Au lendemain de la mémorable Enfance du Christ (1) donnée au Festival Berlioz, le chœur de la NFM de Wroclaw se produit dans l’église de La Côte Saint-André, à l’acoustique généreuse, idéale pour tel programme. Composé par Lionel Sow, familier de longue date des œuvres retenues (2), qu’il a enregistrées cette année (Accord), il renvoie à la thématique médiévale de la danse macabre. Celle-ci n’a pas seulement inspiré Saint-Saëns. Honegger, Frank Martin l’ont magistralement illustrée, et – moins connu en France, Hugo Distler, que nombre d’auditeurs découvrent à cette occasion. La mort gouverne donc ce programme, centré sur sa Totentanz (de sa Geistliche Chormusik). Le trouble, les inquiétudes, les tourments, l’angoisse prévalent même si la rédemption et le paradis sont promis. Au cœur du programme, après les deux pièces en latin des Polonais Gorecki et Penderecki et avant un motet de Max Reger, l’ample fresque étant écrite pour chœur mixte, flûte et récitant, l’instrument l’ouvrira par la quatrième des Cinq miniatures que Philippe Hersant écrivit en 1995. Aussitôt la Totentanz, la sarabande de la partita BWV 1013 de Bach, participera au retour à la sérénité. Le flûtiste rend pleinement justice à la Miniature pour flûte alto, d’une exigence singulière. La chaleur, la rondeur de l’émission grave de l’instrument captivent, valorisées par une écriture qui n’est pas sans évoquer l’Extrême-Orient. La sarabande de Bach nous laisse perplexe : stylistiquement, on est loin du baroque, sans compter le timbre inapproprié de l’instrument moderne. Les interventions de la flûte ponctueront les 14 « Sprüche » [phrases], initiées par le chœur, et commentées par le récitant. Des poèmes dialogués, la Mort avec d’autres personnages empruntés à des peintures illustrant la danse macabre (d’une église de Lübeck), feront alterner des pages confiées au chœur à quatre voix mixtes avec le texte (traduit en français) confié ici à Lambert Wilson.  Associé régulièrement à la production de l’ouvrage par Lionel Sow, il engage toutes ses qualités au service du texte riche, puissant, contrasté. La voix du merveilleux conteur est impérieuse, puissante, timbrée à souhait. Cependant, malgré les oppositions qu’appelle le texte, la véhémence est constante (on imagine les prêches de Savonarole), terrible dans ses imprécations, et l’on est fasciné, subjugué. Les modelés, les contrastes du chœur attestent son excellence et sa familiarité avec ce répertoire exigeant.

Pour conclure, après la sarabande pour flûte dont il a été question plus haut, la plénitude recueillie (à 5 voix, les soprani sont dédoublées), les tourments du O Tod, wie bitter bist du [Ô mort, comme tu es amère], de Max Reger. L‘émotion y est constante, faisant appel à la puissance de l’unisson.  Hommage au public français, c’est le merveilleux Notre père de Maurice Duruflé qui sera donné en bis, participant à la sérénité retrouvée.

Seul regret, au terme de ce bouleversant concert, que le public n’ait pu s’approprier les textes chantés, qu’ils soient en latin ou en allemand, réduisant le chant choral à une dimension instrumentale.

(1) Lien L’enfance du Christ – La Côte Saint-André; 
(2) Lionel Sow nous a ouvert son jardin secret, qui signait il y a plus de vingt ans des Chants faciles pour les funérailles.

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Evoquer Leibniz, fut-ce avec irrévérence, à quelques pas de la statue du philosophe et des amphis, amener l’opéra au cœur même d’un lieu emblématique de l’université, voilà une proposition hautement pertinente pour les jeunes artistes de l’Opéra Studio de l’Opéra national du Rhin sous la houlette experte de Lambert Wilson. Narrateur ironique à l’humour grinçant, tour à tour cabotin, crooner ou libidineux, le comédien-chanteur campe un Pangloss hilarant de certitudes qui rend l’action aussi limpide que dynamique ; au point que l’absence de mise en scène n’est jamais pesante. Leonard Bernstein lui-même avait d’ailleurs fait le même choix en 1989 dans sa version avec le London Symphony Orchestra.

