L’édition 2025 propose d’abord un spectacle consacré à Tchaïkovski, avec le violoniste Maxime Vengerov, l’Orchestre national Avignon-Provence sous la baguette de Débora Waldman, et – autre signe d’un « esprit de Glanum » – une chorégraphie pour deux danseurs conçue par Alice Psaroudaki. Le deuxième concert, intitulé De Broadway à Hollywood, aborde les plus grands succès de plusieurs types de comédie musicale, allant d’exemples modernes (Porgy and Bess), plus hybrides (West Side Story), plus ouvertement jazzy (All that jazz), jusqu’à nos jours (Cats, Miss Saigon). L’Orchestre Appassionato rejoint un effectif de jazz, et les arrangements très colorés, signés Jérémy Bruyère et Mathieu Herzog, se plaisent à faire alterner des moments davantage classiques, avec des éruptions propres au jazz pur. La chanteuse Neïma Naouri fait preuve d’une grande versatilité ainsi que d’une intuition scénique certaine. Dotée d’un inépuisable répertoire de couleurs, sa voix réserve des surprises et convainc aussi lors d’improvisations vocales sans paroles (scat). Son partenaire sur scène, Bastien Jacquemart, passe habilement du crooner au jeune premier, ajoutant un autre aspect à ce programme entre tradition et modernité.

Enfin, la troisième soirée présente un « monochrome » Mozart, faisant dialoguer deux éléments de l’œuvre du compositeur : le mezzo-soprano lyrique et la clarinette. Karine Deshayes maîtrise à merveille ce répertoire entre Don Giovanni, Così fan tutte et La Clémence de Titus. Sa voix est à la fois puissante et souple. En laissant naître, par les seuls moyens de son timbre, des moments de « mise en scène », elle rend aux œuvres leur caractère dramatique dans un cadre concertant. Sous la direction de Débora Waldmann, l’orchestre développe un son particulier, délicat et très juste, ni trop exubérant ni trop discret. La prestation du clarinettiste Pierre Génisson – entre effervescence et notes aériennes et éthérées – se marie parfaitement à cette conception sonore. S’il braconne sur les terres de Karine Deshayes, interprétant quelques airs à la clarinette et soulignant ainsi la « vocalité » de son instrument, les deux musiciens se retrouvent finalement lors des deux deniers airs. Dans « Parto, ma tu ben mio… », Mozart lui-même crée un duo intime entre la voix et la clarinette.

Pour l’année prochaine, Mathieu Herzog annonce déjà un temps fort vocal ainsi qu’une excursion dans le domaine du baroque. « J’explore des pistes. » Si l’idée de consacrer une édition du festival aux relations diplomatiques entre la France et les États-Unis – enjeu fort actuel –, vues à travers le prisme de la musique, n’a pas été retenue, ces considérations font partie des réflexions qui l’animent.

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Depuis, le festival n’a cessé de prendre de l’ampleur. Aujourd’hui, il accueille jusqu’à huit cents personnes sur le merveilleux site romain de Glanum à Saint-Rémy-de-Provence. Pendant trois jours – suivis de deux jours de Glanum Off – des vedettes internationales et des jeunes musiciens prometteurs se donnent rendez-vous dans les Alpilles. Après la démission d’Henri Demarquette en décembre dernier, le chef d’orchestre et altiste Mathieu Herzog vient seulement de prendre ses fonctions. Dans un entretien accordé à Forumopera, il s’est confié sur sa vision et ses préoccupations artistiques, qui comprennent le renouvellement du répertoire et le mélange des genres.

Un projet de danse consacré à Carmen inaugure l’édition 2024. La musique de Bizet, vue à travers le prisme de celle de Rodion Shchedrin et du jeune compositeur Ivan Julliard, épouse une chorégraphie éclectique de Julien Lestel, qui s’associe à la jeune soprano Lise Nougier. Si des propositions interdisciplinaires, traversant les genres, s’invitent régulièrement à Glanum, c’est la musique du monde qui est à l’honneur cet été. L’ensemble Tsuzamen, sous la direction de Michel Piquemal, conçoit un concert pluriculturel, qui fait dialoguer la musique juive, arménienne et tzigane.

Un temps fort de la programmation est sans aucun doute le récital de la soprano sud-africaine Pretty Yende, qui fait revivre les plus belles pages du Bel Canto. Entre Donizetti, Bellini, Rossini, Gounod – et une escapade particulièrement charmante dans la Veuve joyeuse – le public émerveillé acclame une chanteuse très émue. L’année dernière, elle a été obligée de reporter le spectacle suite au décès de sa mère. Au gré des airs, elle module sa voix claire et souple. Avec beaucoup de virtuosité, elle lui confère tantôt plus de poids, tantôt de la légèreté, quel que soit le registre. Cela lui permet de rendre effervescentes les notes les plus aiguës, alors que le grave reste riche et texturé. Parfois, la mélodie semble flotter sur un souffle. Grâce à ses qualités de comédienne, un seul extrait d’opéra suffit à évoquer toute l’œuvre.

