Globalement, cette production dirigée par des professionnels mais réunissant sur scène essentiellement des amateurs (à quelques exceptions près), est au plus haut niveau. La troupe Oya Kephale qui existe depuis 30 ans est, avec Les Tréteaux Lyriques, la plus importante troupe française de ce type. Elle monte tous les ans un opéra-bouffe d’Offenbach, et c’est la deuxième fois qu’elle se frotte à Orphée aux Enfers. Une mention particulière doit tout de suite concerner les chœurs, tout à fait remarquables, aussi bien vocalement que scéniquement. Les moutons d’Aristée sont irrésistibles, mais aussi les grands ensembles attendus, le menuet de Jupin, et bien sûr le galop infernal. Mais il y a aussi des figures marquantes, difficiles à trouver aujourd’hui chez les professionnels, qui portent la représentation vers les haut.

C’est le cas pour la figure très particulière de l’Opinion publique. Des Opinions publiques, on en a vu des dizaines en tous genres, de celle handicapée en fauteuil roulant à l’inénarrable dame-pipi de la production historique d’Herbert Wernicke à La Monnaie de Bruxelles en 1997. L’opinion publique de ce soir n’a rien à envier à ses illustres devancières : Ruben Bissoli, qui s’est donné l’apparence de Max Schreck dans le film Nosferatu le vampire de Murnau, campe un personnage étonnant, longue et effrayante figure noire filiforme aux longs doigts crochus. Sa voix de haute-contre surprend de prime abord dans ce rôle créé par la mezzo Marguerite Macé-Montrouge, mais elle donne au personnage un côté plus inquiétant encore, d’autant qu’elle est fort bien menée. Son texte d’entrée de même que l’air célèbre de la fin du premier acte sont parfaitement en situation.

C’est le cas aussi pour le rôle habituellement secondaire de Junon, que Laetitia Beau campe d’une manière vraiment extraordinaire, entre Zouc et Marie Berto (Arlette Carmouille des Petits Meurtres). Sans jamais forcer le trait, elle est irrésistible de retenue et de mimiques, bref c’est le genre d’actrice-chanteuse qui sait capter l’attention, on adore. Et c’est le cas enfin de Théo Le Masson, farfadet malicieux et virevoltant, épatant John Styx qui joue de tous ses atouts, une voix claire et précise, une tenue en scène irréprochable et un sens parfait de la danse.

Aristée/Pluton et Jupiter étaient créés en 1858 respectivement par Léonce et Désiré, deux des acteurs fétiches de la troupe d’Offenbach. Ce soir, on retrouve dans le rôle du berger et gardien des « sombres bords » Thierry Mallet (récent Hermosa de L’Île de Tulipatan avec la compagnie Les Bavards), qui pratique en même temps la fumette de manière irrésistible (exemple bien sûr à ne pas suivre). L’acteur a un jeu sûr et un sens musical parfait, joints à une voix de ténor joliment adaptée à ce type de répertoire. Le personnage est particulièrement bien équilibré avec celui de Jupiter, chanté par Franz Lavrut d’une fort agréable voix barytonnante, et avec une bonne autorité mise à mal, comme il se doit, par une révolte de palais. Et il est fort drôle dans le duo de la mouche. Le Mercure amusant de Pierre-Guy Plamondon distribue le courrier à toute une administration, Cécile Dargein chante une jolie Diane, et Béatrice Beaupère interprète un Cupidon plein d’allant.

Orphée est chanté par Thibaud Mercier, avec autant d’allant que le rôle peut le lui permettre, face à l’Eurydice d’Alice Marzuola. Celle-ci, loin de certaines de ses consœurs souvent nymphomanes et hystériques, serait presque trop sage, malgré une allure générale et des gestes qui ne sont pas sans rappeler Camille Cottin. Mais il y a quand même un petit clin d’œil dans le duo de la mouche où les vocalises prennent, comme c’est maintenant devenu de règle, une connotation sexuelle affirmée. La voix, qui s’affirme tout au long de la représentation, est légère, jolie, et bien dans le style.

