L’essentiel de l’agenda est à découvrir ci-dessous, plus d’informations sur le site de l’Athénée.

• 24 novembre : Deepa Johnny & Alphonse Cemin. Œuvres de Monteverdi, Ravel, García Lorca.
• 22 décembre : Christmas concert : Neima Naouri, Pablo Campos, Damien Pass & Alphonse Cemin.
• 12 janvier : Kunal Lahiry & Jarrett Ott. Œuvres de Ravel, Copland, Schubert et de compositeurs contemporains américains (Adolphus Hailstork, Trevor Weston, Jasmine Barns, Curtis Stewart…).
• 26 janvier : Soirée Satie : Julie Fuchs, Félicien Brut, Alexis Cardenas, Davide Vittone & Alphonse Cemin.
• 16 février : Les Sept Péchés capitaux – cabaret : Axelle Fanyo, Fleur Barron & Julius Drake. Œuvres de Kurt Weill, Poulenc, Gershwin et Cole Porter.
• 23 février : Lawrence Power & Âme : Reflections. Œuvres de Bach, Benjamin, Pärt, Saariaho, Berlioz.
• 16 mars : Alice Coote & Julius Drake.
• 23 mars : Contes : Sandrine Piau & David Kadouch. Œuvres de Ravel, Poulenc, Bernard, Wolf.
• 20 avril : Huw Montague Rendall & Helio Vida. Œuvres de Poulenc, Fauré, Schönberg, Mahler.
• 18 mai : Paris est une fête : Laurence Kilsby & Ella O’Neill. Œuvres de Poulenc, Nadia Boulanger, Ned Rorem, Hahn, Honegger, Noël Coward.

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A moins qu’il ne constitue la première pierre d’une improbable intégrale, on comprend mal le choix effectué par les interprètes : le cycle, écrit au tout début de son œuvre, resté à l’état de manuscrit (3) n’est pas l’opus 1 de Schubert. Le sujet – les amours contrariées de Johannes et Esther, un chrétien et une juive – est tiré du recueil de Wilhelm Müller, publié en 1821, où fut puisée la matière de die Schöne Müllerin, et de Winterreise (4).

Impossible évidemment d’écouter cette musique sans avoir Schubert dans l’oreille, surtout servie par deux interprètes de cette envergure. Elle s’écoute avec bonheur : c’est sincère, juste de ton, d’un métier sûr, le sens mélodique est indéniable et la partie piano de qualité. On est cependant plus proche de l’écriture de Zumsteg ou Zelter, dans l’air du temps, que de celle de Schubert. Une certaine joliesse, se traduisant dans les formules mélodiques et l’ornementation, participe à la séduction. Il ne faut pas trop y chercher la profondeur ni le dramatisme, le souffle de l’inspiration est court. Aussi, remercions Ian Bostridge, dont les qualités ne sont plus à redire, et à son pianiste d’élection, Julius Drake, de participer à la redécouverte de ce compositeur.  Tous deux s’y montrent sous leur meilleur jour, exemplaires d’expression et de conduite de leurs lignes. Celle de la voix est un modèle de souplesse, de longueur et d’intelligibilité. L’intelligence des textes est manifeste.

Cette découverte attise notre curiosité : le métier de Fröhlich l’a conduit à approfondir sa démarche et on aimerait en avoir d’autres témoignages, postérieurs, qui ne devraient pas tarder, une fondation suisse ayant pris en charge l’édition moderne de son œuvre.

Le CD est accompagné d’une plaquette comportant les textes chantés, en allemand, sans traduction, ce qui en limite l’accès aux seuls germanistes, malheureusement.

(1) Outre Wilhelm Müller, il choisit Novalis, Goethe, Rückert, Kerner, Chamisso, Uhland, Hölderlin, Fallersleben, Tieck, Kerner, Wackernagel... ce qui traduit bien sa curiosité et sa culture (il était quadrilingue). 
(2) Un remarquable enregistrement de lieder, centrés sur le thème de la maison [« Heimat »] a été publié en 2023 par le label Claves, chanté par Raphael Höhn, accompagné au pianoforte par Shin Hwang. La maturité du chant y est d’une rare séduction.
(3) Alors que dix recueils de lieder furent édités de son vivant, principalement à Berlin. Le premier, publié à Berlin, toujours sur des poèmes de Wilhelm Müller, intitulé Wanderlieder, le fut en 1828, deux ans après celui que nous écoutons. 
(4) Sans oublier Brahms (Vineta, opus 42 et Die Braut, de l’opus 44).

