Lors du premier « Gala de la Voix » organisé le 14 janvier dernier par l’École Normale à la Salle Cortot, à la suite de la master-class de Véronique Gens, Anne-Lise Polchlopek avait obtenu un premier prix à l’unanimité décerné par un jury présidé par Alain Lanceron (son interprétation de l’air de Sapho de Gounod avait beaucoup impressionné). Et c’est à nouveau à la Salle Cortot, chef d’œuvre d’architecture à l’acoustique exceptionnelle et véritable écrin pour la voix et la musique de chambre, qu’elle vient de donner ce récital devant un public venu en grand nombre. Quel bonheur, d’ailleurs, de voir que les mélomanes ont retrouvé le chemin de cette salle mythique. Le dynamisme de la jeune équipe de l’École Normale, avec à sa tête Murielle Hurel, y est pour beaucoup.

Après des études très poussées en architecture et son apprentissage de la langue espagnole à Madrid, Anne-Lise Polchlopek se passionne vraiment pour le chant lyrique en étudiant avec la soprano Claudine le Coz, professeur au Conservatoire Berlioz dans le dixième arrondissement de Paris. Sa belle voix naturelle a trouvé là son meilleur guide et s’est développée par la suite tout naturellement auprès de grands chanteurs comme Sophie Koch et aussi à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth en Belgique.

Son récital commence par « I am easily assimilated », le tango comique de la vieille duègne, au premier acte de Candide de Leonard Bernstein où l’anglais se mêle au yiddish et à quelques bribes d’espagnols (tout pour plaire à la cantatrice !). Puis commence une sorte de patchwork délicieux avec la célèbre Berceuse de Richard Strauss, un compositeur qui lui sied à merveille (à quand l’intégrale de cet opus 41 ?) suivie par un chant d’amour du catalan Eduard Toldrá et l’émouvante Première lettre de Cécile Chaminade. Fauré est ensuite présent plus d’une fois, associé aux mélodies de Messiaen composées en 1930, dans la lignée de Debussy et aux chansons de Polnareff et Jacques Brel que la cantatrice interprète avec une sobriété qui en rehausse la qualité musicale.  À la habanera de Carmen de Bizet chantée avec élégance et raffinement et très applaudie, succèdent les Métamorphoses de Poulenc et la périlleuse Vocalise en forme de Habanera de Ravel qu’elle interprète admirablement, en dessinant les nombreux mélismes avec précision. L’excellent pianiste Federico Tibone (il est aussi un chef d’orchestre renommé) est le complice idéal de la mezzo-soprano et il a lui aussi un beau legato ! Tous deux savent créer une belle complicité avec le public, en s’adressant à lui pour annoncer brièvement les œuvres avec, parfois, quelques touches d’humour de bon aloi. Pour certaines œuvres hispaniques Anne-Lise Polchlopek est accompagnée par Pierre Laniau à la guitare à dix cordes. Elle excelle dans ce répertoire et son interprétation de la La Tarántula de la zarzuela La Tempranica de Jiménez (un des bis favoris de Teresa Berganza ) est un condensé de charme et d’espièglerie.

Son chant simple et naturel est basé sur un juste appui du souffle, un beau legato et une ligne vocale sans failles, des graves sonores aux aigus épanouis et brillants. Seul petit bémol : on peine parfois à comprendre le texte des chants, sans doute par un manque de définition nette et juste de chaque voyelle. En grande linguiste qu’elle est Anne-Lise Polchlopek saura vite y remédier. D’autant plus que l’étendue singulière de sa voix, sa présence en scène et son talent d’actrice la destine à l’opéra.  On espère l’entendre bientôt dans Mozart ou dans certains opéras français. Son interprétation du lied de Strauss nous a même fait rêver au rôle d’Octavian du Chevalier à la Rose. La chanson bouleversante Gracias a la vida de la chilienne Violeta Parra qui clôt le programme du récital est aussi le titre du CD très réussi (encensé par Le Monde) qu’elle a enregistré pour le label Fuga Libera dans lequel on retrouve la plupart des œuvres de son récital à la Salle Cortot.

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Le concert se tiendra la lundi 12 mai dans le cadre intime de la Salle Cortot, dessinée par l’architecte Auguste Perret à la demande d’Alfred Cortot, pianiste et fondateur de l’École Normale de Musique de Paris, désireux de mettre à la disposition des élèves un lieu où se produire en public. C’est donc aussi une excellente occasion de découvrir le lieu.