La mise en scène d’Emmanuel Ménard, qui signe également une adaptation plutôt respectueuse de l’esprit sinon de la lettre, transpose l’ensemble dans notre monde contemporain. L’enfer est ainsi le monde du SM cuir (d’autres diront que c’est le paradis…), et les moutons hilares paissent dans les vapeurs de hash. Le fond de scène est occupé par la porte d’un ascenseur dont la flèche à l’américaine montre les divers étages et leur destination. Tout cela est plutôt amusant, et fonctionne assez bien. Côté orchestre, Pierre Boudeville dirige avec esprit un orchestre qui manque un peu du liant. Surtout, il conviendrait qu’il allège un ouverture un peu lourde, mais aussi le moment où certains solistes, moins aguerris et à découvert, sont écrasés par la masse orchestrale. À noter un surtitrage français-anglais des parties chantées.

Courrez applaudir cette belle production, prochaines représentations les 27, 28 et 29 mars 2025. Les bénéfices sont reversés à deux associations caritatives.

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Bien sûr, les moyens ne sont pas les mêmes que les super productions qui ont fait date et relancé l’intérêt pour cette œuvre longtemps oubliée (Genève 1986 dans l’étonnante mise en scène d’Alain Marcel, Lyon 1989 dirigée par John Eliot Gardiner, et bien sûr Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff à La Haye en 1992, Paris Bastille en 1993, et ses nombreuses reprises entre 2009 et 2011, notamment à Bordeaux, Toulon et Paris). Dans le beau théâtre Armande Béjart, le metteur en scène Emmanuel Ménard a choisi un parti-pris de décors plutôt minimalistes qui laissent la part belle aux nombreux interprètes. Au premier acte, une espèce de bar clandestin dans une grange, au second un restaurant avec ses nappes Vichy, et au troisième un grand espace moderne. Les costumes sont actuels, et les carabiniers sont bien sûr des gendarmes qui tirent plus vers les Deschiens que vers ceux de Saint-Tropez. Mais la mise en scène lyrique a aussi ses contraintes et ses limites : ce qui ne pose pas de problème au théâtre peut devenir délicat à l’opéra, comme cette chanteuse les yeux bandés qui ne peut pas voir le chef pour démarrer, ou Fiorella qui commence son premier air à l’arrière-plan, derrière un bar, d’où on ne l’entend guère.

La fidélité à l’œuvre est parfaite, même si quelques ajouts contemporains viennent pimenter une partition qui n’en a certes pas besoin, dont un intermède sur « La taca-taca-taca-tac-tactique du carabinier » façon Bourvil qui fait toujours rire le public. Surtout, les glissements – prévus par les librettistes – de personnages qui se remplacent les uns les autres sont fort bien vus et rendus. La représentation se déroule à une cadence soutenue, mais ne trouve qu’après l’entracte son meilleur rythme. En effet, au premier acte, il y a encore de nombreux blancs de quelques secondes qui constituent autant de microcoupures interrompant l’action entre les parties chantées et parlées. Mais on n’en est qu’à la deuxième représentation, et pour sûr les choses vont se roder lors des prochaines. Du côté de l’orchestre dirigé par Pierre Boudeville, on aurait attendu également plus de velouté, plus de légèreté, moins de stridences et d’accentuations brutales. À l’opposé d’attaques tonitruantes, les moments les plus réussis sont justement ceux où l’orchestre devient un véritable accompagnement, comme dans la scène des mendiants au deuxième acte avec son lent crescendo, qui apporte en même temps une note inquiétante tout à fait décalquée sur la scène, équivalente de La Force du Destin. Autre moment où l’orchestre est en parfaite adéquation avec la scène, l’inénarrable entrée des Espagnols.