L’orchestre Appassionato, sous la baguette de Mathieu Herzog, fait preuve d’une grande transparence, qui se marie parfaitement au timbre de la soliste. Les moindres détails et astuces d’orchestration sont perceptibles. L’élégance et la précision distinguent la direction. Parfois, les gestes nets d’Herzog s’effacent devant son orchestre auquel il fait confiance, avant de réinjecter juste ce qu’il faut d’énergie, et de reprendre l’initiative. La soirée est rythmée par quelques interventions orchestrales, dont un Intermezzo aérien de Cavalleria Rusticana, qui appartient aux œuvres que le chef emporterait sur une île déserte, comme il l’avoue aux spectateurs. Cette expérience musicale dans un site protégé est rendue possible entre autres par Soundscape, un ingénieux système de sonorisation qui permet de créer des salles de concert virtuelles en plein air.

Le lendemain, Glanum Off investit la chapelle Saint-Paul de Mausole. Lise Nougier est de retour et présente le spectacle « Ma première lettre d’amour » aux côtés du pianiste Ramon Theobald. Un prétendu chagrin d’amour incite la chanteuse, ancienne membre de l’Académie de l’Opéra de Paris, à relire les lettres de son amant, en créant un récit musical à travers des œuvres lyriques qui répondent à cette situation : Werther, Eugène Onéguine, La Traviata, mais aussi les opérettes de Jacques Offenbach ainsi que des chansons de Barbara et d’Anne Sylvestre. La Lettre à Élise, parfois caricaturée, sert de fil rouge. La voix ample et puissante de Nougier se prête particulièrement bien au répertoire dramatique de Gounod ou Tchaïkovsky, tout en épousant – avec un malin plaisir – la chanson française. Soudain, des nuances plus tendres apparaissent. Ce goût du caprice, au service d’une grande musicalité, s’observe aussi dans les escarmouches gentilles entre elle et son pianiste. 

Le festival se clôt par un concert de l’Almere Youth Symphony Orchestra, en partenariat avec le Festival International des Orchestres de Jeunes en Provence. La transmission et le soutien de jeunes artistes sont deux aspects que Mathieu Herzog souhaite développer dans les années à venir. Glanum connaîtra par ailleurs une suite hors festival et proposera quelques concerts au centre de Saint-Rémy en début d’année prochaine. L’édition 2024 s’est soldée par plusieurs soirées complètes. Cela est de bon augure pour l’avenir d’un événement qui réserve d’ores et déjà quelques surprises au public.

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Mon prédécesseur Henri Demarquette avait plus ou moins fini la programmation de l’édition 2024. Le festival et Henri avaient invité mon orchestre, Appassionato, à jouer, et moi-même à diriger. Évidemment, j’ai été impliqué dans quelques décisions d’ordre du programme et autres. En ce qui concerne le concert de ce soir, le récital de Pretty Yende, il faut savoir qu’elle voulait venir l’année dernière, mais sa mère est décédée et elle s’est retirée du projet, tout en promettant de revenir avec le même programme. Tout cela était donc sur les rails.

Pour ce qui est de la deuxième question : oui, je vais continuer dans cette direction. Je suis directeur artistique, mais j’ai un conseil d’administration qui est décisionnaire. C’est-à-dire que je propose des choses, je donne mon avis, mais si le conseil estime que cela ne convient pas, je m’incline, je cherche d’autres solutions. C’est le désir du conseil et je pense que c’est adapté à Glanum. Si, par exemple, nous voulions faire un programme Beethoven-Mozart, on en a toute la saison à Paris, à Aix, à Lyon, à Toulouse. L’été c’est pour faire quelque chose de différent, mélanger la danse, la musique populaire, le théâtre. Malheureusement, nous ne pouvons pas faire de la vidéo, ce dont je suis très friand. J’aime ce mélange des genres et je pense qu’il y a pour la musique classique un grand intérêt à croiser des chemins. C’est sans doute pour cela que le conseil d’administration m’a fait confiance. J’aime beaucoup l’idée de libéraliser la musique classique. Je trouve parfois le moment du concert un peu poussiéreux et enfermé dans des codes, qui sont des faux codes sans aucune valeur historique, et qui se sont installés doucement. Depuis un siècle, on a l’impression qu’un concert doit être un moment presque religieux : on rentre, on est dans le noir, on se tait, il y a un Monsieur qui arrive, qui nous tourne le dos. Je pense que c’est une erreur. Dans notre époque, on se doit de communiquer avec notre public, de s’adresser à lui par exemple en mélangeant les genres. Il y a deux jours, nous avons fait un concert chorégraphié autour de Carmen avec une troupe de danse contemporaine qui s’inspirait de classique, de hip-hop, de contemporain, de jazz. C’est absolument merveilleux parce que c’est cela le monde moderne.

Avec votre orchestre Appassionato, vous avez enregistré des œuvres de Jean Cras ou Florence Price – de véritables trouvailles – mais aussi de Philip Glass. Envisagez-vous de donner une place à la musique contemporaine dans le cadre du festival ?