Renseignements et réservations ici.

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La soirée débutera à 19h par un cocktail, suivi du concert présenté par l’avocat et orateur Bertrand Périer. Parmi les artistes invités figurent le pianiste Cyprien Katsaris, les sopranos Nadège Meden et Lise Nougier, la mezzo-soprano Olga Syniakova, ainsi que le pianiste Denis Dubois. Le programme inclut des œuvres de Gounod, Haendel, Mozart, Rossini, Verdi, Puccini, Strauss, Offenbach, Donizetti, Tchaïkovski, Saint-Saëns, et Liszt/Wagner.​

Les billets sont disponibles via HelloAsso, avec des tarifs allant de 80 à 320 euros, incluant des avantages tels que des places premium et des accès aux loges après le concert. Les dons sont déductibles fiscalement : ​HellloAsso

Pour plus d’informations : contact@lalunedanslesyeux.com​

*Salle Cortot, 78 rue Cardinet, 75017 Paris

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« Ô ma lyre immortelle » extrait de Sapho, français a exposé la beauté du timbre et le tracé de la ligne, tandis qu’à l’autre bout de l’échelle des affects, l’air de la Old Lady dans Candide faisait valoir un tempérament qui gagnerait à être canalisé. Aujourd’hui inscrite dans la classe de Véronique Gens, Anne-Lise Polchlopek devrait bénéficier de l’enseignement de son aînée pour améliorer encore sa prononciation de la langue française.

Le deuxième prix et le prix du public reviennent à la soprano ukrainienne Inna Kalugina, déjà lauréate du Prix Georges Enesco en 2022 et élève de Vladimir Tchernov.

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C’est encore une autre version de l’œuvre – inédite depuis sa création – qui est donnée ce soir à la Salle Cortot. En 1736, Haendel repart de la version de 1732 en modifiant certains numéros et en transposant le rôle d’Acis pour ténor. Pour les besoins de la représentation de ce soir, les personnages secondaires ainsi que les chœurs ont été supprimés.  En l’absence de surtitres, l’équipe artistique a eu la riche idée de faire alterner les parties musicales avec des lectures de textes. Judicieusement choisis, dans un répertoire allant d’Ovide à Maupassant en passant par Victor Hugo, ces extraits sont élégamment déclamés par la comédienne Jeanne Vitez. Ce dispositif permet de clarifier la structure narrative de l’œuvre et d’animer la représentation par de jolis clins d’œil, dont un emprunté à François Truffaut : « Tu es beau Acis, si beau que te regarder est une souffrance. – Hier, tu disais que c’était une joie ! – C’est une joie et une souffrance. »

Le rôle de Galatea fut chanté en 1736 par la prima donna Anna Maria Strada del Pò, qui venait de créer le rôle d’Alcina au cours de la saison précédente à Londres. En nymphe marine, Maria Ladurner convainc dès son air d’entrée,  « Hush, ye pretty, pretty warbling choir ! », tant par la délicatesse de la ligne vocale et des ornements que par la beauté du timbre. Dans l’étonnant « Come la rondinella » (avec l’excellent clavecin obbligato de Chloé de Guillebon), la soprano se révèle très touchante.

Chanté par des castrats soprano (en 1708) et alto (en 1732, le fameux Senesino), le rôle d’Acis fut confié à un ténor dans sa version anglaise (en 1718). Il resta dans cette tessiture pour la reprise en 1736, chanté alors par rien moins que John Beard, qui, jusqu’à Jephta (1752), allait créer tant de rôles haendéliens. En berger sicilien, Marco Angioloni fait montre d’agilité et d’investissement dramatique constants (très beaux récitatifs), avec un souffle qui lui permet d’impressionnantes cadences en fin d’aria.

Dans la version de 1736, le rôle de Polifemo a été profondément remanié, dans une tessiture plus centrale et avec un étonnant ajout extrait de la Cantate « Mi palpito il cor » pour son entrée. Dans notre chronique de son récent album consacré à Caldara, nous écrivions à quel point la voix d’Alexandre Baldo semblait adaptée aux grands rôles de basse de Haendel. Le jeune baryton-basse, à la projection spectaculaire, amplifiée par l’excellente acoustique de la Salle Cortot, y brille en effet par sa virtuosité et par une belle homogénéité sur toute la tessiture. Dans « Ferito son d’amore » (version italienne du plus connu « O ruddier than the cherry » de 1718), Alexandre Baldo séduit par un dialogue amusé avec la flûte à bec.