Sur le plateau, l’ensemble des brigands bras-cassés et de leurs contacts est bien sympathique. Car chacun chante avec ses moyens, mais surtout de tout son cœur. Comme toujours, ceux qui ont l’art des planches se distinguent spontanément, et donnent à leur rôle un relief particulier. C’est le cas en premier rang, du Falsacappa de Thierry Mallet, qui a la voix idéale du rôle et une autorité naturelle qui le propulse de prime abord à la tête de ses malfrats. A ses côtés, on remarque tout particulièrement Adrien Gorez, un Domino vif-argent virevoltant avec efficacité dans l’espace. Audrey Maignan (Fiorella) et Marguerite Brault (Fragoletto) n’ont pas des voix immenses, mais se tirent fort bien de leurs rôles un peu ambigus – on a parfois vu le rôle de Fragoletto tenu par un homme (notamment par Léonard Pezzino). Thibaud Mercier (le comte de Gloria-Cassis), Daniel Ladaurade (Pietro), Benoît Valentin (le duc de Mantoue), Mathieu Fourticq-Tire (le caissier), Frédéric Ernst (le baron de Campo-Tasso) et Paul le Calvé (le chef des carabiniers) jouent parfaitement des rôles souvent courts mais pleins d’embûches. Le public a fait une longue ovation méritée à tous les interprètes.

Prochaines représentations les mercredi 17 mai 2023 à 20 h 30, jeudi 18 mai à 17 h et vendredi 19 mai à 20 h 30.

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C’est évidemment un peu dommage que la troupe ne se soit jamais trouvé un metteur en scène permanent aussi talentueux. Car autant la qualité musicale a toujours été irréprochable, autant le côté scénique – pourtant très honorable – n’arrive pas au même niveau d’excellence. Et il faut dire qu’avec La Périchole, on mesure les limites de la démonstration. L’œuvre est-elle trop difficile et composite ? Laëtitia Trouvé la définit comme l’opérette la plus aboutie d’Offenbach : « Son écriture magistrale et ce dosage parfait entre humour, colère, bienveillance, tendresse, moquerie et amour fou, font de La Périchole une œuvre exceptionnelle où chaque numéro est un petit bijou d’intelligence musicale. » Mais, de fait, on a ce soir plus l’impression d’assister à une suite de perles formant un somptueux collier, plutôt qu’à un ensemble solidement structuré.

© Photo Emeric Guyard
 

Comme à l’accoutumée, des personnalités se distinguent de l’ensemble. Sonia Jacobson, dont on avait apprécié la Grande Duchesse l’an passé, est une solide Périchole, et même si elle n’en a pas tout à fait le côté mezzo, elle en assume avec brio toutes les facettes lyriques. Elle détaille très joliment ses trois airs, évidemment très attendus, « La lettre », « Je suis un peu grise » et « Mon dieu, que les hommes sont bêtes », sans aucune outrance ni vulgarité, et même peut-être un peu trop sur la retenue, mais c’est en tous cas de la très belle ouvrage. A ses côtés, Gabriel Marie d’Avigneau est un excellent Piquillo, à la voix à la fois claire et nuancée, à l’excellente diction et au jeu scénique accompli. Alexandre Lu Minh est paradoxalement desservi par son allure juvénile, alors que sa voix correspond plutôt bien au Vice-roi. Une mention spéciale pour les trois cousines, en regrettant quand même leur côté bien peu subversif…

Cette nouvelle production de La Périchole présente donc la marque habituelle d’Oya Kephale, une qualité musicale exemplaire en un soin particulier de la prononciation, mais est entachée des mêmes faiblesses que certains des précédents spectacles, avec des costumes plutôt trop traditionnels et moins réussis que d’habitude, des scènes parlées trop longues et pas assez rapides, des chœurs (au demeurant très bons musicalement) coincés dans des attitudes et des mises en place stéréotypées, et certains personnages pas toujours assez clairement caractérisés. Quant à certaines voix un peu tendues, cela peut s’expliquer par le fait de chanter l’œuvre trois soirs de suite, ce que peu de professionnels oseraient envisager.