Je suis totalement pour la création contemporaine, à deux cents pour-cent. Et aussi pour aller chercher des œuvres moins connues, ce qui est toujours notre démarche avec Appassionato. Nous avons une série à la Seine Musicale, qui s’appelle « Vous trouvez ça classique ? », où je commente des œuvres de répertoire. Un de mes grands désirs c’est de commander une pièce de quelques minutes à un compositeur ou une compositrice différent à chaque fois, pour offrir au public une pièce qu’ils n’auront jamais pu entendre. Cependant, cela pose de nombreux problèmes : l’argent, le temps, la construction, la qualité. Même Mozart, Beethoven, Schubert ont fait des ratés. Je me concentre donc un peu plus sur des œuvres déjà écrites. Car une autre des grandes questions qui me concernent est le non-renouvellement du répertoire. Nous sommes enfermés dans un certain nombre de compositeurs, qui eux-mêmes sont prisonniers d’un certain nombre d’œuvres. On en arrive finalement à quelque chose d’assez restreint. Il y a des symphonies de Mahler, de Tchaïkovski, de Chostakovitch qui ne sont jamais jouées, alors que d’autres le sont tout le temps, parfois pour des raisons étranges. L’Adagietto de Mahler par exemple ; il n’y aurait pas eu La Mort à Venise, aujourd’hui Mahler ne serait pas vu de la même façon. Il faut le reconnaître. Le cinéma et le théâtre peuvent aider. Même quelqu’un comme Wolfgang Korngold ne rentre dans la conscience du public que depuis une quinzaine d’années. Vous programmez le Concerto pour violon de Mendelssohn, tout le monde accourt, cela ne vaut pas pour celui de Korngold. Mais ça va venir. Si vous proposez par exemple un programme consacré uniquement à Dutilleux, vous êtes quasiment sûr d’avoir une salle vide. Peut-être pas à Paris, peut-être pas à Berlin, et encore. C’est un grand problème qui est notre responsabilité à tous. Compositeurs, interprètes, programmateurs, nous avons à un moment perdu le public pour la création. Mêmes les compositeurs les plus célèbres – je pense à Thomas Adès ou Jörg Widmann – en souffrent. Si demain Kurtág écrivait une nouvelle symphonie, je ne suis pas sûr que tout le monde irait l’écouter, alors que c’est un des grands génies des XX^e et XXI^e siècles. Je pense que la redécouverte d’un répertoire déjà écrit, permettant un certain recul sur la musique, est déjà un chemin vers l’idée qu’il n’y pas que les tubes, il y a aussi autre chose. En ce qui me concerne, je fais allègrement un mélange de tubes, d’œuvres inconnues et de créations. Dans le projet Carmen à Glanum, il y a une version de Rodion Shchedrin qui associe la pure composition à l’arrangement. C’est un excellent chemin pour un néophyte, pour un public qui n’en a pas l’habitude. L’art contemporain ne se porte pas si mal ; la danse contemporaine, le théâtre et le cinéma existent, mais la musique contemporaine a du mal à trouver son public. Cela me préoccupe et j’essaye d’y remédier. 

Vous êtes chef d’orchestre, altiste, professeur. Vous animez « Vous trouvez ça classique ? » à la Seine Musicale. Le profil du Festival de Glanum répond-il à vos préoccupations artistiques ou est-ce aussi l’occasion de se réinventer ?

Les deux. Si cela ne tenait qu’à moi et à mes propres goûts, j’irais peut-être vers des choses un peu plus techniques. Je vous donne un exemple. Une œuvre que j’aime énormément est le ballet Blanche-Neige de Preljocaj sur la musique de Gustav Mahler. Prendre un conte pour enfants, associé à Walt Disney, et la musique de Mahler qui, malgré sa popularité, n’est pas simple, pour les réunir au sein d’un ballet contemporain, c’est merveilleux. J’aimerais réaliser ce type de projet à Glanum. Je ne sais pas si je le pourrai. Car, bien que ce soit un endroit de rêve, ce n’est pas un théâtre. Nous sommes en plein air, nous construisons tout – la scène, les gradins – et nous devons veiller à préserver ce patrimoine qui est surveillé par le Centre des Monuments Nationaux. Le lieu a une âme extraordinaire, mais on ne peut pas en faire qu’à sa tête.

Pour ce qui est de mes préoccupations artistiques, je suis très concerné par la « starification ». À l’instar du répertoire, il y a certains artistes qui remplissent les salles, et les autres non. C’est aussi un problème. Il faut trouver des solutions pour ne pas être obligé à se retrouver forcément avec une immense star sur scène pour remplir son théâtre. C’est l’idée de « Vous trouvez ça classique ? ». On  réussit à attirer le public avec une œuvre, ce qui me permet de choisir les interprètes avec qui je souhaite travailler, de faire connaître de jeunes artistes.

J’ai aussi envie de programmer des opéras. Gounod en a écrit un à Saint-Rémy-de-Provence, qui s’appelle Mireille, dont il n’existe qu’un fragment. Il serait magnifique de représenter une œuvre qui a été composée à quelques mètres de Glanum.

Dans le cadre de Glanum Off – le festival bis – il y aura un concert en partenariat avec le Festival International des Orchestres de Jeunes en Provence. Ce soutien porté à une nouvelle génération est-il susceptible d’évoluer dans les années à venir ?

