Le hasard des programmations veut que trois Orphées aux Enfers se soient succédés ces dernières années en trois points de la région parisienne (le conservatoire du XII^e arrondissement en 2023, Oya Képhalé à Asnières en 2025, et ce soir en 2026). Loin de moi l’idée de vouloir les comparer, encore moins de les classer, les conditions pour chacun sont très différentes. Le niveau vocal n’est pas le même entre un conservatoire d’arrondissement de Paris et le conservatoire national, encore moins pour un groupe formé d’amateurs. Et pourtant la confrontation est pleine d’enseignements.

Le spectacle de ce soir bénéficie d’abord d’un bel orchestre aux sonorités claires et veloutées à la fois, mené de manière excellente par Mathieu Romano, qui avoue ne pas être un spécialiste d’Offenbach, et qui pourtant donne une interprétation particulièrement convaincante, avec un rythme endiablé, tout en restant très attentif au plateau pour rattraper les petits problèmes qui ont pu se présenter. En revanche, les costumes pêchent un peu par leur uniformité, car si l’Opinion publique éclate dans son costume rouge vif, et si Pluton a fière allure dans son cuir noir, l’ensemble tire plutôt sur le blanc, ce qui n’aide pas à dégager les personnages. Et une mise en scène assez minimaliste et peu inventive semble laisser la représentation suivre son cours sans trop interférer…

C’est donc d’ailleurs que viennent les coups de cœur. John Styx est un rôle en or, dans lequel on a vu nombre d’excellents interprètes. Mais Angelo Heck est ce soir bien au-dessus de la mêlée. Premier à l’applaudimètre final, il a mis la salle dans sa poche. On ne sait ce que l’on doit le plus admirer, de sa prestance, de son humour pince sans rire au second degré, de la qualité de sa diction, de la beauté de sa voix chantée, mais surtout de l’originalité de sa prestation, gestuelle, personnification du rôle, bref, c’est plus qu’un sans-faute, c’est du grand art. Dans un autre registre, on se souvient avec ravissement de l’extraordinaire Cerbère shaggy dog de Thomas Stache dans la production historique d’Herbert Wernicke à Bruxelles (1997). Ce soir, ce sont trois danseurs épatants, Lua Timóteo Pires, Ilann Bouallala-Laurent et Raphaël Foucou, qui démultiplient le rôle en trois dogues parfois drôles, mais le plus souvent inquiétants, qui assurent de plus magnifiquement, dans une chorégraphie d’Anaïs Vallières, le ballet si souvent coupé. La représentation leur doit beaucoup.

Les premiers rôles présentent également certaines personnalités qu’il conviendra de suivre. Lisa Bensimhon est une Eurydice à la voix chaude et charnue, très à l’aise sur toute la tessiture y compris le suraigu. Sans doute son personnage est-il encore en devenir, mais elle distille magnifiquement ses airs, notamment au 2^e acte, et est certainement appelée à de grands succès futurs, en particulier dans l’opéra français. Matthias Deau est un Orphée de belle facture, avec une autorité servie par une haute stature, et une voix sonore et agréable. Le rôle d’Aristée/Pluton a été attribué à une cantatrice, Juliette Nouailhetas, ce qui surprend au premier abord, mais se justifie dans les partis pris de mélange des genres. Avec autorité, toujours accompagnée de ses trois dogues, elle crée un vrai personnage particulièrement bien en situation, servi par une voix bien adaptée. Enfin Maria Soler Vidal, armée d’un fouet qui jouera un grand rôle dans la scène finale, assure une Opinion Publique autoritaire à souhait. Les graves de sa voix conviennent bien au rôle, même si parfois la partie parlée – qu’elle a visiblement beaucoup travaillée – reste un peu en retrait. C’est chez les dames qu’il convient surtout de saluer le reste de la distribution, avec les très bonnes prestations d’Estère Katrïna Pogiņa (Vénus), Audrey Maignan (Diane), Chun Li (Cupidon), Clarisse Fauchet (Minerve) et Adélaïde Mansart (Junon). Jupiter et Mercure font des efforts méritoires pour se hisser au niveau général.

Prochaines représentations les 11 et 13 mars 2026

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Le livret conçu par Emmanuel Reibel, musicologue, auteur de nombreux livres sur la musique et conférencier, assure la continuité dramatique de ce spectacle composite. (Incidemment, son prochain ouvrage : Berlioz, 1869 – 2019, cent cinquante ans de passions, paraîtra en avril)

Par un réglage au millimètre des entrées et sorties des comédiens, solistes et masses chorales, sans aucun instrument – hormis un piano (Érard 1902 ! – joué amoureusement par l’excellent pianiste Orlando Bass – la mise en espace, conçue par le jeune metteur en scène Benjamin Prins est remarquable de fluidité. Au point qu’elle semble parfois relever de la magie. Avec seulement quelques accessoires, les saynètes se succèdent avec naturel et dégagent un charme romantique de bon aloi, surtout grâce à de jolis costumes alternant avec des tenues contemporaines.

Avec un physique idéal pour incarner Berlioz, le comédien Frédéric Le Sacripan est étonnant, tant il ressemble à Berlioz jeune. Lui même en a été surpris. Quand on lui fait la remarque, il répond avec malice que c’est peut-êre parce qu’il est né à Grenoble, non loin de la Côte-Saint-André. Il sait  d’ailleurs se montrer aussi révolté, fougueux, insubordonné, passionné, désespéré que son modèle… On ne serait pas surpris que le personnage du compositeur lui colle à la peau par la suite.

