Un panneau de bois noir, au sommet incurvé qui permet à chacun d’apparaître, un tapis roulant – invisible – en fond de scène, vont traverser les trois actes. Ce dernier facilitant la translation des personnages comme des accessoires, de cour à jardin, et participer à la remontée du temps. Une amie, non contente de commencer la lecture d’un roman par celle du dernier chapitre, les lit maintenant en sens inverse, ce qui laisse sceptique. Or la réalisation de Pierre-André Weitz, aboutie, très professionnelle, intellectuellement séduisante (1) , nourrie de références, adopte ce principe, illustrant le travail de deuil. « Novembre 2018 », « octobre 2015 », « février 1975 », « avril 1950 », « janvier 1944 » indique successivement le surtitrage. L’idée est pertinente et illustrée avec goût. Cimetière, où l’on procède à l’inhumation d’Eurydice (cf. L’enterrement à Ornans), puis chambre d’hôpital où cette dernière va disparaître, entourée d’une infirmière (l’Amour) et de trois femmes âgées (Parques, ou Nornes), c’est la vie à l’envers qui sera illustrée au fil des tableau. Ainsi, Orphée et Eurydice rajeuniront-ils, épousant les affects originaux des héros. On oublierait l’artifice n’étaient quelques réserves. L’aspect discontinu des épisodes, déjà, mais, surtout le deuxième acte, où la surprise et le sourire distancié rompent avec l’émotion du premier. Le Cerbère, les spectres et furies empruntent ici aux figures colorées du Carnaval de Venise ou de la Commedia dell’ arte. L’effroi, la terreur, essence de ce passage, sont réduits à l’orchestre et au chœur. Contresens, parodie, provocation ? Jamais Gluck, familier du répertoire des Bouffons (2), n’aurait confondu l’enfer de l’Ivrogne corrigé avec celui du drame virgilien… N’est-il pas paradoxal d’affirmer « Il ne faut pas nous retourner » alors que toute la démarche se fonde sur le souvenir et le surgissement du passé ?

Costumes et éclairages servent la proposition avec goût. Nombre de tableaux sont d’une réelle beauté plastique. La direction d’acteurs, y compris de celle des chanteurs du chœur, est appréciée. Mais le bonheur visuel interroge sur la relation au livret original. La danse participe pleinement à l’essence d’Orphée (3). C’est moins une concession au goût du temps que la volonté d’user de la danse pour participer pleinement au drame. La transposition n’était pas aisée et la réussite est inégale d’une chorégraphie inventive assurée par les solistes comme par tous les artistes du chœur. Du moins ne fait-elle pas obstacle à l’action dramatique. Nous sommes malheureusement privés de l’ample chaconne finale, le ballet général qui conclut l’ouvrage ayant été supprimé.

Si les interrogations relatives au parti pris de la mise en scène abondent, nulle réserve sur le plan musical. Attentif à la souplesse de la narration, avec un sens dramatique constant, Sammy El Ghadab valorise la richesse d’écriture et de couleurs de la partition, tout en veillant à l’équilibre avec les voix, qu’il sert avec art.  L’orchestre de l’Opéra de Limoges se hisse au meilleur niveau, porté par un souffle continu, respirant à souhait, ductile. Bien que jouant sur instruments modernes, il a fait sienne la pratique historiquement informée pour rendre à la partition ses couleurs, ses contrastes, et ses nuances (notamment des crescendi admirables). Il n’est pas de pupitre qui soit en retrait, et le bonheur est constant, de l’ouverture, enlevée et colorée, à la « symphonie horrible » du deuxième acte. Les soli sont impeccables, hautbois, clarinette etc. sans oublier la flûte (Miglė Astrauskaitė-Costard) et la harpe (Aliénor Mancip), qui nous ravissent dans le Ballet des Ombres heureuses.

Les nombreuses interventions d’un chœur bien préparé (par Arlinda Roux Majollari), bien chantant, bien jouant et dansant sont autant de moments de bonheur. Pleinement investi, il atteint le maximum d’effets sans que jamais l’effort transparaisse. La vigueur, l’équilibre des parties, la qualité de la prosodie sont manifestes dès le chœur funèbre. La complexité des grands ensembles, où solistes et chœur s’interpellent (les « Non ! » véhéments qui interdisent à Orphée l’accès aux enfers) est ici parfaitement réalisée. Le chœur des Bienheureux, transparent, communique la béatitude à chaque auditeur. Un grand bravo !

