Quand on est pas loin du Guinness des records, on maîtrise l’art subtil de trop en faire. Regards en coin, roulement d’yeux, ricanements, marivaudages, effroi… rien ne manque à la palette scénique de Sondra Radvanovsky. Endurance, aigu péremptoire, forte à forcer l’accélération des travaux de Bastille, ce messa di voce à la toute fin d’un « Vissi d’arte » par ailleurs sobre… : Sondra Radvanovsky use de toute sa science belcantiste, non par ostentation mais avec une intelligence musicale hors pair. Car en creux, derrière cette voix sûre d’elle-même et cette incarnation excessive, elle dessine une Tosca faible, jouet de ses passions, qui tue plus par réflexe qu’autre chose, qui se gausse sur le corps de Scarpia (« avanti a lui… ») pour sombrer dans une crise de nerf immédiate. Il fallait bien cinq cent et quelques Tosca pour nous apprendre encore quelque chose sur le rôle.

Combien de secondes Yusif Eyvazof tient-il le « Victoria » du deuxième acte ? Un certain nombre, on n’a pas compté. Lui aussi, touts décibels dehors confère à Mario des traits bravaches et assure le spectacle avec autant de ressorts comiques que de traits dramatiques. « E lucevan le stelle » lui permettra aussi de fendre l’armure dans une ligne souple et de beaux accents pathétiques. Gevorg Hakobyan, qui fait ses débuts à l’Opéra de Paris, dispose de tout ce qu’il faut pour croquer un baron Scarpia ogresque, n’était une interprétation encore en surface : les notes, le volume et la projection sont là (y compris pour surnager dans le « Te Deum »), mais on cherche encore la noirceur, le vice, la cruauté, la jubilation sadique dans un chant peu coloré au deuxième acte. Les comprimari et les chœurs, enfin, s’intègrent aisément au plateau.

L’année prochaine, l’opéra de Paris en sera à sa quatrième production de Don Giovanni en une dizaine d’années. Après quatre-vingt trois Tosca dans l’épure conceptuelle du regretté Pierre Audi, il serait peut-être temps de réinvestir dans cette machine à faire tourner la billetterie qu’est le chef-d’œuvre de Puccini. Au moins, nos deux comparses s’entendent à merveille et en rajoutent dans le jeu scénique : badinages amoureux, dispute autour du tableau de l’Attavanti pour finir par un baiser sous cape devant la vierge dont Mario se pourlèche les lèvres, ce duo enflammé est chaleureusement applaudi par le public.

De fait, le ténor et la soprane mène le bal, tant et si bien que Jader Bignamini se voit contraint à plus d’une reprise de retenir son orchestre pour épouser les tempos choisis par les deux chanteurs. Il en résulte quelques décalages rapidement rattrapés et le chef parvient à mener plateau et fosse à bon port tout en appuyant le lyrisme et le romantisme au diapason de ses chanteurs. On repassera pour le raffinement mais c’est diablement efficace.

Combien de fois Sondra Radvanovsky a-t-elle vraiment chanté Tosca sur scène et d’ailleurs combien de fois est-elle montée sur scène toute sa carrière durant ? Nous ne manquerons pas de le lui demander lors de l’interview qu’elle nous accordera très prochainement. 

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L’intérêt de cette reprise de Tosca à la Bastille ne tient pas à la remarquable épure réalisée par Pierre Audi, en dépit d’un troisième acte en deçà des deux premiers – la terrasse du château Saint-Ange transformée en bivouac envahi d’herbes folles, bof ! Ni à la direction d’orchestre de Oksana Lyniv, admirable par son sens du détail, sans que ce travail sur le motif n’enraye la pulsation dramatique. Non, ce qui affole le palpitant, électrise les mains, et coupe le souffle, ce sont les voix.

Tout au long de cette saison, plusieurs distributions de Tosca déversent sur la scène de la Bastille leur pluie d’étoiles. Christian Peter nous relatait la première d’entre elles il y a quelques jours. La représentation du 2 décembre amorce une série de trois dates qui réunit Jonas Kaufmann et Ludovic Tézier autour de Saioa Hernández. Rien de nouveau sous le soleil de Rome – aucun des trois protagonistes n’effectue une prise de rôle – mais le retour du ténor bavarois sur notre première scène nationale après cinq ans d’absence, une des titulaires reconnues de Tosca aujourd’hui, et le roi des barytons : c’est assez pour remplir Bastille et affoler l’applaudimètre.

© Elisa Haberer

Jonas Kaufmann ne se présente pourtant pas sous son meilleur jour. Souvent comparé à un chocolat chaud, le timbre, s’il a conservé son inimitable sapidité, apparaît moins onctueux. La conduite du chant semble fragile, la ligne hésitante, la zone de passage périlleuse, l’accident – léger – surviendra d’ailleurs au premier acte. Demeurent sinon les qualités chères aux admirateurs du ténor : l’ardeur romantique, le magma sombre, la modulation en quelques mesures du murmure à l’éclat – du « Tosca, sei tu » tenu longtemps sur le fil de la voix au « Vittoria » héroïque, asséné comme un coup de poing –, les notes exhalées, proches du détimbrage, qui semblent soupirs de l’âme. C’est dans cette étoffe soyeuse qu’est taillé « E lucevan le stelle », non exempt cependant du malaise que l’on ressent tout au long de la soirée.