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Alors, était-ce un soir de méforme, ou déjà un signe du temps qui passe sur la voix après presque trente ans de carrière, toujours est-il que ce que nous avons entendu hier n’était plus en mesure de faire oublier tout le reste : le visage torturé de grimaces et de rictus du chanteur, comme s’il subissait Dieu sait quelle souffrance épouvantable, le corps comme secoué de spasmes, les mains nouées, le balancement d’un pied sur l’autre sans jamais trouver de position d’équilibre, un incessant remue-ménage à l’opposé de ce qu’on pourrait attendre – dans Schubert du moins – de simplicité et de sérénité et qui détourne tant l’attention qu’on finit par décider de fermer les yeux.

La voix elle aussi, a un peu de mal à trouver son équilibre : les aigus sont un peu moins souples, moins gouleyants que par le passé, la couleur des voyelles est souvent altérée, avec des A très assombris, et des I pointus comme des flèches. Les qualités qu’on lui connaît depuis toujours sont bien présentes cependant : richesse des couleurs, soin apporté aux détails, diction très claire, sens du texte et parfaite connaissance du romantisme allemand.

Et lorsqu’on ferme effectivement les yeux, ainsi débarrassé des mimiques du chanteur et de son encombrant manège, ce qu’on entend le mieux, et c’est un pur délice, c‘est le pianiste. Julius Drake, partenaire de Bostridge depuis de très nombreuses années, apporte par sa réconfortante présence, sa régularité, son sens de la phrase et sa vision toujours inspirée du texte, le climat musical et poétique qu’il faut ; si l’un n’est que charge, caricature et exagération, l’autre n’est que rondeur, mesure et poésie.

Balançant ainsi entre émerveillement et agacement, l’auditeur fait son miel de quelques moments choisis, un magnifique Lob der Tränen où le pianiste développe des merveilles de poésie, un délicieux Wiegenlied, également superbement accompagné, Die Sterne, grand moment de poésie, un exceptionnel Strophe aus « Die Götter Griechenlands », au prix de quelques autres moments très contestables, Rastlose Liebe rempli de pitreries qui cachent mal une certaine faiblesse vocale, Versunken attaqué avec violence et beaucoup trop rapidement, jusqu’au An dem Mond final où le chanteur, complètement déconcentré butte sur un mot – ça arrive – ne parvient pas à se reprendre, se prend la tête entre les mains dans un geste de désespoir. Imperturbable et souriant, Julius Drake sans s’interrompre rejoue l’introduction et le chanteur reprend, mais la magie, elle, a disparu pour de bon.

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Les Schubert modérément connus avec lesquels elle entre en matière (et se chauffe la voix) laissent d’emblée apparaître ce matériau lumineux et robuste, notamment dans Ins stille Land, dont les longues phrases nostalgiques sont ouvragées avec une délicatesse infinie. L’on comprend que la chanteuse ait voulu rompre un peu l’ambiance romantique allemande avec du jeune Schönberg, plus extérieurs et plus spontanément dramatiques : en définitive, ce qui lui réussit véritablement le mieux, c’est Waldsonne, de facture et d’esprit tout à fait romantiques 

La brassée de Liszt est sans doute la plus belle partie du récital. La difficulté même des Lieder, cette tessiture haute, attestent un art souvent confondant, tant la chanteuse déjoue la technique par le soin de l’expression. Les quatre mélodies françaises sont peut-être le sommet ;  elles sollicitent cette mi-voix et cette ligne haute dont Julia Kleiter dispense le sortilège, dans un français parfait d’accent et de legato. Toutes qualités qui la désignent pour Mélisande. Julius Drake est le partenaire serein et inspiré d’une chanteuse désormais très haut dans la galaxie du Lied. 