Dès ses trois appels désespérés (« Eurydice »), ici justement tremblants puisque c’est un grand vieillard qui le chante (4), Cyrille Dubois nous émeut jusqu’au terme de l’ouvrage. Il a l’ardeur, la conviction et surtout les moyens vocaux requis pour ce rôle particulièrement exigeant, où l’humanité et la noblesse se conjuguent. La clarté du timbre, l’aigu franc, la sûreté des moyens comme le style sont au rendez-vous. La déclamation est exemplaire, et les récitatifs accompagnés un bonheur, comme la ligne de chant et la virtuosité (les vocalises agiles et aériennes de « L’espoir renaît dans mon âme »). Evidemment le célèbre « J’ai perdu mon Eurydice », d’une justesse vocale et dramatique exceptionnelle, soulève les acclamations du public. Est-il nécessaire de rappeler la vérité de son jeu, pleinement convaincante ?

Chiara Skerath connaît bien son Eurydice, qu’elle a chantée dirigée par Gardiner, puis, en 2023 à Zürich (mise en scène Marthaler) dans la version de Berlioz. Parfaitement assortie à Orphée, elle use à merveille d’une voix ample, libre, d’une grande pureté d’émission. Le style, la classe, avec naturel, pour une incontestable vérité vocale et humaine. Une rare douceur (« Cet asile aimable ») fera place, avec une énergie affirmée, au questionnement, à l’angoisse, la douleur puis la révolte. Une Euridyce d’anthologie. Emmanuelle de Negri nous vaut un Amour crédible, un Cupidon mûr, toujours bienveillant, courtois et chaleureux. Si sa première intervention souffre d’une intelligibilité limitée, la suite « Apprends la volonté des Dieux… Soumis au silence etc. », fera plus que nous rassurer : le chant traduit idéalement la fonction de cette figure qui, ici, n’est plus allégorie désincarnée. Lorsqu’elle interrompt la tentation suicidaire d’Orphée, elle rayonne vocalement comme humainement. Le trio « Tendre Amour » qui réunit nos trois solistes au dernier acte introduit fort bien la réjouissance finale.

La salle fait un triomphe aux interprètes, qui ont bien mérité ces acclamations nourries, quelles que puissent être les appréciations relatives à la mise en scène. Pour se faire une opinion, le mieux sera d’attendre la réalisation au Châtelet, le plaisir musical et visuel en est promis.

(1) Scéniquement, si le retour régulier des trois Parques ou Nornes témoigne d’une authentique intelligence dramatique, celle d’un curé, d’une chasuble renouvelée l’est moins.

(2) Il s’était familiarisé à la prosodie française dès avant 1758, où il allait écrire sur des livrets d’Anseaume, de Sedaine et autres, des ouvrages savoureux qui mériteraient une résurrection.

(3) Pas moins de sept interventions sont prévues : Ballet des nymphes, Pantomime des nymphes et des bergers (au I), Ballets des Furies, des Ombres heureuses, Danse des héros et des héroïnes, Danse des Ombres (au II), Ballet de la Suite de l’Amour, Ballet général (au III). 

(4) Le rajeunissement qu’impose la mise en scène ne sera pas seulement physique et vestimentaire, l’art de Cyrille Dubois lui permet de le traduire par l’émission.

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La saison 2025-26 verra plusieurs projets prendre forme : une Tosca coproduite par Limoges et Vichy en mars 2025, Le Messie en partenariat Limoges / Clermont-Ferrand en novembre, puis Didon et Énée début 2026. Le réseau annonce aussi des navettes destinées à rapprocher les publics de Clermont-Ferrand et de Vichy autour de La Bohème, Le Magicien d’Oz ou Orphée et Eurydice, avant une nouvelle production de l’opéra de Gluck réunissant Limoges et Vichy au printemps 2026 .

Déjà, OR MASSIF prépare l’étape suivante : une Traviata d’envergure, prévue sur la scène de l’Opéra de Vichy en mai 2027, portée par l’Orchestre et le Chœur de Limoges et bénéficiant d’une longue résidence scénique . Une création itinérante est également à l’étude, reliant Limoges, Clermont-Ferrand et Vichy pour toucher à la fois les publics ruraux et urbains.

Une dynamique qui confirme que, dans le Massif Central aussi, l’union fait la force. Si la mutualisation est désormais le maître-mot de nombreuses maisons françaises, OR MASSIF entend en faire un modèle durable.