Oui. À titre personnel – et c’est aussi le désir du conseil d’administration – la transmission me tient à cœur. Je suis aussi professeur de direction d’orchestre dans un conservatoire à Paris, j’enseigne encore le quatuor à cordes, puisque j’étais membre du Quatuor Ébène pendant très longtemps. En général, la transmission de la culture aux jeunes est absolument primordiale. 

Hormis la qualité de la programmation, un des attraits du Festival de Glanum est le lieu, ce merveilleux site romain, qu’il convient pourtant d’apprêter. Quelles sont les particularités acoustiques et technologiques mises en œuvre pour les spectacles ?

Tout d’abord, il y a la scène et les gradins qui n’existent pas en temps normal. Mais l’élément le plus extraordinaire est ce système de sonorisation appelé Soundscape, qui a été développé par l’entreprise allemande d&b. Je dirige un autre festival autour de la musique et du cinéma en Suisse [Ciné concerts à Verbier], où j’utilise le même système. À l’aide de petits haut-parleurs installés tout autour du site, qui diffusent le son selon un procédé technologique, les ingénieurs créent non seulement une ambiance acoustique, mais aussi une vraie réverbération qui n’est pas artificielle, modelée sur celle des grandes salles internationales telles que le KKL de Lucerne, le Concertgebouw d’Amsterdam ou la Philharmonie de Berlin. L’attrait le plus fabuleux de tout cela est que dans n’importe quel endroit de nos gradins vous entendez de la même façon, à droite et à gauche, puisqu’il y a un effet de spatialisation. C’est une scène virtuelle. Je pense que c’est l’avenir des concerts en plein air et des concerts d’été. Je l’ai découvert ici même l’année dernière et, alors que normalement sonorisation égale déprime, le son est très beau et transmet de l’émotion. Cela permet d’avoir accès à la musique comme dans une salle. On oublie le dispositif. L’ingénieur allemand qui a inventé ce système en avait assez de se faire mal aux oreilles et cherchait une autre solution. Je l’utilise pour le jazz aussi, mais c’est beaucoup plus marquant dans le cas d’un orchestre classique.

Cette année, pour la première fois, le festival principal est prolongé par deux jours de Glanum Off. Quelle est l’idée derrière ce festival bis ?

Glanum est un festival assez jeune, qui existe depuis à peine dix ans – avec un an en moins à cause du Covid. Au début, c’était la réunion d’une bande de copains autour du fondateur Domique Oger qui invitait ses amis. Ils jouaient par terre devant cent personnes, puis deux cents personnes. C’était une atmosphère sympathique. Ensuite, quelques artistes ont eu beaucoup de succès et tout prenait de l’envergure. Aujourd’hui, nous avons une jauge de huit cents places. L’année dernière, nous affichions complet pendant trois jours de suite. Cette année, c’est pareil et le développement du Off va de paire avec cela. Petit à petit, nous nous sommes dits que cela pourrait être intéressant de faire un Glanum pendant toute l’année. Il y a une certaine logique, pendant le festival autant qu’après. Nous allons par exemple organiser trois concerts de musique de chambre à Saint-Rémy-de-Provence dans une autre salle. C’est une démarche que nous allons essayer de développer, pas uniquement sur le site mais aussi ailleurs. 

Vous êtes également associé au Blaricum Music Festival aux Pays-Bas. Fonctionne-t-il selon le même principe ?

Non. C’est un projet du chef d’orchestre et réalisateur Peter Santa. Il voulait créer un petit festival de musique classique avec un orchestre de jeunes attitré, à l’image d’Aspen [Aspen Music Festival and School]. Blaricum est la banlieue chic d’Amsterdam, où vivait par exemple Bernard Haitink. C’est un modèle de musique classique totalement logique, auquel j’intègre des œuvres inconnues ou des créations, mais je suis uniquement directeur de l’orchestre. En général, les concerts suivent une forme simple, par exemple Ouverture – Concerto – Symphonie. Il n’y a pas le mélange des genres autant qu’à Glanum.

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Avec Mathieu Herzog, le festival vient tout juste de nommer un nouveau directeur, qui sera à la hauteur de ces enjeux. Le chef d’orchestre de renommée internationale est également altiste et un orchestrateur accompli. 

Au cours de cinq concerts, le public découvrira entre autres un projet de danse consacré à Carmen. La musique de Bizet, vue à travers le prisme de celle de Rodion Shchedrin et du jeune compositeur Ivan Julliard, viendra épouser une chorégraphie de Julien Lestel. L’ensemble Tsuzamen, sous la direction de Michel Piquemal, proposera un concert pluriculturel, faisant dialoguer la musique juive, arménienne et tzigane – un geste politique bienvenu par les temps qui courent. La soprano sud-africaine Pretty Yende donnera un nouveau souffle au plus beaux airs de Donizetti et Bellini, avant que le récital de la soprano Lise Nougier n’évoque « Ma première lettre d’amour ». L’événement se terminera par un spectacle gratuit en partenariat avec le Festival International des Orchestres de Jeunes en Provence, associé au Almere Youth Symphony Orchestra qui comprend non moins de quatre-vingt-dix jeunes musiciens néerlandais.

Plus d’informations ici.

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 Il s’agit d’un disque important pour l’ensemble car il est le premier du  du label Appassionato.