Ni ennui, ni temps mort, donc, dans cette soirée réjouissante, au diapason des tempi – très – enlevés choisis par l’excellent jeune chef de l’Opéra Studio, Samy Rachid. Ce dernier habite la partition des pieds à la tête, dansant presque face à Orchestre symphonique de Mulhouse à l’interprétation décoiffante, toute en vitalité juvénile, et ce, dès l’ouverture.

Acoustiquement, le lieu n’est pas simple, les artistes ne s’entendent sans doute pas très bien d’où quelques décalages. Sans cesse le chef se penche en arrière vers les chanteurs, accroche leur regard pour donner les entrées, puis pirouette vers l’avant pour soutenir le Chœur de l’Opéra national du Rhin à la pâte sonore opulente même si son anglais n’est pas toujours très clair.

Côté solistes, le Maximilien d’Oleg Volkov impose sa prestance décontractée et la projection puissante d’un organe au grain généreux sans aucun effort apparent.

Liying Yang, quant à elle, prête sa voix riche à la belle autorité au personnage délicieusement dévoyé de la vieille dame.

Nommée Révélation classique de l’ADAMI en 2021, Brenda Poupard collabore régulièrement avec le Poème Harmonique. Elle campe une Paquette tout en fruité que l’on aurait aimé plus entendre, tout comme Andrei Maksimov, impeccable d’autorité vocale ou encore Iannis Gaussin dont le Vanderdendur, félin, matois, révèle un vrai sens comique servi par une projection puissante et percussive.

Tous rejoignent le couple d’amoureux dans des ensembles bien équilibrés où perce le plaisir manifeste de pasticher tous les genres en jouant des couleurs et des nuances.

© DR

La Cunégonde de Floriane Derthe est un concentré de charme en fourreau lamé qui brille également par un timbre charnu, des aigus aussi faciles que ses graves sont bien campés. On perd parfois le personnage quand son œil trahit trop clairement la chanteuse en quête d’un appui pour une entrée mais il ne s’agit là que d’un défaut de jeunesse.

La révélation de la soirée est sans conteste Glen Cunningham qui, tout en assumant la modeste fonction du gouverneur, s’empare avec maestria du rôle titre en remplacement de son collègue, Damien Arnold, malade. Le jeune ténor force l’admiration tant il parvient à se détacher de la partition pour incarner un Candide tout d’ingénuité et de naturel, tant dans l’émission que dans le jeu, rendant l’incarnation naïve totalement crédible, ce qui est loin d’être facile.

Si l’instrument n’est pas démesuré, les forte sont d’une indéniable autorité, les piani délicatement filés dans un remarquable travail des nuances. Le chanteur colore même ses différents personnages d’une palette différente faisant montre d’une intelligence musicale qui force l’admiration.

Le propos universaliste de Voltaire est ainsi porté avec brio par des chanteurs du monde entier : chinois, russe, australien, écossais autant que français dans une version généreuse de cette « farce d’étudiant » qui nous démontre avec jubilation combien les voies de l’optimisme sont impénétrables.

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Lambert Wilson, parrain de cette saison 2022, y compose avec Felicity Lott un impeccable couple de music-hall qui décline en bilingue l’éventail des possibles amoureux de la mélodie jusqu’à la comédie musicale avec de sérieuses limites techniques mais un abattage qui n’a d’égal que leur complicité.

Ce programme inédit, créé pour l’occasion, s’appuie sur le piano remarquablement attentif et sans afféterie de Jacqueline Bourgès-Maunoury. La musicienne connaît bien les deux artistes qu’elle a déjà accompagnés pour plusieurs spectacles au croisement de la musique et de la littérature.

Les trois acolytes déambulent en une trentaine de numéros sur la carte du Tendre de la musique légère sans se préoccuper d’un fil narratif ou d’une chronologie sentimentale.

Le duo d’entrée, « Darling, je vous aime beaucoup » d’Anna Sosenko, donne immédiatement le ton délicieusement « franglish » de la soirée avant un superbe extrait de Gigi, « I remember it well », qui souligne à quel point ces deux-là ne se prennent pas au sérieux. Ils y interprètent un « colloque sentimental » de fantaisie où deux vieux amants n’ont plus du tout les même souvenirs de leur rencontre, au point que l’on s’interroge : ce sont-ils jamais rencontrés ? Les deux chanteurs sont tout aussi crédibles et charmants en jeunes premiers pour le Duo de l’âne de Véronique ou «  All I ask of you », extrait de The Phantom of the Opera.