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* CIDFF Allier, Aux Mille Couleurs, Aidnous, Sésame Autisme, Les Petits frères des pauvres (Marseille), On se gèle dehors, Fondation Le Refuge des Bouches-du-Rhône, Piaf, Tedai84, Mas de Carles, Espace Singulier, Les Petits frères des pauvres (Essonne), l’APEDV et Association des Sinistrés.

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L’Opéra de Vichy présente sa première production lyrique entièrement créée dans ses murs, depuis Didon et Enée couplé à Le syllabaire pour Phèdre en 1992 : LA FLÛTE [CYBER] ENCHANTÉE de W.A. Mozart dans une mise en scène de Samuel Sené.

En à peine un mois, les équipes de Vichy Culture (producteur), couplées à celles de Musidrama (producteur délégué) ont su remuer ciel et terre afin de monter de toute pièce un chef d’œuvre de l’Opéra classique, La flûte enchantée (Die Zauberflöte) de Wolfgang Amadeus Mozart sur un livret d’Emanuel Schikaneder.

Martin Kubich, directeur de Vichy Culture, confie au metteur en scène Samuel Sené, compagnon artistique depuis plus de 18 ans, la gestion artistique du projet. Il conçoit un projet mêlant numérique, performance scénique et où le spectateur participe à l’action via ZOOM. Il imagine une rencontre entre La flûte enchantée de Mozart (ramenée à 1h15 de spectacle) et les outils de communication 2.0.

De Twitter aux fake news en passant par Siri, emojis et selfies, cette « flûte (cyber) enchantée » interactive transpose le combat entre le bien et le mal dans notre monde ultra-connecté.

L’originalité du projet réside dans cette interaction entre les artistes sur la scène de l’Opéra de Vichy, des chanteurs lyriques préalablement enregistrées et filmés, les spectateurs participants à l’action et une réorchestration musicale originale et décapante. Il s’agit d’une première mondiale dans ce format et donc d’un évènement aussi bien scénique que télévisuel.

RÉSIDENCE / REPRÉSENTATION

Répétitions à l’Opéra de Vichy du 11 au 26 mars 2021
Représentation samedi 27 mars 2021 diffusée en ligne à 20h00 sur la page Facebook et le site internet de l’Opéra de Vichy.

LIENS

Facebook Opéra de Vichy : https://www.facebook.com/vichyopera 
Site internet Opéra de Vichy : http://www.opera-vichy.com

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© Opéra de Vichy

L’accompagnement de Mathieu Pordoy est efficace, et ses tempi sont justes. Mis en place en quelques jours, le récital souffre de quelques imperfections mineures, mais emporte notre adhésion par sa spontanéité, sa qualité et la générosité d’un programme copieux et exigeant pour les interprètes, et toujours remarquablement servi.

La réalisation est de qualité, avec des vues sur la magnifique salle Art Nouveau, et les éclairages sont variés et adaptés aux différentes pages (quelques éclairs pour la scène de Zurga par exemple). Diffusé en streaming en direct, le concert reste visible sur la page Facebook de l’Opéra de Vichy : ne manquez pas ce moment roboratif !

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PROGRAMME (sous réserve de modification)

• Bizet, Les Pêcheurs de perles
  Duo Nadir-Zurga « Au fond du temple saint »
  Air de Nadir « Je crois entendre encore »
  Air de Zurga « L’orage s’est calmé »
• Rossini, Il Barbiere di Siviglia
  Duo Conte d’Almaviva-Figaro « All’idea di quel metallo » 
• Rossini, Guillaume Tell
  Air de Guillaume Tell « Sois immobile »
  Duo Arnold-Guillaume Tell « Où vas-tu ? »
  Air d’Arnold « Asile héréditaire » 
• Donizetti, Lucia di Lammermoor
  Duo Edgardo-Enrico « Orrida questa notte »
  Air d’Edgardo « Tombe degli avi miei » 
• Verdi, Don Carlos
  Air et Mort de Posa « C’est moi, Carlos… C’est mon jour suprême… Ah, je meurs l’âme joyeuse »
  Duo Carlos-Posa «  Dieu, tu semas dans nos âmes » 

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Tout ne serait pas perdu pour autant. Ce rapprochement motivé par la crise sanitaire incite les deux institutions auvergnates à travailler plus souvent ensemble. Ainsi, en février prochain, pour la première fois, le 27e Concours International de Chant de Clermont-Ferrand se déroulera partiellement à Vichy.