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Plusieurs écoutes de ce Paradis perdu confirment un double malaise. L’impression d’abord que, quelle que soit la langue, tout sonne pareil, consonnes absentes, voyelles pâteuses : Ravel (qui ouvre le disque), Bernstein qui le suit, même Wolf un peu plus loin (dans la langue maternelle de la chanteuse pourtant), on ne comprend pas un traître mot sans le secours du livret ! Défaut malheureusement commun à nombre de consoeurs de Mlle Prohaska. Où êtes-vous Régine Crespin, Felicity Lott, Susan Graham ?

Un défaut qui serait vite oublié si les couleurs de la voix, l’engagement de l’interprète y suppléaient. Mais Crumb, Rachmaninov, Debussy, Mahler, Schubert et quasiment tous les autres semblent passés au même tamis interprétatif. La monotonie nous gagne, à peine troublée par quelques stridences. Dommage pour une chanteuse qui a eu le courage de se confronter à l’épreuve du récital et mention pour Julius Drake qui fait mieux qu’accompagner !

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Mais ce récital fut pour le soliste prétexte à entraîner le mélomane dans un voyage à l’hiver plus âpre, où la violence des sentiments et la dureté des ressentiments, n’avaient jamais auparavant été exprimées avec une telle acuité voire une telle cruauté. Bostridge accuse judicieusement le trait tant il paraît dans ss déplacements, sans cesse lutter contre des éléments hostiles, déchaînés.

La projection franche et réfléchie, toujours posée avec précision, ainsi que l’émission claire et haute dotent son chant de capacités expressives magnétiques. La justesse du phrasé s’accompagne d’une suavité ineffable sur le « Will dich im Traum nicht stören » d’un « Gute Nacht » d’une bouleversante humanité. Si Bostridge revendique une émotion à fleur de mots, il en fait néanmoins un usage maîtrisé au seul service de la mélodie qui reste l’essence même de l’œuvre. Mais dès l’introduction on sent déjà que le vent tourne : qu’il tourne la page des conventions pour faire souffler la morsure d’un vent plus clivant stylistiquement, plus tranchant : plus proche d’une véhémence expressionniste que des frémissements romantiques.

© Yann Cabello

« Die Wetterfahne » devient ainsi une complexe alchimie de hardiesses timbriques et de révolte aux accents prométhéens. Bostridge ne recule pas : il insuffle une rage qui transfigure ce qui aujourd’hui nous apparait d’une piètre valeur littéraire en un cri de désespoir et de colère. Il nous confirme que l’expression de la trahison est bien un sentiment universel qui transcende époques et cultures. D’une intonation menaçante il balaye toute ambigüité sulpicienne dans un « Gefrome Tränen » halluciné, d’une violence effrayante allant chercher des graves crépusculaires sur « Ei Tränen, meine Tränen » d’un expressionnisme presque insupportable. Coloration visionnaire qu’il instille également avec un « Erstarrung » secoué de sarcasmes et de fièvre protestataire. Fureur destructrice qu’il libère sans retenue dans « Ich endelemich nicht » le final de l’avant-dernière strophe de « Der Lindenbaum » avant de conclure sur une note d’une mélancolie éthérée.

Bostridge nous guide dans un Winterreise moins sur le mode de l’affliction victimaire, de la déploration flagellante, qu’il n’est plus ouvertement inspiré par un sentiment de révolte, un refus de la destiné qui l’accable. Il s’agit donc dans ce voyage initiatique, d’aller à la rencontre de lui-même. Chaque épisode, chaque station de ce chemin de croix, est mue par un balancement entre passion et intense mélancolie à l’image de cet insaisissable « Irrlicht ». Un vague à l’homme qui ne saurait se résoudre au fatalisme comme s’il se nourrissait de son propre désespoir. Pas plus de complaisance morbide dans cet art sévèrement contrôlé du rubato. Il nous fait les témoins d’une inexorable fuite en avant traversée d’instants de grâce du « Frühlingstraum ». Paradoxalement la puissance d’évocation convoquée par le chant hyper cultivé de ce ténor sensible est trop lucide pour se satisfaire d’un désespoir récurent. Ainsi « Die Post » qui ne devrait être que désenchantement devient un chant d’orgueil. Bostridge porte la rébellion du Matin d’orage (« Der stürmische Morgen ») à son point d’incandescence sans ne rien renier des climats changeants de ce cycle aux éclats fragiles comme un cristal qui semble s’éteindre sur les murmures de « Der Wegweiser ».