Mon meilleur souvenir dans une salle d’opéra ?
En tant que spectateur, le meilleur souvenir a été Ariane à Naxos à l’opéra Bastille il y a un bon nombre d’années et le choc était principalement musical, avec un opéra que je ne connaissais, à l’époque, pas du tout . Ce fut un coup de foudre colossal. Un autre me revient en mémoire encore de Strauss : Capriccio, mais cette fois-ci au Metropolitan opéra de New York avec Renée Fleming dans le rôle principal. Cette fois je pense que le choc était lié à la qualité incroyable du plateau accompagné par un orchestre merveilleux.

Mon pire souvenir dans une salle d’opéra (ou « dans une fosse d’opéra ») ?
Dans la fosse c’est une Tosca en Roumanie avec un orchestre plus que moyen, un plateau très inégal et certains chanteurs qui faisaient erreur sur erreur. J’ai même cru que nous n’arriverions pas au bout. J’étais encore un très jeune chef, pas aidé par tout ce qui m’entourait sans même parler d’une mise en scène absurde. Des années après, Simon Rattle, l’un de mes mentors, me disait : « je vais diriger Tosca pour la première fois et je trouve la partition très difficile, tu l’as dirigée je crois, qu’en penses-tu ? » j’ai été obligé de lui répondre que je n’avais jamais rien fait d’aussi difficile mais que je n’étais sûrement pas objectif car je n’avais comme souvenir que cette horrible production. Et pourtant, quelle musique fabuleuse. J’espère le refaire dans de meilleures conditions.

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Et pourtant, la richesse vocale, l’intégralité et la sobriété de ses interprétations, doublées d’un naturel désarmant qui la tient loin des écueils de la posture de la diva, confèrent aux  prestations de Lise Davidsen une grande profondeur. Son art la rapproche d’ailleurs d’une Kirsten Flagstad dans Wagner dont elle marche sur les traces, après des premiers pas dans Elisabeth à Bayreuth triomphaux et suit de très près  celles de Nina Stemme, autre artiste rare, que l’on ne voit guère dans nos contrées. Et hier soir à la Salle Gaveau (très inspirée de l’avoir conviée), Lisa Davidsen a une fois de plus montré la plénitude de son talent. La chanteuse dispose d’une voix grandiose qu’elle manie avec une musicalité prudente et une technique sans faille. L’auditoire est resté, au cours de cette soirée, bien souvent bouche bée, collé à son siège, saisi par cette voix gigantesque qui aurait mérité une plus grande salle pour en apprécier davantage toute la dimension.

D’emblée, Lise Davidsen place la barre très haut dans le répertoire verdien. Elle en impose et illumine de son timbre l’air « Tu che le vanità » de Don Carlo et « Ma dall’arido stelo divulsa » de Un Ballo in Maschera. Elle montre ici un goût  évident pour le répertoire italien (même si sa diction reste à parfaire) au point d’ailleurs de gratifier le public d’un bis inattendu avec un « Vissi d’Arte » sorti de nulle part et qui a fait chavirer le public (projette-t-elle Tosca dans un avenir proche ?) Elle n’est pourtant pas aidée par la direction de Mathieu Herzog, à la tête de l’Orchestre Appassionato, qui ne cesse de s’illustrer dans une débauche de son sur mode à la fois troppo fortissimo et troppo veloce peinant à trouver un juste équilibre dans le verbe verdien, certes endiablé, mais néanmoins contrebalancé par un soyeux drapé lyrique. On aurait ici souhaité musicalement plus de nuances, ce que Lise Davidsen a su quant à elle parfaitement insuffler à son chant charnu et opulent.

Les extraits d’opéra de Verdi forment d’ailleurs une première partie judicieuse allant des tourments de l’âme d’Elisabetta et d’Amelia à l’infinie douceur de Desdemone. Un decrescendo des émotions négocié à la perfection par Lise Davidsen. On l’attendait dans l’« Ave Maria » d’Otello, qui requiert plus de nuances que de puissance, et à cet égard l’artiste nous a éblouie.  Le timbre a une beauté froide mais elle sait le teinter de chaleur pour remplir magnifiquement une phrase. Sa Desdemone  a conscience de vivre ses derniers instants, mais assume ici un destin qu’elle sait fatal avec une béatitude lumineuse. Ses pianissimi d’une clarté absolue cloueront le bec à ses détracteurs. Et oui, on peut être doté d’une voix bigger than life et chanter avec subtilité. Ce don va ici de pair avec la maturité, l’honnêteté et l’intégrité de l’approche de l’artiste.

Mais Lisa Davidsen est encore meilleure dans la seconde partie du concert dédiée au répertoire allemand : Der Freischütz de Weber dont elle domine le « Leise, leise » et Wagner, dans le répertoire duquel elle est incontestablement dans son jardin. Dans Die Walküre, on s’émerveille de la voix, de sa grandeur, de sa concentration et de son assurance. Inutile de savoir gérer son énergie quand on semble en être une source inépuisable. A l’aise dans l’intime comme dans l’éclat, la chanteuse joue dans l’émotion d’abord impérieuse, puis tendre, de ses aigus d’acier. Dans « Dich, teure Halle » de Tannhäuser, elle s’illustre par une maîtrise souveraine des demi-teintes, une projection de voix emplissant une palette de couleurs d’exception. Elle est ici  secondée plus efficacement par la direction de Mathieu Herzog, qui cale ses tempi dans le sillage vocal de cette artiste hors norme. La Norvégienne n’a que 35 ans et semble déjà porter très haut l’avenir du chant wagnérien. On sent poindre en elle une Isolde de stature mythique. N’en déplaise à certains, la singularité est une force… et une inextinguible flamme.