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La mise en scène tire sa cohérence de la symétrie voulue entre le premier tableau, où les corps des trois jeunes sont devinés sous un large voile, et qui y retourneront à la fin, comme de l’économie de moyens. Sinon, où sont la couleur (réservée aux éclairages et aux projections), la poésie, le mystère, l’exotisme ? Un seul accessoire, qui prête à sourire, voire à s’esclaffer : une monumentale épée (de bois) est confiée à Zurga pour traduire son autorité de chef de la communauté des pêcheurs. Cette Durandal n’est pas plus incongrue que les cravates que portent Nadir et Zurga, ou que les talons de Leïla. Les chœurs sont en Qamis pakistanais (pantalon, tunique et pakol), et les femmes en blanc écru, pour donner un vague air oriental (démenti par les vidéos). Les éclairages, scolaires, ne participent pas davantage à créer les climats singuliers de la partition. La direction d’acteur est proprement insignifiante, la gestique sent toujours l’artifice, le cliché, voire la concession à la mode (les ébats appuyés de Leïla et Nadir, puis avec Zurga). La caractérisation est superficielle, inaboutie. Bref, on n’y croit pratiquement jamais, quelle que soit la qualité expressive du chant. Ici, Ceylan, c’est laid. Une version de concert, éventuellement mise en espace, aurait eu l’avantage de ne pas dénaturer le sujet, et de préserver sa part de mystère, de poésie et de passion de ces Pêcheurs de perles. Sans qu’il eut davantage de moyens, souvenons-nous de la réalisation que nous offrait Bernard Pisani (« Pour Alexandre le Grand »).

C’est d’autant plus déplorable que les interprètes, en scène comme en fosse, ne méritent pas un tel traitement. L’orchestre, attaché à Opéra éclaté, surprend par son professionnalisme et ses qualités indéniables : Clarté, cohésion, précision, soli instrumentaux remarquables, force comme couleurs chambristes. La direction de Gaspard Brécourt, toujours attentive et engagée, ne pêche que par une balance parfois défavorable au chant, particulièrement au premier acte. La force expressive du finale du 2ème acte est un beau moment. Depuis 1965, les infidélités posthumes aux Pêcheurs de perles sont bien connues. Alors pourquoi répéter encore les coupures, transformations, substitutions de Carvalho, reprises sans scrupules par les éditeurs ? Pourquoi n’avoir pas profité de l’occasion pour réintroduire « Amitié sainte » dans le premier duo entre Nadir et Zurga ? Pourquoi ne pas reprendre le chœur dansé original, avec l’air de Nadir en son milieu ? Pourquoi imposer ce déplorable trio (qui n’est pas de Bizet) avant la scène finale ? Les chœurs, 22 chanteurs, n’appellent que des éloges. Puissants, articulés, sans jamais le moindre décalage, aux couleurs séduisantes, ce serait un constant bonheur si la mise en scène ne les confinait pas dans un rôle purement décoratif, statique, qui contredit l’esprit de l’ouvrage. A ce propos, le caractère « dansé » du chœur féroce du dernier acte n’est traduit que par la vidéo.

De la distribution, dont aucun chanteur ne démérite, retenons déjà le Nourabad de Jean-Loup Pagésy. La voix est idéale, impressionnante, sonore, noble et libre, d’une intelligibilité constante, le timbre au métal policé. La langue s’inscrit dans la plus pure tradition du chant français, le legato toujours contrôlé. Que ne l’entend-on plus souvent ? Le jeu de Leïla, chantée par Serenad Burcu Uyar, manque de mystère, de fraîcheur, d’élégance. Par contre la voix est superbe, ample, lyrique à souhait, virtuose, avec un aigu mezza-voce doré, ductile et facile. Les colorature du premier acte sont impeccables. Le medium, corsé, surprend, dont les tenues sont assorties d’un vibrato parfois dérangeant. La couleur, idéale dans le registre aigu, est par trop charnue, pour une jeune fille vouée au culte de Brahma. Bien sûr, « Comme autrefois, dans la nuit sombre » suscitera des applaudissements nourris. Mark Van Arsdale, jeune ténor américain, dont la réputation commence à prendre racine en France, nous vaut un beau Nadir. Rien dans sa langue ne trahit son origine. Sa romance est tout-à-fait honnête, d’une belle ligne, servie par un orchestre attentif. «De mon amie, fleur endormie » avec le hautbois, est particulièrement réussi. Son duo avec Leïla « Ton cœur n’a pas compris le mien » est un des moments où on oublie l’image imposée pour la qualité expressive du chant. Le Zurga de Paul Jadach, puissant, bien timbré, serait considéré comme bon, voire excellent dans des pays non-francophones. Malheureusement, même en connaissant le livret, il faut surveiller le sur-titrage pour comprendre nombre de ses interventions. C’est dans son air qui ouvre le 3ème acte (« L’orage s’est calmé ») et dans le duo qui suit qu’il se montre vocalement et dramatiquement le meilleur, malgré les ébats imposés par la mise en scène.