Le dynamisme du jeune Ensemble Mozaïque, jouant à un par partie, fait plaisir à voir. Très investis, jouant de façon précise et alerte, chacun y brille, des violons de Gabriele Toscani et Simone Pirri au toujours inventif théorbe d’Elias Conrad. Au clavecin, Chloé de Guillebon anime l’ensemble avec rigueur et imagination. Précisons enfin que cette belle représentation a pu voir le jour grâce au soutien de Philbarock, structure dont la mission est de produire et promouvoir de jeunes artistes professionnels en début de carrière, principalement dans les domaines de la musique baroque.

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Passons donc rapidement sur ces Purcell surprenants mais peu convaincants qui se satisfont mal de sa voix très focalisée et sans cesse agitée. « Sweeter than roses » requiert plus de brume et la folie de Bess plus de mystère et de respirations. Les emportements telluriques de la contralto servent bien mieux le style italien. L’Eraclito amoroso de Strozzi nous laisse un peu sur notre faim, comme un récitatif accompagné qui serait privé d’aria mais signale déjà ses qualités de diseuse. C’est avec les arias de Ferrari, une fois la voix chauffée que l’on retrouve l’artiste à son meilleur. Dès le « Ardo misera si » et sa vocalise fulminante sur « cocente rotar », et surtout l’intranquille « Amanti, io vi so dire » que l’on n’avait jamais entendu si brillant. S’il y manque la légèreté qu’appelle ce rythme chaloupé, on y goute la tortueuse écriture qui signale l’amant aigri, et toute son énergie soudain utilisée à mépriser ce qu’il a adoré autrefois. La virtuosité illustre la contradiction et se chauffe au feu du désir qui couve.

Avec la Lucrezia de Haendel, notre interprète a davantage d’espace pour peindre son héroïne, dont les élans sont d’autant plus touchants qu’ils sont en opposition totale avec notre temps (rappelons qu’après avoir maudit son violeur, Lucrèce se reproche « son crime » et demande pardon d’avoir souillé l’honneur de son époux avant de se suicider). Elle est ici en terrain connu, la violence du jeune Haendel lui sied particulièrement bien, que ce soit dans des récitatifs furibonds ou des arias qui le sont tout autant mais amplifiés par l’audace de la vocalise sur des écarts de tessiture assassins. La cantate sollicite d’ailleurs souvent son registre aigu dans lequel elle frôle l’accident, accuse quelques notes sourdes, mais ne cède pas, même dans un très tendu « Alla salma infedel porga la pena ». C’est dans la crainte de ces chutes que l’on sait que l’on est monté très haut.

En bis, après un agréable « Se l’aura spira tu » de Frescobaldi, c’est avec le saxon qu’elle rugit de nouveau dans le tourbillonnant « Se bramate d’amar qui vi sdegna » de l’empereur perse dont elle rends le désir capricieux et frustré avec autant d’agilité que de sincérité.