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© DR

La direction du chef impressionne par la fougue qu’il insuffle dès l’ouverture à son ensemble Appassionnato qui sonne merveilleusement dans la salle de l’auditorium, révélant la grande complicité qui les lie. Très attentif à l’équilibre sonore avec les chanteurs, il ralentit ensuite les tempi, ciselant avec délicatesse les ppp de la partition. Mathieu Herzog a tenu magistralement la tension et l’attention des spectateurs tout au long de la représentation jonchée d’explications limpides sur les thèmes principaux, la définition d’un tremolo et d’une seconde diminuée illustrée par l’orchestre, ou encore sur la vie de Georges Bizet et surtout sur la personnalité des différents protagonistes qu’il prenait soin de présenter avant leur entrée.

Disons-le d’emblée, Adèle Charvet est née pour être Carmen. Son port altier, sa démarche, son regard précédèrent la beauté de son timbre cuivré sensuel et chaud qui se déploya avec grâce dans la « Habanera ». Vêtue d’une robe rouge éclatante, elle ne fit qu’une bouchée de Don José près des remparts de Séville où la jeune mezzo-soprano fit preuve d’une belle homogénéité de registres avec ses graves colorés, envoûtants sans être poitrinés. C’est avec le même charme, la même élégance et toujours la même justesse qu’elle déploiera toute sa musicalité dans l’acte II, aussi bien dans les « Tringles des Cistres tintaient » que dans le quintette. Si l’extrême tessiture du dernier acte ne lui permet pas encore d’y déployer pleinement la puissance démontrée précédemment (elle n’a que 28 ans et toute la vie devant elle pour que ce soit le cas), son engagement scénique, son incarnation et son interprétation font du duo final l’un des grands moments de la soirée. Elle sera dans un proche avenir l’une des plus grandes interprètes du rôle. Le brigadier était interprété par le jeune ténor chilien de tout juste 29 ans, Diego Godoy, qui apprenait le rôle depuis seulement…10 jours. Indépendamment de cette prouesse, on ne peut qu’être sous le charme de cette voix déjà puissante et colorée, capable de beaucoup de nuances. Diego Godoy eut même la délicatesse de respecter le ppp à la fin de l’Air de la fleur. Son autre prétendante n’eut rien à envier à sa rivale. Jeanne Gérard est une somptueuse Micaela. Dans le duo « Parle-moi de ma mère » de l’acte I, la pureté de son timbre délicieux régala l’audience d’aigus aériens. Puis elle se métamorphosa pour son grand air, où une colère puissante l’emporta sur la peur avec une grande détermination qui se traduisit par des aigus puissants et glaçants.

A noter aussi l’excellente performance d’Eleonore Pancrazi et d’Amélie Raison, respectivement Mercédès et Frasquita. Le grand air du Toréador ne fut pas présenté pendant le spectacle en lui-même mais entonné vaillamment par Sergio Villegas-Galvain (qui interprétait aussi le Dancaïre face au tout aussi vaillant Remendado d’Arnaud Rostin-Magnin) et repris en chœur par la salle pour clôturer en beauté cette belle représentation.

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Rayonnante dans une robe lamée or, Nadine Sierra se jette, sans se poser de questions, dans les flammes de son art et ose d’emblée tout, déployant une énergie virtuose, un aigu et un suraigu impériaux, un souffle long qui soutient un legato parfait. Toutes ces qualités dont elle fait une démonstration éclatante, en ouverture du programme, dans la valse d’entrée de Juliette « Ah, je veux vivre » de Roméo et Juliette. De même, dans le « è strano…sempre libera » de La Traviata, le succès paraît assuré avant même que la soprano ait émis une seule note. En action, elle enchaîne trilles et vocalises avec une agilité confondante. Le registre aigu est électrisant. Nadine Sierra brille tout autant dans la caractérisation du personnage dont elle épouse avec subtilité la complexité. Elle donne libre court à la frivolité de la courtisane dans l’éclat des salons et des bulles festives du champagne, tout en laissant entrevoir déjà, par ses accents et couleurs, les affres et les douleurs de l’héroïne déchue. Elle sait désormais donner essence humaine à un personnage au-delà de sa parure de perles vocales.

Malgré ses évidentes qualités belcantistes, Nadine Sierra démontre qu’elle est aussi une soprano lyrique qui sait doser ses effets, loin de la pyrotechnie vocale. En Mimi, elle compose, par toute une palette de variations et de nuances, un portrait remarquable qui anticipe déjà toute l’évolution du personnage dans son chemin de croix vers une déchéance annoncée. Mais au sein de ce chant brillant à la technique souveraine, l’auditoire perçoit aussi les palpitations du cœur, les afflictions et les espoirs, qui faisaient parfois défaut jadis à la chanteuse tant le chant apparaissait souvent esthétiquement beau, mais dépourvu de fibre humaine. Cette texture de chair et de sang, on l’entend également désormais, non seulement dans l’air de Mimi, mais aussi dans « O mio  babbino caro » dont elle gratifiera le public en bis, avec « Depuis le jour » de Louise de Charpentier avec lesquels elle fera de nouveau chavirer le public.

