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Mais le public est venu en nombre et il comprend, dès le début du concerto, sous la direction attentive de Steuart Bedford, qu’il va vivre un moment exceptionnel. Quelle musique, et quel soliste ! Le jeune violoniste Nemanja Radulovic (il a 26 ans) attaque la sublime phrase qui ouvre l’œuvre de Barber avec un lyrisme et une rage de vivre saisissants. Et la nostalgie poignante avec laquelle il répond au bouleversant lamento du hautbois solo (Olivier Doise) n’est que le prélude à l’incendie qu’il allume dans le feu d’artifice du presto final, hymne échevelé à la vie envers et contre tout, qui exige du soliste une virtuosité à toute épreuve. L’une des plus belles interprétations de ce concerto qu’il nous ait été donné d’entendre. La salle est comme suspendue, avant de clamer son émotion et d’ovationner l’artiste qui, avec la complicité de plusieurs chefs de pupitres, nous gratifie du thème si justement choisi de La Liste de Schindler d’Itzahk Perlman et d’un 3e Caprice de Paganini, ébouriffé, qui met la salle en délire.

Après l’entracte, on attend avec impatience A Child of our Time, un oratorio monumental rarement interprété, composé par Michael Tippett, en hommage à un jeune résistant juif dont l’action fut le prétexte à la Nuit de Cristal. Dans les années 80, l’œuvre était encore synonyme de musique contemporaine complexe mais accessible à un large public, grâce aux negro-spirituals que Tippett a arrangés et orchestrés et qui terminent chaque partie comme les chorals de Bach dans les Passions. Qu’en est-il aujourd’hui ? Dans l’ensemble, l’œuvre a gardé toute sa vigueur, malgré la complexité et l’enchevêtrement de certains épisodes orchestraux où le propos se délaye et où on perd le fil. En cet écheveau, les negro-spirituals sonnent alors comme une action de grâce et la musique de Tippett s’épure. Le superbe humanisme qui s’en dégage est chanté de manière bouleversante par le chœur de Radio France. En ce sens A Child of our Time reste le chef d’œuvre du compositeur anglais, avec, sans doute, son King Priam qu’Antoine Bourseiller avait fait triompher à l’Opéra de Nancy en 1988. Il a composé, par la suite, des œuvres infiniment plus compliquées et hermétiques, comme l’opéra The Knot Garden, où musique « savante » rime hélas avec ennui.

Dans son oratorio, Tippett fait la part belle aux chanteurs, tout en ne leur facilitant pas la tâche : orchestre énorme, tessitures redoutables pour la soprano et le ténor, qui requièrent des voix larges et aiguës. Le quatuor vocal réuni pour l’occasion relève fièrement le défi: la basse Jonathan Lemalu, la mezzo Nora Gubisch dont le timbre et la personnalité font merveille dans cette musique, Kim Begley, ténor dramatique aux aigus éclatants et Indra Thomas, soprano lumineux dont la voix s’épanouit jusque dans la tessiture la plus tendue. Une soirée rare à marquer d’une pierre blanche.

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Au centre une belle héroïne sur qui vont s’accumuler les épreuves. Pauvre, pieuse et virginale, elle est tour à tour menacée par la concupiscence d’un aristocrate libertin, contrainte à quitter son monde et les siens, obligée de rabrouer l’ardeur de celui qu’elle aime mais auquel le sacrement de mariage ne l’a pas unie, victime d’apparences qui la font méconnaître puis maudire par son père, enfin lâchement trahie par le bien-aimé. Il y a bien de quoi devenir folle ! C’est dans le cadre naturel de ses Alpes natales que les vicissitudes de l’innocente trouveront, Dieu aidant, leur heureuse conclusion. Si l’on ajoute que la cohérence reste lâche à cause des artifices – les revirements de l’invisible mère de Carlo et du marquis sont aussi mystérieux qu’improbables – et des obscurités – pourquoi Linda aurait-elle gagné sa vie à Paris en chantant dans les rues ? – sans oublier l’inconsistance du personnage de Carlo, il n’est pas étonnant que l’œuvre soit rarement représentée.

Or la partition vaut largement mieux que le livret ; entre réminiscences de Lucia et anticipations de Don Pasquale, elle aligne airs pour soprano, ténor et mezzo soprano virtuoses, duos pour voix d’hommes et ensembles des plus intéressants. On ne pouvait donc que se réjouir du courage de l’opéra de Toulon, qui fait entrer l’œuvre à son répertoire.

Première déconvenue, la défection de trois des principaux interprètes prévus, aux noms prometteurs,  n’est que partiellement palliée par la qualité des remplaçants. Luigi De Donato (Le Préfet) chante avec goût et exprime justement la bienveillance du prêtre, mais par instants sa voix profonde semble atteindre ses limites. L’émission de Giorgio Casciarri (Carlo), qui ressemble étonnamment à Giuseppe Sabbatini, manque de fluidité et le registre aigu sonne plus tendu que charmeur. Majella Cullagh, qui déjà chanté Linda à Bergame, est dans un bon jour ; la voix s’est agréablement étoffée, les requis techniques sont suffisants et l’incarnation digne de respect sinon électrisante. De la distribution annoncée Stella Gregorian impressionne : de sa voix souple et ambrée elle donne vie au délicat Pierotto, l’adolescent qui veille comme il peut sur Linda. Marcello Lippi ne démérite pas non plus, vocalement, même si son Marquis de Boisfleury manque de relief – le rôle est vraiment ingrat, il faut être odieux et rester sympathique, voire comique. Restent deux chanteurs dont la participation plombe l’ensemble. La voix d’Isabelle Vernet, dans le rôle de Maddalena, semble se dérober à son contrôle et à ses intentions au cours du premier acte. Heureusement, le rôle est succinct. En revanche, celui d’Antonio ne l’est pas ; Roberto Servile nous inflige une émission boueuse, engorgée en permanence, accompagnée d’attitudes scéniques qui semblent inspirées des outrances expressives du cinéma muet.