Par la suite, Lambert Wilson s’expose à plusieurs reprises bien au-delà de ses moyens vocaux, notamment dans les mélodies de Vaughan Williams dont il aurait pourtant aisément pu faire l’économie, tant le programme est déjà (trop) roboratif. Les aigus sont vacillants, le corps peu impliqué vocalement, la justesse problématique. Le comédien heureusement sauve le chanteur ; Il est si drôle en adolescent emprunté dans les chants traditionnels adaptés par Benjamin Britten !

Dame Felicity Lott lui donne la réplique avec la générosité qu’on lui connaît, y compris lorsqu’elle reste silencieuse – comme dans «  Don’t put your daughter on the stage, Mrs. Worthington » de Noël Coward – rendant parfaitement crédible leur couple, qu’ils interprètent comme des personnages de leur génération ou deux gamins qui aiment décidément bien dindons et moutons (la Mascotte, Audran).

 © Candide Camera

La chanteuse ne violente jamais sa voix, travaille ses faiblesses avec délicatesse, accentuant l’expression, les couleurs , les nuances dont de très beaux piani. L’élégance vocale autant que scénique est une vraie leçon, que ce soit dans le si drôle «  Never say no to a man », extrait de State Fair de Richard Rodgers, le fripon «  A Bar on the Piccola Marina » de Noël Coward ou encore le mutin «  Ça fait peur aux oiseaux » de Paul Bernard.

La parfaite maîtrise des styles musicaux ainsi que le merveilleux talent d’acteur de ces deux conteurs trouvent leur apogée dans de beaux moments d’émotion comme «  If Love were all » de Noël Coward ou enfin «  How could I ever know ? » , tiré du Secret Garden de Lucy Simon.

Dinard accueille encore d’éclectiques et tentantes propositions jusqu’au 12 août comme les King’s singers le 7, Keyvan Chemirani le 8 ou encore Stacey Kent pour la clôture du festival.

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Musiques en Fête 2016 (teaser) par france3

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Soirée très parisienne que cette première. Le ban et l’arrière-ban s’y pressent. On chuchote que le compositeur est là ! Les bien pensants de l’art lyrique tentent de raccrocher les wagons qu’ils ont laissé passer, les fans ne cachent pas leur joie, les commentaires vont bon train sur un compositeur dont deux minutes auparavant on ignorait l’existence (Mieux vaut dénigrer haut et fort dans ces cas-là, c’est plus sûr : « musique trop saccadée, il est meilleur comme parolier ! » Sic ! …et j’en passe!). Le public, au début, cherche ses marques : est-on dans G. B. Shaw ou dans O. Wilde, dans Proust ou Tchekov ? Est-on à l’Opéra ou à la Royal Shakespeare Company ? Et, soudain, dans le théâtre, on retient son souffle, l’attention et l’émotion deviennent palpables. Jusqu’au triomphe final.

L’œuvre a été créée en 1973 à New York et a connu aussitôt un grand succès. Après Company et Follies qui avaient fait beaucoup parler d’eux mais qui avaient dérouté une partie du grand public, Sondheim, avec A Little Night Music, devient un créateur incontournable à Broadway. Cette fois, critique et public sont unanimes. Et pourtant, comme dans toutes ses œuvres, Dieu sait s’il sait brouiller les pistes, s’il aime étourdir son public dans les dédales qu’il prend un malin plaisir à dessiner. L’œuvre, au début, a toutes les allures d’un hommage à la grande opérette viennoise. N’est-on pas dans la valse en permanence ? Mais voilà ! Cette valse devient obsessionnelle et ses variations font tourner la tête autant que ces effluves ravéliennes qui rappellent, dans l’ouverture, cette autre Valse à laquelle il est fait souvent référence (belle chorégraphie de Andrew George). Quelquefois, ce sont simplement des bribes de valses qui nous entêtent et qui nous rappellent les minimalistes américains. Les mots aussi s’entrechoquent dans le livret (« saccadé » ?), à la manière d’un Alfred Jarry, et nous rappellent que l’opérette française avait longtemps fait du fatras littéraire sa marque de fabrique.