Les étudiants en médecine et divers comparses, garçons et filles, passent avec aisance d’un rôle à l’autre. Quant aux artistes des chœurs, dirigés par Sarcos avec une énergisante souplesse : ils effectuent un travail remarquable tant sur le plan vocal que dans leurs déplacements et nombreux changements de costumes. Tous participent discrètement et prestement à la manipulation des petits meubles et accessoires. 

On regrette seulement l’absence de sur-titres indiquant les références des œuvres interprétées et les paroles des chœurs, toujours difficiles à comprendre. Hélas la salle ne possède pas l’équipement adéquat.

Parmi les moments de grâce, citons : La Symphonie fantastique, le bal,  dans la transcription piano de Liszt  ; le « Rondo nocturne » du Ballet des Ombres.  Et surtout, le sublime « Adieu des Bergers à la crèche » de L’enfance du Christ, particulièrement émouvant dans cette mise en images.

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Construit en 1811 par l’architecte François-Jacques Delannoy, puis remanié dans le courant du XIXe siècle, ce bâtiment partiellement classé historique depuis 1921, est aujourd’hui menacé par la vente de ses parties non classées, d’un haut intérêt artistique pourtant, décidée dans le cadre de l’installation d’une Cité du Théâtre, boulevard Berthier dans le XVIIe arrondissement parisien en 2022 – projet non contesté par ailleurs.

Un courrier, envoyé en 2011 au Directeur général de la création artistique (dont dépend le Conservatoire) expliquait que ces éléments non protégés – le vestibule, le grand escalier, le salon d’honneur et la salle Louis Jouvet – « forment un ensemble cohérent de grande qualité architecturale et décorative qui mériterait de bénéficier également d’une protection au titre des monuments historiques ». Ce courrier est resté inexplicablement lettre morte. En l’absence de classement par le ministère de la Culture, la destination de ces éléments serait laissée à l’appréciation du futur acheteur, à savoir une probable destruction.

« On ne peut impunément vendre tout ce qui fait l’histoire de la France, et encore moins son histoire culturelle et artistique », s’indigne Didier Ryckner. Au vu de la gestion patrimoniale de Paris ces dernières années, il semblerait que si.

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Dans le cadre unique de la Salle historique de l’ancien conservatoire, construite au début du XIX^e siècle où tant d’œuvres ont été crées ou exécutées, en présence de fameuses personnalités du monde musical et des Lettres, l’orchestre d’instruments d’époque en parfaite symbiose, un chœur chantant sans partition, et trois solistes à l’excellente diction et à l’engagement dramatique sans faille — Clémence Barrabé, soprano mutine à la voix pure, Sébastien Obrecht, ténor lyrique à souhait, Aimery Lefèvre, baryton basse convainquant — nous ont fait vivre un moment de grâce totale. Et comme Sarcos nous y invite dans son éditorial, on est prêts à voter Haydn « parce que c’est bon pour la santé et le moral ». Prochain concert ce soir, vendredi 3 mars, au même endroit, à 20h30. Puis, des extraîts, concerts « coup de foudre » en tournée, à Nancy, Meaux et Rouen dédiés aux jeunes de 13 à18 ans éloignés de la culture (plus d’informations).

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© Ferrante Ferranti

Dirigés avec rigueur par David Reiland, chef applaudi à Saint-Etienne ou ici-même dans un répertoire plus classique, les seize élèves de l’Orchestre du Conservatoire de Paris mettent en relief la finesse du tissu instrumental élaboré parBetsy Jolas, qui s’autorise tous sortes de jeux rythmiques et sonores, convoquant même un accordéon pour un moment de bal populaire. Forte de son expérience de professeur d’analyse musicale et de composition, la compositrice écrit pour les voix sans jamais les brutaliser et sans craindre de recourir parfois à leur virtuosité. Si le baryton Julien Clément semble assez épargné par le rôle de Schliemann, qui n’appelle pas de prouesses vocales, la perle rare de la distribution est sans doute la soprano belge Marianne Croux, qui bénéficie des pages les plus lyriques de la partition, au service desquelles elle met une voix superbe, à la fois large et agile, et une diction précise : voilà une artiste sur qui on serait prêt à parier beaucoup pour les années à venir. Présente à l’avant-scène en tant que récitante, la mezzo Anaïs Bertrand est appelée à s’exprimer dans un tout autre registre, mais on se laisse séduire par son timbre. Gâtée en 2014 avec le personnage de Farnace dans Mitridate, dans lequel elle avait fait forte impression, Eva Zaïcik n’a cette fois qu’un petit rôle. Impossible de passer sous silence le formidable talent comique du ténor Fabien Hyon, dont la verve scénique se déploie sans que son chant en pâtisse le moins du monde : voilà un autre nom à retenir. Leurs partenaires ont moins d’occasion de s’imposer, mais assurent tout aussi dignement leur mission dans cette création-exhumation : espérons maintenant qu’Iliade l’amour ne connaîtra pas le même sort que les bijoux exhumés par Schliemann, disparus de leur musée berlinois pendant la Deuxième Guerre mondiale pour ne reparaître qu’un demi-siècle plus tard.

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