefois prendre à bras le corps ne s’en laissant pas compter. Dans le « Sola, perduta, abbandonata » de Manon Lescaut, Marie-Laure Garnier montre toute la plénitude de son talent. Elle fait la démonstration de moyens vocaux de grand lyrique imposants où un grave mirifique côtoie des aigus étincelants. Doté d’un tempérament bien trempé et d’une présence saisissante, elle n’interprète pas un personnage, elle l’habite viscéralement. Au seuil de sa mort imminente, c’est une Manon Lescaut terriblement humaine qui nous saisit tout entier, et laisse une empreinte d’un profond désespoir mais restitué avec force et dignité.

Pouvait-on imaginer cadre plus approprié que la Cathédrale Saint Louis pour évoquer le personnage puccinien par excellence, Tosca, les lieux prenant alors pour l’occasion des allures de Basilique Sant’Andrea della Valle. Le « Vissi d’arte » permet à Axelle Fanyo d’occuper l’espace avec une voix puissante, charnue, opulente, servi par une diction claire et ferme et un timbre séduisant. Et si dans le médium elle se fait parfois débordée par l’orchestre, elle reprend vite la main avec un remarquable registre aigu. Son tempérament dramatique donne aux nuances qu’elle insuffle à son chant, une impression de facilité déconcertante. La chanteuse n’incarne pas uniquement un personnage elle nous en narre l’histoire. Elle cultive à l’évidence l’art du dire qui donne à son chant une autre dimension, comme dans « Un bel di vedremo » avec lequel elle clôt avec brio le concert. L’émotion est palpable et le frisson parcourt l’assistance.

Faustine de Monès, Clément Mao-Takacs, Marie-Laure Garnier, Axelle Fanyo©Brigitte Maroillat

Au côté de ces dames, nous devions retrouver le ténor Yu Shao qui avait capté toute notre attention quand il était encore l’élève de José van Dam à la Chapelle musicale Reine Elisabeth. Celui-ci ayant in fine déclaré forfait, il a été remplacé par la remarquable soprano Faustine de Monès.  Elle campe ici une Musette d’une belle prestance avec un timbre clair et une maîtrise souveraine de la nuance. Sa canzone di Doretta de La Rondine relève de la virtuosité avec des aigus étincelants dans l’écrin d’une ligne de chant impeccable. Une voix à suivre de près dans les années à venir.

Au pupitre, on retrouve un comparse musical de Marie-Laure Garnier, le jeune chef Clément Mao-Takacs que nous avions eu le plaisir de voir diriger  la soprano dans un concert à Orsay donné autour d’une exposition « Le modèle noir ». Toujours à la tête de son Secession orchestra, il assure une direction efficace et investie dans un lieu qui ne brille pourtant pas par la qualité de son acoustique. Dans une approche équilibrée, il laisse suffisamment d’espace aux voix pour qu’elles s’expriment pleinement tout en conférant à la musique la place qu’elle mérite par une attention soutenue apportée à chaque instrument.  L’évidente complicité entre le chef, ses musiciens et les solistes confère une belle énergie à ce concert. Sur le plan symphonique, le chef nous entraîne, en outre, dans une échappée belle dans l’univers de Nino Rota, avec une interprétation impressionnante d’une suite de 22 minutes dédiée à La Strada, l’orchestre tout entier investi dans un festival de glissando de cordes, de cuivres triomphants et de percussions hallucinantes. Un chef survitaminé à l’enthousiasme communicatif et des voix touchées par la grâce, voici le cocktail qui attend les auditeurs de  Radio Classique le 2 janvier prochain. Un moment de ravissement à ne pas manquer.

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Comme le titre de l’exposition l’indique, il s’agit de montrer comment ont été représentés les individus originaires (directement ou à travers leurs ancêtres) d’Afrique subsaharienne. Autrement dit, de même que les cimaises d’Orsay ne présentent pas avant tout les œuvres de peintres eux-mêmes noirs, l’Auditorium n’était pas tenu de nous donner à entendre la musique écrite par Scott Joplin ou Harry Lawrence Freeman. Le programme du concert du 16 avril incluait pourtant une pièce due à Tom Wiggins (1848-1908) dit « Blind Tom », et une suite de Robert Nathaniel Dett (1882-1943) : de fait, la dernière salle de l’exposition s’ouvre aux artistes de la Harlem Renaissance, donc l’Auditorium est loin de manifeste un zèle excessif en révélant au public français cette musique trop rare.