L’homogénéité, c’est à l’orchestre qu’on la trouve ; Steuart Bedford renouvelle avec les musiciens le partenariat réussi deux ans plus tôt dans Britten : la cohésion, l’expressivité, l’équilibre avec le plateau… Il s’agit là vraiment une réussite globale, de détail et d’ensemble, où les climats successifs sont rendus avec justesse et subtilité. Seul un décalage des chœurs au troisième acte révèle une mise au point peut-être inachevée.

Il faut dire que l’ouvrage est présenté dans une mise en espace, ce qui permet d’éviter l’investissement lourd d’une production scénique complète mais entraîne un temps de préparation réduit. Jean-Philippe Delavault choisit, par une vue des Alpes aux actes I et III et par un espace sobrement meublé à l’acte II, de représenter les lieux de l’action. Les protagonistes sont définis par des costumes que les lumières de Marc-Antoine Vellutini contribuent à mettre en valeur. Ainsi n’est- on pas loin d’une mise en scène et la découverte de l’œuvre en est facilitée. Le public réagit, du reste, et la représentation est ponctuée d’applaudissements.

Pourtant cette rareté n’a pas fait le plein. Pourquoi ? Dans la même salle, Semiramide en version de concert avait attiré les foules, avec il est vrai des têtes d’affiche renommées. On se perd en hypothèses, en redoutant que le demi-succès de ces représentations ne sonne le glas de la programmation ambitieuse qui donne tout son sel aux saisons de l’Opéra de Toulon.

Maurice Salles

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Le décor représente la forêt, vestige de la nature primordiale. Les humains vivent à sa lisière ; les aristocrates s’y adonnent à des jeux de société réglés comme des rites, et la plèbe à des passe-temps destinés à briller aux yeux des premiers. S’ils s’aventurent dans la forêt les humains se trouvent sans le savoir à la merci des puissances invisibles qui y résident et les observent, peuple innombrable et bariolé des fées – aux costumes extravagants – soumis à un roi et une reine aux relations tumultueuses car l’un comme l’autre n’ont d’autre loi que leur désir. Comme les humains, du reste, mais ils s’en accommodent beaucoup mieux. Obéron, s’il pousse Titania à l’erreur, n’en fait pas pour autant une faute. Mais Obéron est un bon génie, et seules les bévues de son factotum retarderont le dénouement où « tout est bien qui finit bien ».

Nous ne reviendrons pas sur l’ingéniosité de l’adaptation dramatique conçue par Britten et Pears de la comédie de Shakespeare ; on sait que le résultat de leur travail a fourni matière à Britten pour un langage musical d’une invention inépuisable, toujours en phase avec les situations, les personnages. On va de trouvailles sonores en réminiscences, parodiques ou non, d’une veine mélodique grisante ou savoureuse jusqu’aux tensions et grincements malicieux qui font de l’orchestration une suite incessante de délices. Les musiciens suivent sans faillir la direction vibrante et précise d’un chef qui adhère si intimement à l’œuvre qu’elle semble émaner de lui. Equilibres parfaits, subtilité, raffinement, c’est de la bien grande musique que Stuart Bedford a fait entendre à Toulon.

Un seul point noir, ou plutôt gris, le choix pour les parties chorales de l’effectif maison quand les voix d’une maîtrise auraient eu la fraîcheur et les couleurs désirables. A cela près, le plateau était très honorable. Côté couples, Rachid Ben Abdeslam est un Obéron bien chantant malgré une voix plutôt monochrome et Maïra Kerey, Titania efficace et désinvolte, fait bonne figure dans les agilités qui lui sont dévolues. Le ténor Jonathan Boyd et le baryton Jean-Sébastien Bou jouent à plein le jeu des rivaux amoureux , tout comme la mezzo Delphine Galou et la soprano Marjorie Muray, survoltées dans la dispute qui les oppose, sans rien sacrifier de la beauté, de la clarté et de l’expressivité du chant. Plus en retrait le dernier couple, Theseus et Hippolyta, malgré une belle tenue scénique, elle sacrifiée par la partition, lui à cause d’une voix rogue.

Le groupe des artisans n’appelle que des éloges, mais les plus favorisés par leurs rôles sont évidemment Iain Paterson, Bottom tout à la fois bonhomme et plein de son sujet et François Piolino, qui fait de Flûte incarnant Thisbé à la Isadora Duncan un hybride d’Yvette Chauviré mâtiné de Robert Hirsch. Une performance ! Sa prestation, comme celle de ses partenaires, fait rêver de ce qu’ils donneraient dans des opérettes de Gilbert et Sullivan. Enfin Scott Emerson dans le rôle de Puck le gaffeur se révèle comédien convaincant.

L’œuvre se termine, on le sait, par une fête ; elle était aussi dans la salle, dans la joie du public qui a longuement remercié les artistes, chaudement ovationnés. Une fois encore, les absents auront eu tort !

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