Quatre œuvres instrumentales ponctuent ce concert dédié à ces cantates profanes et spirituelles destinées à la direction de jeunes âmes féminines ou aux plaisirs de la Cour, deux de Dumont dont une très belle Pavane, une Sarabande de Marin Marais (un peu trop lente ici peut-être pour une danse de cour) et un extrait de l’Actéon de Charpentier où la viole de gambe a superbement chanté la plainte du héros éponyme en pleine transformation en cerf, une punition de l’inflexible Artémis. Le soprano Jehanne Amzal, repérée déjà chez William Christie, a livré une interprétation inspirée pleine de la foi et de la simplicité d’une jeune fidèle (Prologue de Caecilia Virgo et martyr , « Venez, venez, Sœurs mélodieuses » dans la version pour deux dessus). Sa déclamation mélodique subtile a également magnifié Virgo Gloriosa et In lectuleo meo de Dumont avec toute l’intensité expressive voulue, bien secondée par le dialogue avec le dessus de viole pour la seconde cantate de chambre. Sa voix éthérée aux inflexions souples envoûte aussi dans la longue déploration de Magdalena Lugens mais elle a moins convenu à la cantate d’Elisabeth Jacquet de la Guerre (l’aigu manquant parfois de rondeur, pour l’histoire, le dialogue et la morale de Suzanne et les Vieillards) avec ses neuf strophes non dénuées ici d’un peu de monotonie. Le travail sur cette musique française par le Concert de la Reine n’en est pas moins fascinant sous la ferme impulsion de Chloé de Guillebon. Il est en toute justice très applaudi.

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Cela dit, quand on voit monter sur scène Reinbert de Leeuw, on commence par s’interroger : avec ses huit décennies au compteur, est-il vraiment le mieux désigné pour enfiler une tenue de cosmonaute ? S’il vous paraît affaibli, vous serez détrompé dès les premiers instants du concert, et le chef néerlandais se métamorphose aussitôt pour devenir le plus vif, le plus énergique des meneurs de troupe. L’arrangement pour petit orchestre semble réussir le miracle de ne rien faire perdre de la partition telle que Mahler l’avait conçue, miracle qu’on imputera non seulement au génie du transcripteur mais aussi aux qualités des membres de l’ensemble Het Collectief. Précision des attaques, fluidité du jeu et intensité de l’interprétation, tout est réuni pour conférer à cette réduction la force de l’original.

Lucile RIchardot, Reinbert de Leeuw, Het Collectief © Sébastien Laval

Quant aux deux chanteurs, on se réjouit que ce soit la version pour mezzo et ténor qui ait été retenue, plutôt que celle qu’a également prévue aussi Mahler, pour baryton et ténor (quand ce n’est pas désormais un unique ténor barytonnant qui chante tout). Des deux solistes, l’un a l’expérience de ce Chant, l’autre pas, mais l’œuvre est écrite de telle sorte que cela ne se remarque pratiquement pas. Au ténor sont dévolues les trois pages les plus extroverties, et Yves Saelens s’investit à fond dans ces évocations des joies ambiguës de l’ébriété, avec un expressionnisme tout à fait bienvenu, qui ne lui interdit nullement le respect des nuances. Même par-dessus le plus rutilant des déferlements sonores, le ténor belge mobilise l’ensemble de ses capacités physiques sans toutefois céder jamais à la tentation du cri : s’il n’a pas l’enthousiasme juvénile de certains, il a toute la puissance souhaitable pour chanter le vin, la vie et la mort.

Premier Lied von der Erde pour Lucile Richardot, et l’on espère que bien d’autres viendront, y compris avec grand orchestre, tant s’est avérée bouleversante cette première interprétation pleine de pudeur et dont la retenue correspond si bien à la délicatesse des sentiments exprimés par cette autre voix. Loin des sortilèges baroques, le timbre de la mezzo trouve ici à s’employer tout aussi idéalement, en combinant aux couleurs sombres qu’appelle la partition une fraîcheur dont ne sont pas toujours capables des interprètes plus mûres. Dominées par la nostalgie, le regret, la douleur de l’absence, ses trois interventions sont mémorables, et devraient atteindre le cœur des Vénusiens aussi sûrement que celui des Terriens. Porté par les terrifiants déchirements orchestraux, « Der Abschied » constitue bien le sommet attendu, et ses ultimes « Ewig » répétés d’une voix à peine perceptible, parlés autant que chantés, semblent flotter dans une autre dimension de l’espace-temps.