Cette production d’Opéra Eclaté (Olivier Desbordes), musicalement achevée, créée à Pforzheim en février, donnée il y a quarante-huit heures à Saint-Céré, se posera à la rentrée à Clermont-Ferrand.

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1. Opéra d’Avignon, samedi 4 mai, 14h – 19h.

Répétition de mise en scène de L’Elisir d’Amore avec les solistes et le Chœur de l’Opéra (par groupe de 20 personnes). Échanges avec Fanny Gioria, la metteuse en scène.

2. Opéra national de Bordeaux, samedi 4 mai, 11h – 12h.

Racontez-moi en musique le Ring de Wagner. Conférence musicale avec la participation de Paul Daniel, directeur musical de l’ONBA, au piano, et de Laurent Croizier, dramaturge. Cette immersion sonore et visuelle dans l’un des chefs d’œuvre de l’art lyrique accompagne les représentations de La Walkyrie à l’affiche à l’Auditorium de Bordeaux du 17 au 23 mai.

3. Théâtre impérial de Compiègne, samedi 4 mai, 14h – 18h.

« Sur les traces de la fougueuse Carmen » promet « une visite atypide, truffée d’énigmes à résoudre, pour sauver Carmen de la mort, tout en pacourant le Théâtre imprial et ses espaes emblématiques de manière ludique ». La Tragédie de Carmen, de Peter Brook et Marius Constant, d’après Bizet, y sera donné les 17 et 19 mai. A noter, Carmen est également au centre des animations proposées à Dijon et à Metz.

4. Opera Fuoco, vendredi 3 mai, 14h – 17h

Dans la Salle Ravel de Levallois-Perret, la compagnie lyrique créée par le chef David Stern présente en création française le dernier opéra d’Erich Wolfgang Korngold, Die Stumme Serenade, « véritable film noir des années 1930 mis en opéra »

5. Opéra Orchestre national Montpellier Occitanie, Samedi 4 mai, de 21h à 2h du matin

Des parties commmunes jusqu’aux coulisses, l’Opéra Comédie de Montpellier ouvre ses portes pour une Spring Party avec des activités pour tous (sur réservation uniquement).

6. Opéra national de Paris, Palais Garnier, Rotonde du Glacier, samedi 4 mai 10h-12h30 et 13h30-16h30.

Ah si j’étais Violetta. Costumez-vous et repartez avec une photo souvenir.

7. Opéra de Saint-Etienne, dimanche 5 mai, 10h – 15h

Avant d’assister à une représentation de Cendrillon de Nicolas Isouard (au tarif spécial Tous à l’Opéra !), vous pourrez visiter la scène et les coulisses de l’Opéra, découvrir l’atelier où se fabriquent les costumes (et en essayer), vous essayez au chat lyrique avec un artiste du Chœur.

8. Opéra national du Rhin, vendredi 3 mai, 22h – 1h 30 et dimanche 5 mai, 9h -12h30

A l’Opéra de Strasbourg, un Escape Game de jour ou de nuit, pour explorer un « lieu emblématique, habité de légende et d’histoire(s) ». En parallèle, une exposition de costumes autour de « La Petite Robe Noire »

9. Opéra de Tours, samedi 4 mai, 15h-15h30, 15h30-16h et 16h-16h30.

Atelier de chant choral animé par Sandrine Abello, chef du Chœur de l’Opéra de Tours

10. Opéra de Vichy, Salon Chabrier, 14h-16h.

Atelier de création d’accessoires autour du Songe d’une nuit d’été par le Centre national du costume de scène

* L’intégralité du programme de Tous à l’opéra ! peut être consultée sur tous-a-lopera.fr

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