Pour tout le reste du programme élaboré par Clément Mao-Takacs, en résidence au musée avec son Secession Orchestra, on en reste au « modèle », autrement dit à des œuvres de compositeurs blancs ayant puisé leur inspiration dans ce que Césaire appelait la négritude. Les questions de lexique se posent d’emblée, puisque le concert s’ouvre avec The Little Nigar de Debussy. Alors que toutes les toiles visibles dans l’exposition ont soigneusement été rebaptisées pour expurger leur titre du mot « noir » ou d’autres termes ouvertement racistes, la musique n’a pas encore subi cette mode. En l’occurrence, le lexique choisi par Debussy porte en outre le poids d’une faute d’orthographe – c’est « Nigger » qu’il faudrait – le mot ayant été édulcoré par les versions ultérieures (The Little Negro est moins insultant). Quoi qu’il en soit, ce morceau bien connu n’a jamais fait partie de Children’s Corner, contrairement à ce qu’affirme le programme de salle, suite à une confusion vraisemblable avec un autre « danse nègre » due à Debussy, et au titre tout aussi raciste, « Golliwogg’s Cakewalk », qui fait bien partie, elle, de l’album destiné à sa fille Chouchou.

C’est avec O King de Luciano Berio que Marie-Laure Garnier fait son entrée. Ceux qui avaient vu la soprano dans Reigen de Boesmans au CNSMDP n’avaient pu oublier l’ampleur de cette jeune voix, mais l’hommage du compositeur italien à Martin Luther King ne lui permet guère de déployer tous ses moyens. On y articule, on y susurre beaucoup, mais l’on n’y chante vraiment qu’à très peu d’instants.

Il faut donc attendre l’inévitable « Summertime » pour que Marie-Laure Garnier montre de quoi elle est capable. Isolé de son contexte, coupé de Porgy and Bess pour devenir un morceau de concert, ce qui n’est au départ qu’une berceuse s’est transformé en morceau de bravoure pour cantatrices, et c’est ainsi qu’il faut le prendre cette fois encore. Pendant les quelques minutes que dure cette « chanson », l’artiste nous fait apprécier ses aigus (on en a d’un seul coup plein les oreilles), mais aussi sa diction, là où tant de grandes voix ne s’embarrassent guère de consonnes.

Ces qualités, on les goûte surtout dans les admirables Canciones negras de Montsalvatge. Marie-Laure Garnier ne rencontre aucune difficulté lorsqu’il s’agit de proférer à un rythme rapide les différents poètes choisis par le compositeur (métis cubain, Nicolás Guillén, auteur de deux chansons sur les cinq du recueil, est l’exception qui confirme la règle, les autres étant tous des auteurs blancs décrivant les Noirs). Elle sait distiller les mots de la fameuse « Canción de cuna para dormir a un negrito », et trouve sans peine la pulsation du « Canto negro » final. Dans cette musique dont les rythmes et les délectables dissonances rappellent les Saudades do Brazil de Darius Milhaud, le Secession Orchestra, aux pupitres de bois et de cuivres particulièrement présents, se révèle riche de couleurs acidulées, et le bis – une reprise du « Canto negro » – semble plus endiablé encore. Tout juste remarque-t-on que la voix de Marie-Laure Garnier, sonore dans le grave et dans l’aigu, se laisse davantage recouvrir par les instrumentistes dans le medium.

On sait pour le moment qu’après son Ygraine dans le récent Ariane et Barbe-Bleue, la soprano reprendra le chemin de Toulouse pour être Junon dans Platée. Espérons que d’autres théâtres auront la bonne idée de l’engager pour la guider dans une carrière qui s’annonce prometteuse.