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Certes, La Grande Duchesse est une œuvre particulièrement difficile. De sordides questions de droits, rappelées dans le programme, empêchent pour des raisons financières d’utiliser les versions les plus récentes de Monsieur Keck. Il est curieux de constater qu’aucune dérogation ne soit prévue pour des troupes d’amateurs dont les quelques bénéfices sont reversés à des associations caritatives. C’est donc la version de la création qui est utilisée ce soir, avec quelques coupures et aménagements. Ainsi, la seconde partie de la soirée, avec son interminable souterrain, trouve-t-elle une forme qui restructure le propos et le rend beaucoup plus intelligible et agréable que les actuelles versions « revues » qui réintègrent notamment ce qu’Offenbach avait lui-même déjà coupé.  En revanche, la suppression du délicieux air du Prince Paul au premier acte (« La Gazette de Hollande ») n’est pas une erreur, c’est une faute.

© Photo E. Guyart/Oya Kephale

Les solistes s’en tirent globalement très bien. Bien sûr, il faut déjà une Grande Duchesse, et elle est bien là. Sonia Jacobson apporte une décontraction scénique toute britannique, sémillante et malicieuse, sans lourdeur ni vulgarité. Même si elle n’a pas les graves profonds dont on pourrait rêver (on en a vu d’autres – et des plus grandes – être confrontées au même problème), elle joue sans truquer, aussi à l’aise dans les parties parlées que chantées.  Le couple Fritz et Wanda  est tout à fait convaincant, Matthieu Ségot chantant un Fritz à la voix sonore et particulièrement bien projetée, tout en jouant le personnage d’une manière un peu lunaire, et Ombeline Ségot prêtant à Wanda son allant et sa jolie voix. Le prince Paul de Gabriel Marie d’Avigneau, ténor léger très musical, est presque trop séduisant, au point que l’on ne comprend plus très bien pourquoi la Grande Duchesse hésite tant à l’épouser. Vianney Boyer est un baron Puck bien enferré dans ses convictions, tandis que Mathieu Guigue campe un général Boum qui, à défaut de panache, se fait entendre d’une voix forte. Outre le personnage un peu monolithique du baron Grog de Thibault van der Stichel, les comparses Stéphanie Rivage, Marie-Andine Bouvattier et Thibault Néron Bancel complètent agréablement la distribution.

Les costumes colorés et drôles réalisés collectivement arrivent à faire oublier parfois une mise en scène un peu irrégulière, et si l’on salue la direction d’acteurs de Clémence de Vimal, on note que la collégialité du travail scénique fait regretter la patte d’un maître d’œuvre responsable de l’ensemble de la production. En effet, paradoxalement, alors que la première partie de l’œuvre, qui contient les airs les plus célèbres, avait connu un immense succès à la création, et la seconde un relatif insuccès, c’est tout le contraire qui se passe ce soir : on assiste à une première partie au premier degré, sans allant (trop grande lenteur des échanges parlés pourtant allégés), dans une mise en scène plutôt fade et statique, où les chœurs ressemblent à des automates sans âme, et où les solistes – privés de tout élément de décor et de mobilier même simplifié – en sont encore à chanter leur air plantés sans bouger au milieu de la scène. Tout bascule dans la seconde partie, où l’on retrouve la troupe dans sa forme idéale, avec de vrais éléments de décor, et des mouvements efficaces soigneusement mis en place. Comme toujours dans ce cas là, on mesure ce qu’il a pu manquer de temps pour parfaire et rééquilibrer l’ensemble du spectacle, qui a néanmoins ravi la nombreuse assistance présente lors des six représentations données dans la grande salle du beau théâtre Armande Béjart.

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