Peut-être parce qu’à ses côtés, Saioa Hernández est une Tosca insolente de santé, de puissance, proche de la virago et à ce titre, inscrite dans une esthétique vériste alla Tebadi, efficace mais peu subtile. Plus que l’attention portée au texte, prévaut la violence des couleurs – les grenats, les indigos, les carmins jetés sur la toile sonore comme un tableau de Sam Francis.

Que serait cependant Tosca – non seulement le rôle mais l’opéra – sans l’art du mot, sans la précision qui donne à chaque réplique son juste poids, sans la science de la diction, seule apte à ciseler la menace, sculpter la passion et mettre les nerfs à vif ? Ludovic Tézier l’a compris, lui qui use d’une palette inépuisable d’intentions pour composer un Scarpia écrasant de perversité, dont on ne sait si la jouissance vient de la manipulation, de la torture psychologique ou de l’exercice d’un pouvoir absolu – les trois sans doute. Sur les sommets qui sont aujourd’hui les siens, la voix obéit sans faillir à l’injonction du théâtre, à même donc de puiser ses teintes dans un nuancier illimité, de couler la phrase dans un legato de bronze, de noircir le grave et de cingler l’aigu, de parler, d’écumer, de gronder, de tonner avec une liberté scénique totale. C’est pour cela d’abord que l’on aime l’Opéra.

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Amin Ahangaran s’acquitte honorablement du rôle d’Angelotti, André Heyboer est un sacristain obséquieux à souhait et sonore, Carlo Bosi campe avec subtilité un Spoletta timoré et soumis, à la voix bien projetée. Le Scarpia d’Alexei Markov est d’une froideur inquiétante, si sa voix solide passe aisément la rampe, il lui manque un peu plus de noirceur dans le timbre et une caractérisation du personnage plus fouillée, notamment au deuxième acte, pour être pleinement convaincant. Saioa Hernández avait fait ses débuts à Paris  dans le rôle de Tosca en 2022 et déjà l’ampleur de ses moyens et le volume sonore qu’elle déployait nous avaient impressionné. Force est de reconnaître cependant qu’au premier acte le timbre a paru métallique, notamment dans le haut de la tessiture, et l’implication dramatique inaboutie. En revanche, dès l’acte deux, la soprano prend pleinement possession de son personnage et livre une interprétation spectaculaire de son affrontement avec Scarpia. Son « Vissi d’arte » émouvant lui vaut une belle ovation. A l’acte trois, sa prestation est du même niveau. En grande forme, Roberto Alagna est un Cavaradossi proche de l’idéal. Dès son entrée en scène, on est frappé par sa silhouette juvénile et sa santé vocale. Qui pourrait croire que ce fringant ténor a déjà passé la soixantaine ? Le medium est solide, l’aigu rayonnant – splendides « Vittoria, vittoria » au deux – et le timbre homogène sur toute la tessiture ne trahit à aucun moment le passage des ans. Au dernier acte son « E luccevan le stelle » tout en sobriété et retenue n’en est que plus poignant. Il convient de mentionner également la prestation grandiose des Chœurs, préparés par Ching-Lien Wu lors du Te Deum qui conclut l’acte un.

 Oksana Lyniv propose une direction nette et précise. En début de soirée la cheffe ukrainienne adopte des tempos particulièrement étirés qui ralentissent la progression de l’action. Mais dès le deuxième acte sa battue s’accélère graduellement à mesure que le drame s’amplifie, jusqu’à la conclusion d’une grande intensité théâtrale. Son troisième acte, subtilement dosé, souligne le contraste entre l’exaltation du duo et la catastrophe finale.         

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– GTP4o : Oui. Le dernier opéra de Jonathan Harvey est Wagner Dream (créé en 2007), une œuvre biographique centrée sur les derniers jours de Richard Wagner à Venise et sa mort. Le livret est de Jeanette Winterson.
– FO : Mais tu venais de me dire qu’il n’existait pas d’opéra mettant en scène la mort de Wagner ? Je suis perdu.
– GTP4o : Vous avez raison, je me suis trompé. Il existe bien un opéra centré sur Wagner et sa mort: Wagner Dream (Jonathan Harvey, 2007). Opéra biographique sur les derniers jours de Richard Wagner à Venise et sa mort; livret de Jeanette Winterson.

Oubli d’autant plus triste, que le livret était signé du génial Jean-Claude Carrière et que le spectacle, qui a connu de nombreuses reprises était mis en scène par le regretté Pierre Audi.