Quant au Secession Orchestra, il reprend le 18 avril au soir deux des œuvres présentées le 16 (Debussy, Dett), mais au sein d’un programme très différent, avec le baryton Edwin Fardini.

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C’est enfin, ce soir, rendre un hommage mérité à Henry-Louis de La Grange. Sa disparition, au début de l’année, ne pouvait être ignorée à l’Auditorium du Musée d’Orsay, où sont régulièrement chantés les Lieder de ce que compositeur qu’il contribua tant à faire aimer.

Mais c’est peut-être surtout, en vérité, la chance de recevoir de plein fouet la suprême intelligence d’une interprétation qui n’accuse ni le poids des ans, ni l’usure des moyens qui, fatalement, devrait l’accompagner. Les allègements requis par la version pour orchestre de chambre d’Eberhard Kloke, le haut de la tessiture, où se concentre un univers de douleur contenue, la tenue de la ligne, qui ne se borne pas ici à être ferme, mais qui au contraire plie aux aléas du texte et de la mélodie face à la tragédie du départ, sans rompre aux exigences d’un phrasé toujours souverain, rien de tout cela n’est altéré. Mieux : comme avec tous les grands artistes, une année supplémentaire n’équivaut pas à de la texture vocale perdue, mais offre plutôt son lot de couleurs, d’accents, d’inflexions apportées par chaque nouveau concert, et par la découverte de nouveaux répertoires – Hampson aura ainsi attendu 2017 pour sortir, avec « Serenade », son premier disque intégralement consacré à la mélodie française. On a beau être habitué à l’intelligence du chanteur, l’expérience, ce soir comme ailleurs, est renversante.

Donné après l’entracte, le long récit de l’ « Abschied » tranche avec la première partie, exclusivement composée de pièces courtes alignant les figures de la Vienne « Fin-de-Siècle », plus Richard Wagner. Fondateur du Secession Orchestra, qui évolue dans ce répertoire en variant constamment son effectif et ses instruments, Clément Mao-Takacs n’en est pas seulement le chef d’orchestre, mais quasiment aussi le compositeur : il a transcrit 5 des 8 pièces données ce soir. Si cette succession d’œuvres aux styles plutôt proches finit paradoxalement par être plutôt répétitive, et si certains pupitres (notamment les cordes) manquent encore de cohésion et d’aisance, la curiosité et l’audace de l’ensemble finit par séduire : sous les auspices de Gustav Mahler, d’Henry-Louis de la Grange et de Thomas Hampson, c’est tout naturellement qu’ils trouvent l’inspiration !

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Composés pour Karita Mattila, la version de chambre de ces Instants permettait peut-être à des voix plus légères de s’emparer de l’œuvre (bien que Barbara Hannigan en ait déjà fait qu’une bouchée avant). Mais malgré le soin dans l’instrumentation apporté par la compositrice, Marisol Montalvo peine à se faire entendre dans le Studio 104 de Radio France. Les notes aiguës, non vibrées et piano sonnent à merveille mais dès qu’il s’agit d’y mettre un peu de corps, la projection se révèle plutôt insuffisante. Ajoutez à cela une diction française brumeuse, et c’est aussi le texte (d’Amin Maalouf, tout de même) qui se perd dans les méandres de l’orchestre. Heureusement que le Secession Orchestra sous la direction de Clément Mao-Takacs fait sonner la partition presque comme s’il s’agissait d’un véritable orchestre.

Autour de l’œuvre de la compositrice finlandaise se greffaient celles trois autres compositeurs. Après Beasts de Davor Branimir Vincze, dont on ne retient pas grand chose viennent de très poétiques Litanies nocturnes de Florent Motsch.

La deuxième partie du concert était consacrée à Ophelia/Tiefsee de Juha T. Koskinen, un mélologue (oui) pour comédien, alto solo et ensemble dont on retiendra surtout la performance (trilingue) de l’acteur Thomas Kellner et la mise en scène amusante et originale d’Aleksi Barrière.

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*Clermont-Ferrand, Maison de la Culture, vendredi 14 novembre 2014, 20h

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