Dans la seconde partie de programme, après un Mozart en demi-teinte, « Ruhe sanft » où l‘on aurait attendu davantage de finesse dans une langue qui lui semble encore étrangère, l’artiste nous amène hors des sentiers battus de l’opéra, en offrant une somptueuse relecture du « Somewhere » de West Side Story, mettant en lumière un registre grave qui ne manque pas de séduction. Elle poursuit sa route avec la Zarzuela de Geronimo Giménez, El barbero de Sevilla qui se nourrit des fièvres voluptueuses de l’Espagne. Tour à tour mutine, séductrice en diable, Nadine Sierra se glisse dans les habits de Carmen sans en avoir la tessiture, mais incontestablement le charisme et l’abattage. Prenant ensuite la parole, la chanteuse a remercié le public de sa présence rappelant que sans soutien, l’artiste n’est rien et que pour faire de notre planète un monde meilleur (« Make our planet great » le thème du concert) il faut se rassembler autour du language universel de la musique. Rendant ensuite hommage à sa maman et à ses origines latines, l’artiste enchaine avec « la melodia sentimentale » de Floresta do Amazonas de Villa-Lobos. Dans le répertoire espagnol, Nadine Sierra est incontestablement dans son jardin, usant une fois de plus à dessein de la séduction de son registre aigu étincelant pour nous mettre à genoux. Insatiable, la jeune artiste ne quittera la scène qu’à 23 heures après deux heures et demi d’un one woman show éblouissant où, en maitresse de cérémonie, elle a dispensé une leçon de chant et conduit le public vers les sommets.

Si le velours de la voix a ravi l’auditoire, la parure revêtue par l’évènement, laisse davantage interrogatif. Le ballet des éclairages installés sur scène, abordant ici le thème de l’écologie et la préservation de la planète, a envahi l’espace et le champ de vision du spectateur, effets superfétatoires qui n’apportent rien au feu d’artifice vocal, seule attraction évidente de la soirée.

La direction de Mathieu Herzog, à la gestuelle singulière avec une main gauche en figures libres, manque parfois de subtilité et de nuances, dès qu’on s’éloigne des rives verdiennes survoltées. Les musiciens de l’Ensemble Appassionato ne déméritent pas. Cette petite formation, qui sonne comme une grande, se met pleinement au service de la chanteuse et le plaisir de se produire ensemble relève alors de l’évidence. Une soirée mémorable qui s’est achevée sur une standing ovation amplement méritée.

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© Salle Gaveau

Le rôle de Lucrezia Contarini fait partie des rôles inchantables composés par le jeune Verdi, parmi lesquels on pourrait citer l’Odabella d’Attila, Lady Macbeth et bien sûr l’Abigaille de Nabucco : une sorte de soprano drammatico isterico di agilità. Anna Pirozzi y trouve un de ses meilleurs emplois. La voix, puissante, dispose de la largeur nécessaire, tout en gardant la souplesse indispensable aux nombreuses vocalises. L’ambitus est impressionnant, avec des graves profonds et des aigus dardés en voix pleine ou distillés pianissimo. La chanteuse italienne maîtrise à merveille l’art du souffle, alternant avec bonheur les passages de force et ceux requérant un beau legato. Dramatiquement, Pirozzi sait également exprimer ses émotions autant par la coloration de son chant que par l’expressivité de sa déclamation. Lauréat d’Operalia en 2005, Arturo Chacón Cruz continue à progresser, avec une voix devenue un peu plus large et homogène, et de grisants aigus spinto. Le timbre n’est pas très caractérisé mais l’engagement sans faille du ténor achève de nous séduire. Emanuele Cordaro est un Loredano bien chantant auquel manque un peu de la noirceur sadique de ce personnage détestable. On peut aujourd‘hui entendre Diego Godoy dans Mozart ou Rossini, voire en ce moment dans le Duc de Mantoue au Théâtre des Champs-Elysées. Le rôle de Barbarigo est court mais le jeune ténor chilien (il n’a pas la trentaine) sait s’y faire remarquer. Sa voix nous semble destinée à des emplois plus lourds dans l’avenir, à condition qu’il continue à la laisser posément mûrir (en attendant Godoy…). En Pisana, la jeune Arianna Giuffrida complète avec charme la distribution. Réunis pour l’occasion et très bien préparés par Adam Vicović et Arlinda Roux-Majollari, les chœurs sont un peu verts, mais d’une belle musicalité et expressivité. Malheureusement, l’espace scénique réduit de la salle les conduit à être relégués en fond de scène pour les femmes et sur le côté sous le balcon court pour les hommes, ce qui n’aide pas à la perception des voix. 