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Car à la Salle Cortot, Hasselhorn livre une Belle Meunière aussi convaincante que l’enregistrement paru il y a peu, dont notre collègue Charles Sigel saluait il y a quelques jours l’exceptionnel degré d’aboutissement. Dès le premier Lied, le chanteur nous embarque dans un récit sans temps mort. Le piano subtil d’Ammiel Bushakevitz l’aide à oser des nuances, des ralentis et des accélérations, comme autant de creux et de bosses sur le chemin de notre meunier. Avec des interprètes plus immatures, tout cela pourrait déstructurer le discours, fragmenter le propos ou verser dans le narcissisme. Ici, le dosage subtil des effets, toujours mobilisés à bon escient pour éclairer le texte et faire respirer la musique, nous préservent du moindre faux pas. Mais c’est surtout l’enthousiasme communicatif des deux artistes qui donne sa cohérence à l’ensemble. Tout au long du cycle, c’est un personnage dans toute sa cohérence qui nous est présenté à travers la musique de Franz Schubert et les poèmes de Wilhelm Müller. Un jeune homme ardent, audacieux, assoiffé d’aventures et désireux de montrer sa valeur crève l’écran dans toutes les premières mélodies, et empoigne fièrement « Am Feierabend ». La voix, sombre, puissamment projetée, soutenue par un souffle généreux, se plie ensuite à des inflexions aussi spontanées qu’attendries, dans « Ungeduld » et dans « Tränenregen ». L’explosion de « Mein ! », comme il se doit, est trop euphorique pour être honnête, qui porte en elle les prémices des tourments à venir. Ces derniers ne tardent pas : l’enchaînement du « Jäger » et de « Eifersucht und Stolz », où tant de chanteurs cherchent à utiliser les allitérations pour déclencher un effet comique, montre une douleur rageuse et immense, qui se déploie comme un poison lent dans « Die liebe Farbe ». L’épilogue du cycle, dès lors, peut démarrer, dans une atmosphère de désolation fataliste qui ne se dissipera qu’avec les dernières mesures du « Baches Wiegenlied », et sous les ovations d’un public bouleversé.

Tout ce qui a été réalisé ce soir par Samuel Hasselhorn et Ammiel Bushakevitz est rare : une œuvre comme la Belle Meunière peut inhiber bien des artistes, coincés par le risque de la faute de goût ou de l’écart stylistique. Eux se promènent calmement sur la ligne de crête sans craindre le faux pas, sans rejeter ce que des mélodies si exquises peuvent receler de simples plaisirs sonores, sans laisser se dissiper une impression d’engagement et de sincérité qui nous ramènent aux meilleures heures d’un Hermann Prey ou d’un Bryn Terfel. Et leur odyssée schubertienne, chez Harmonia Mundi, ne s’arrêtera qu’en 2028, notamment après un Voyage d’Hiver où on a hâte de les suivre.

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De fait, répondront les organisateurs, l’association loi 1901 VociHARMONIE a pour vocation de faire la promotion de jeunes chanteurs et musiciens professionnels, et de mettre à la portée du plus grand nombre les œuvres importantes du passé. Il était d’ailleurs prévu un récitant-narrateur qui finalement n’est pas intervenu, ce qui est certainement une bonne chose. En revanche l’absence de certains moments musicaux, comme le prélude du dernier acte, brouille l’action en la réduisant considérablement, ce qui ne doit pas aider le néophyte à s’y retrouver. Enfin, les harmonies délicates composées par Massenet sont quasi absentes, malgré le talent des quatre musiciens, et tout particulièrement de Jean-Michel Kim au piano, placés sous la direction efficace de Philippe Hui. N’aurait-il pas fallu prévoir, à tout le moins, un second violon ?

Aurore Daubrun et Daniel Gàlvez-Vallejo © Photo Jean-Marcel Humbert

Le rôle-titre est tenu par Daniel Gàlvez-Vallejo. En dehors des qualités musicales de l’interprète, dont la technique vocale est parfaite, le personnage dévie forcément vers l’homme mur amoureux d’une jeune femme, d’autant que le timbre de la voix a une assise barytonante grandissante qui se rapproche de la version pour baryton créée par Massenet au début du XX^e siècle pour Mattia Battistini. Et si les notes aigues sont bien là et magnifiques, elles sont toutes données en force. Pas de voix de tête ni de raffinements à la Vanzo ou Kraus, rien donc ici d’élégiaque, la caractérisation du personnage s’en ressent, qui est souvent torturé de façon très sonore…

La Charlotte d’Aurore Daubrun est forcément tributaire de son partenaire, et si elle a tous les atouts indispensables – beau mezzo, voix chaude et expressive, puissance –, elle campe un personnage dur essayant de se sortir d’une situation inextricable. Après tout, pourquoi pas ? Mais on a été plus habitués à une Charlotte parfois autoritaire, mais toujours maternelle et toute de douceur. On retrouve plus de tradition avec la Sophie de Clémence Olivier, absolument parfaite dans ce rôle où elle déploie sans effort son joli soprano et sa joie de chanter, et avec Tristan Poirier qui n’innove pas non plus dans le rôle un peu formaté d’Albert. À noter la jolie intervention de Nathalie Rougon et Julie Lempernesse, montrant avec Clémence Olivier que le fameux « Noël Noël Noël » peut gagner en musicalité et perdre son côté un peu horripilant.