La valse qui tourbillonne ici cache donc bien son jeu. Le livret d’Hugh Wheeler est inspiré du film de Bergman Sourires d’une nuit d’été. On est en Suède au début du XXe siècle, dans une sorte de théâtre dans le théâtre (avec, en avant scène, une rampe crue, digne du Boulevard du Crime), lors d’une nuit d’été qui ne tombe jamais et qui distille une sourde angoisse que Sondheim sait chanter mieux que quiconque. La vieille dame, ancienne courtisane flétrie par tant d’amours ratées, annonce que, dans sa propriété, où plusieurs couples, faits et défaits, vont se côtoyer, la nuit sourira trois fois : pour les jeunes, les fous et pour ceux dont l’âge ne se dit plus. La vieille dame, c’est la mythique Leslie Caron, qui, à son entrée en scène, est accueillie par une salve d’applaudissements. Et elle est chez elle dans ce rôle. Tant pis si elle s’égare dans son texte, elle n’en est que plus touchante. Les couples se retrouveront, comme dans l’aube athénienne de Shakespeare, et la vieille dame s’éteindra doucement. Le rideau tombera lui aussi lentement sur cette douce solitude : ce sera enfin la sérénité d’un vrai crépuscule.

Mais rien ici de mélodramatique. L’humour vient toujours à point pour étrangler le pathos. De plus, Sondheim a pris soin de faire commenter l’action, en une sorte de clin d’œil amusé à la distanciation brechtienne, par un quintette vocal, interprété par des chanteurs d’opéra aux techniques et aux timbres remarquables qui sont aussi des personnages du drame. Il invoque même Brahms en donnant à ce quintette le nom de « Liebeslieder ». Ce n’est pas anodin. Dans les Liebeslieder Walzer brahmsiens, le quatuor vocal chante des valses aux amoureux, les conseillent ou les raillent comme dans A Little Night Music. Il ne manque au cycle que l’intrigue et le théâtre. Nul doute que Sondheim y a songé. Ainsi, aux Lieder Wie des Abends schöne Röte  et O die Frauen  de Brahms, par exemple, Sondheim répond par The sun won’t set  et In praise of Women! On l’a compris : en humaniste cultivé, Stephen Sondheim peuple sa nuit d’été de tous ces miroirs dans lesquels nous nous contemplons en permanence.

La mise en scène de Lee Blakeley en rend tout le merveilleux avec la même intelligence, par un long cheminement, de la nuit la plus sombre qui débute par ce quintette très opératique, jusqu’aux prémices d’une d’aurore boréale, aux feux de laquelle on peut se brûler. La première partie se déroule dans la pénombre des théâtres ou des lourdes tentures des demeures bourgeoises. Puis la toile de fond se lève brusquement, à la campagne, sur une lumière qui aveugle soudain : celle de ce crépuscule nordique interminable où les personnages trouveront la clarté nécessaire pour se révéler à eux-mêmes.  

Jonathan Stuckhammer dirige l’Orchestre Philharmonique de Radio France avec toute la sensualité et l’ironie requises et les musiciens rendent honneur à cette sublime musique. Les personnages sont superbement campés par des acteurs-chanteurs rompus à ce genre de théâtre musical. Greta Scacchi incarne de manière touchante Désirée Armfeldt, artiste en déshérence en quête d’un amour perdu. C’est une grande actrice mais sa voix chantée peine à s’épanouir. C’est un peu frustrant dans le célèbre « Send in the clowns ». Heureusement, Lambert Wilson, qui a étudié le chant, vient superbement à sa rescousse dans la reprise du thème à la fin de l’ouvrage. Il incarne à merveille l’avocat Egermann et en dessine avec acuité toutes les subtilités. Un grand artiste ! David Curry qui interprète Henrik, son fils, avec justesse et émotion, est un ténor qui se joue sans problèmes de la tessiture du rôle. Rebecca Bottone (Anna) et Nicolas Garret (le Comte) chantent aussi bien qu’ils jouent. Tous les interprètes sont à citer avec une mention pour Petra, la servante, rôle écrit dans la grande tradition de Broadway, où Francesca Jackson se taille un franc succès. Le décor de Rae Smith est superbe, le raffinement des costumes de Jo van Schuppen impressionne et les lumières de Jenny Cane, si importantes, sont justement éblouissantes.

Il faut courir voir ce spectacle. Stephen Sondheim a ses fans et ses détracteurs, on le sait, mais laissez-vous brûler à ce crépuscule. Sa petite musique de nuit vous trottera longtemps dans la tête.

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