Les Verdi de jeunesse sont des opéras difficiles à diriger : il y faut de la verve, de l’urgence, de la flamboyance, sans pour autant mettre en difficulté des chanteurs. Cette maîtrise du rythme et de la tension verdienne nous est offerte par un Matthieu Herzog incisif et précis, à la tête d’une jeune formation d’une motivation sans faille et qui pourrait en remettre à bien des orchestres plus expérimentés.  Constitué de musiciens de chambre (un noyau dur et des artistes régulièrement invités en fonction des effectifs nécessaires), l’Ensemble Appassionato sait garder sa souplesse et sa cohésion naturelle en passant au format symphonique, tout en offrant un vrai son d’orchestre philharmonique. La formation est toujours en symbiose avec son chef, par exemple dans les rubati, toujours à bon escient, qui viennent mettre en valeur des détails d’instrumentation tout en collant parfaitement au discours dramatique.

Avec une telle distribution musicale, on retrouvait ainsi Salle Gaveau l’excitation que nous offraient les  théâtres des provinces italiennes au temps de leur splendeur. 

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Comme l’indique le titre du concert « Du Théâtre à l’Opéra », notre ténor national avait choisi de rendre hommage aux grands auteurs dramatiques, d’Euripide à Edmond Rostand, en passant par Shakespeare, Corneille, Schiller, et d’autres, à travers un programme original d’airs d’opéras français et italiens. Un programme comme on les aime, qui aligne des morceaux connus mais peu souvent donnés en concert, et des raretés absolues, un programme qui tient sans cesse notre curiosité en éveil, surtout lorsqu’il est interprété avec autant de conviction. Roberto Alagna possède en effet cette faculté de se glisser avec aisance dans la peau du personnage qu’il interprète, même en concert, au point de devenir sous nos yeux ce personnage le temps d’un air.

Le récital s’ouvre avec le prologue de Pagliacci qui évoque comme chacun sait la vie des théâtreux, un choix audacieux puisqu’il s’agit d’un air de baryton dans lequel notre ténor, très élégant dans un magnifique smoking noir, fait entendre un medium ample et solide, délicatement ambré. Suivent trois pages d’opéras français de styles contrastés, « Je jette avec grâce mon feutre » extrait du Cyrano de Bergerac d’Alfano que le ténor a chanté à maintes reprises depuis sa prise de rôle à Montpellier en 2003 et dont il livre une interprétation teintée d’une ironie caustique, « Unis dès la plus tendre enfance » de Gluck, qui lui permet de camper un Pylade touchant avec une grande retenue et une maîtrise parfaite de la déclamation lyrique, enfin un air du Polyeucte de Gounod, « Source délicieuse »,  sobre et émouvant.

La seconde partie du concert, entièrement dédiée à l’opéra italien commence avec Luisa Miller. Après un récitatif poignant, le ténor interprète « Quando le sere al placido » avec un legato impeccable orné de fines nuances et une émotion contenue mais palpable. Puis il nous propose deux pages d’une grande intensité dramatique, tout d’abord un extrait de la Fedora de Giordano dont il chante, non pas l’habituel « Amor ti vieta » mais tout le final de l’acte deux, constitué de trois airs qui se succèdent, entrecoupés par des répliques de la soprano, ici supprimées. Cette longue scène tragique qui réclame un investissement théâtral et vocal important constitue sans nul doute l’un des temps forts de la soirée. Roberto Alagna, qui abordera le rôle entier à la Scala à l’automne 2022, s’y montre pleinement convaincant. Puis il nous fait découvrir une rareté absolue, Giulietta e Romeo de Zandonai dont il propose un extrait de la scène du tombeau. Alors nous avons soudain l’impression de revoir le Roméo qu’il était voici une trentaine d’années, avec sa silhouette juvénile, exprimer son désespoir. Sans transition surgit ensuite sous nos yeux le Maure de Venise dans une page tendue de l’Otello de Verdi, « ora e per sempre » qu’il chante avec un aplomb et une autorité incroyables.

Après un programme aussi chargé on aurait pu penser que Roberto Alagna allait nous proposer quelques pages légères en bis. Que nenni ! Il nous offre pour commencer une interprétation spectaculaire de l’air du Cid « O souverain, O juge » sans qu’une once de fatigue ne soit perceptible dans sa voix, puis un « E lucevan le stelle » vibrant, dans lequel il multiplie les diminuendi et les piani tenus, et enfin toute la scène finale d’Otello « Niun mi tema ». Quel autre ténor aujourd’hui alignerait en bis, Le Cid, Tosca et Otello avec une telle insolence vocale ?  Mais le public en délire en réclame toujours plus, alors il rechante le prologue de Pagliacci après avoir expliqué avec malice qu’il n’était pas pleinement satisfait de sa première interprétation. Il conclut enfin la soirée avec une berceuse corse a capella et s’en va heureux sous les acclamations, presque à regret de quitter la scène.

A la tête de son ensemble Appassionato, Mathieu Herzog propose un accompagnement efficace, souvent inspiré avec de belles sonorités. Parmi les pages orchestrales proposées on aura apprécié la direction énergique de l’ouverture de Luisa Miller et le choix astucieux de la musique du film Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau (signée Jean-Claude Petit) en préambule à l’air de l’opéra éponyme.  

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