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On pressent d’emblée dans la prestation croisée de ces jeunes artistes, le chemin parcouru depuis le concours duo 2019. Ronan Caillet âgé alors de 25 ans, qui nous avait laissé l’empreinte d’une voix juvénile et aérienne, au timbre agréable, est sans doute celle des deux voix qui a le plus progressé. Dans un bouquet équilibré entre mélodie française et Lieder, le jeune ténor évolue avec aisance même si c’est dans l’art du chant français qu’il capture d’emblée l’attention. Dans l’alternance de pièces intimistes, parmi lesquelles des œuvres de Caplet et des sœurs Boulanger, l’artiste atteint un palier suplémentaire tant dans son incarnation des textes que dans l’amplitude vocale. La voix claire fait désormais montre d’une belle puissance bien dosée, qui remplit aisément l’espace sans l’envahir, avec une pointe de vibrato donnant à certaines pièces le charme d’une élégance passée qui nous porte encore plus vers l’émotion. Dans la fragilité et la retenue s’affirme une urgence à dire les textes dont le piano de Malte Schäfer souligne avec l’exactitude d’un métronome tous les contours. Le ténor est au cœur de la mélodie française dans son jardin et se distingue par une diction impeccable. Dans les Lieder, notamment schumaniens, il se laisse porter par la précision de son accompagnateur, qui semble le guider dans un labyrinthe dont le duo donne l’impression qu’il ne peut être exploré qu’à deux, tant les deux artistes sont complémentaires dans une synergie évidente. Et sans doute cette complémentarité facilite la tâche du ténor dans les passages les plus escarpés des pièces du compositeur notamment dans les extraits de Myrthen. Malte Shäfer exalte le romantisme de l’écriture, avec une vive ardeur mais qui reste toujours cohérente.

Dans le concours 2019, la mezzo ukrainienne Ekaterina Chayka-Rubinstein alors agée de 21 ans avait capté l’attention dans l’art du Lied grâce à une voix chaude et prenante fort bien conduite. Ce que nous avons pu entendre aujourd’hui, confirme cette première impression d’écoute. D’emblée on est interpellé par la maturité de l’artiste pour son jeune âge. Les Lieder sont une terre de prédilection et cela s’entend. Elle habite avec conviction ces pièces allemandes dont on retrouve ici le Myrthen schumanien. Elle traduit parfaitement cette « innere Stimme » qui habite les œuvres du compositeur, cet art de dire les émotions avec introspection. La voix est fraîche, longue et le timbre grave est séduisant. C’est dire déjà le bonheur éprouvé à l’écoute. Dans Waldesnacht de Schubert, tout est là, servi avec sincérité, dans le frémissement et l’impatience. Elle montre une maîtrise également dans le « La li v pole da nie travouchka byla » de Tchaïkovsky, dont elle semble épouser parfaitement l’âme. On la sent toutefois plus distante avec les mélodies de Lili Boulanger et d’Henri Dutilleux dans cette langue française qui lui résiste encore. La compréhension du texte, la diction ne sont pas encore des rives familières. On sent d’ailleurs de sa part une réserve craintive, comme si l’artiste se tenait volontairement au seuil des œuvres sans véritablement vouloir franchir plus avant la distance qui sépare interprétation et incarnation. Mais la jeune mezzo est parfaitement consciente de ses limites, comme elle l’exprime dans l’entretien à bâtons rompus d’après concert, et elle sait qu’il lui faudra encore travailler ce français qui ne vient pas à elle naturellement. La pianiste, Maria Yulin qui l’accompagne ne démérite pas  dans un style enlevé et nerveux mais qui sait épouser les articulations, les touchers, les phrasés pour s’accorder au chant et à l’esprit de chaque pièce.

Les rives de la jeunesse sont salvatrices, elles nous poussent toujours et encore à la découverte, c’est sans doute pourquoi on court avec bonheur vers ces quelques parenthèses musicales privilégiées, denrées rares dans nos vies à ce jour suspendues. Et à cet égard, la fraicheur, la spontanéité et la lucidité des propos de fin de concert de ces jeunes artistes, malgré les difficultés ambiantes, nous ramènent aux vibrations positives de la vie.

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