Heureux Terriens que nous sommes, de pouvoir écouter semblable musique, aussi célestement interprétée par nos semblables.

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A 19h30, pour ce premier des deux concerts de la soirée du 13 juillet, les voyageurs sont conduits directement quelque part entre la fin du XVIe et le début du XVIIe siècle grâce à l’ensemble l’Achéron. Douze instrumentistes parmi lesquels François Joubert-Caillet qui les dirige tout en jouant du ténor-de-viole. Et ce qui frappe d’emblée, c’est la complicité totale qui unit les musiciens : tous échangent des regards amusés, ou parfois surpris, comme s’ils découvraient au fil du concert certaines des options retenues par les uns ou les autres, des fantaisies qu’ils s’accordent et qui, peut-être, ne leur étaient pas encore venues en répétition. En effet, se présentant comme un « Big Band baroque », l’ensemble qui fête ses dix ans a choisi de faire la part belle à l’improvisation, telle qu’on la pratiquait à l’époque de Monteverdi ou de Sigismondo d’India, deux des compositeurs inscrits au programme. Tout part donc d’une base rythmique, d’un ground, mais l’on ne reste pas longtemps au sol puisque chacun est libre tour à tour de s’envoler par-dessus ce plancher commun. L’enthousiasme partagé par les instrumentistes se communique très vite au public, dont les têtes et les épaules se mettent à remuer, irrésistiblement, au son de ces musiques pour la plupart fort guillerettes, portées par les sonorités ô combien dépaysantes du cornet à bouquin, de la doulciane ou du cistre.

Chantal Santon et l’ensemble L’Achéron © Sébastien Laval

Avec ces improvisations alternent les airs interprétés par Chantal Santon-Jeffery. Bien connue pour sa collaboration avec le Centre de musique baroque de Versailles, la soprano remonte cette fois un peu plus loin dans le temps pour prêter sa voix ductile et virtuose à quelques pages dont certaines comptent parmi les plus connues de ce répertoire : on pense au Lamento della ninfa, privée de ses trois bergers mais non moins émouvante, ou à Zefiro torna, où les instruments ne cessent de répondre à la voix de la chanteuse. Cette dernière mélodie, donnée en clôture de concert, est d’ailleurs la seule dont le sujet soit joyeux, toutes les autres évoquant plutôt les peines d’amour. Programme majoritairement italien, avec une petite escale en France pour Une jeune fillette ou Doulce Mémoire. Très chaleureusement applaudis, les artistes offrent en bis une belle surprise : Doulce Mémoire à nouveau, mais où cette fois les instrumentistes se font chanteurs et, bouche fermée, placent la voix de Chantal Santon dans un superbe écrin choral.

A 22 heures, c’est vers une tout autre destination, géographique et temporelle, que nous entraîne le récital de Kelly God. Découverte à Saintes dans les Wesendonck Lieder avec orchestre l’été dernier, cette soprano néerlandaise en troupe à l’Opéra de Hanovre revient pour une soirée plus intime, d’exploration du lied allemand de Mendelssohn à Richard Strauss. Une fois l’embarquement terminé, c’est Anne Le Bozec qui fournit aux passagers quelques explications sur le vol, pour mieux favoriser une écoute attentive. Cette fois, le décollage est un peu moins facile, car la voix wagnérienne de Kelly God semble avoir quelque peine à se plier aux limites d’une page aussi célèbre que « Auf Flügeln des Gesanges », qu’ont pu aborder des chanteuses aux moyens bien plus réduits. Fort heureusement, cette impression de gêne se dissipe aussitôt après, quand la soprano peut véritablement déployer ses propres ailes, et le Mendelssohn capricieux de « Neue Liebe » a tout le piquant souhaitable. Avec Brahms, l’artiste montre qu’elle est définitivement chez elle dans la deuxième moitié du XIXe siècle, son chant habité se fait bouleversant (magnifique dialogue mère-fille dans « Liebestreu »), mais également très capable d’humour (« Vergebliches Ständchen »). On reste sur de semblables altitudes avec Liszt, subjugué par les brusques éclats de « Freudvoll und Leidvoll », envoûté par la sirène de « Der Fischerknabe ». Admirablement accompagnée par le jeu si sensible et si intelligent d’Anne Le Bozec, Kelly God atteint les sommets avec Richard Strauss, et le comble, c’est qu’elle y parvient même sur un lied aussi archi-connu que « Morgen », avant de conclure sur une fort belle interprétation de « Befreit ». En bis, retour à Brahms avec « Feldeinsamkeit », tout aussi superbe.

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