Ce Winterreise est aussi et surtout un dialogue au sommet avec Julius Drake, pianiste hors normes. Un jeu pur, dépouillé lui permet un toucher d’une plénitude franche et impressionnante d’autorité exempte de toute sècheresse.

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Les lieder et chansons choisis pour cet enregistrement ont occupé une période assez vaste de la vie du compositeur – de 1842 à 1880, quoique composés par intermittence. Et malgré cet empan diachronique large, l’écoute de l’album donne le sentiment d’une incroyable unité, comme s’il s’agissait du début à la fin d’un seul et même lied sujet à quelques variations – de ton, d’humeur, de registre. Plus surprenant encore, en regard de l’œuvre très virtuose de Liszt, est le dépouillement, l’intériorité calme et profonde de ses lieder tardifs. Trois ou quatre notes suffisent parfois, itératives, hantées et entêtantes, avec une succession de noires pour seul rythme, et la voix, perdue dans le silence quand l’accompagnement se tait (« Des Tages laute Stimmen schweigen », « Verlassen » ou encore « Einst ») ou achève un accord suspendu. « Ver nie sein », superbe, très sombre, a déjà quelque chose de straussien quand « Die Loreley » ou « Mignons Lied » tranchent dans la cérébralité par un romantisme solaire et candide.

Succédant au baryton Gerald Finley, interprète du troisième volume de cette collection, la mezzo-soprano Sasha Cooke ne manque pas d’atouts. La voix est belle, légèrement voilée, ce qui lui confère un charme certain. Son medium est généreux, sonnant, et les aigus du haut-medium demeurent riches et pleins. La phrase est conduite, avec un beau legato et une tendance à détimbrer quelquefois, qui n’est pas désagréable ou hors de propos. Mais la nuance manque encore : si simple soit le lied lisztien, beaucoup de choses sont écrites, et le spectre des nuances pourrait être affiné pour donner plus de vie encore à la partition. Un tic enfin, le portando, cette figure de style musicale que la mezzo-soprano dissémine un peu partout, donnant un tour sensuel à la poésie des mots, pas toujours justifié, loin s’en faut. Ainsi « Mignons Lied » prend des accents de cabaret que l’on devine assez éloignés de l’intention du compositeur. Mais l’on apprécie la verve insolente qui habite Sasha Cooke dans son interprétation de « Il m’aimait tant ! », malgré un français encore perfectible. A noter enfin le don assez rare avec lequel le pianiste Julius Drake sait dialoguer avec la cantatrice jusque dans les silences expressifs de la partition.

Note explicative en français mais traduction des textes en anglais uniquement.

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Irini Kyriakidou, aussi gracieuse qu’à Paris, a peut-être fait des progrès dans sa prononciation du français car elle nous a semblé fort convenable et même, globalement, supérieure à son partenaire. Le problème, s’il y en a un, est que des pièces aussi célèbres que celles des Nuits d’été éveillent, quoi qu’on s’en défende, des souvenirs. L’interprétation de la jeune soprano grecque est sensible, juste, et la voix assez ronde et homogène pour séduire. Qu’a-t-il manqué pour nous emballer ? Peut-être un timbre plus prenant, peut-être de laisser brûler la flamme intérieure que la pudeur semble étouffer. Gautier eût vraisemblablement adoré cette beauté lisse, mais ne devrait-elle pas palpiter davantage, pour séduire Berlioz ?

Après l’entracte Bryan Hymel enchaîne une erreur et une réussite. Une erreur : ce « Ah lève-toi soleil » plombé par une prononciation et une interprétation d’une lourdeur qui lui ôte beaucoup de charme. Certes, les aigus sont au rendez-vous, encore que l’émission en voix mixte ne soit pas impeccable, mais les chanteurs ne sont pas des machines, et c’est la lumière qui fait défaut pour nous, malgré la conviction. En revanche, l’air de Turridu « Mamma, quel vino è generoso » lui va comme un gant, la clarté de sa diction est quasiment parfaite. Quant à la générosité sonore elle est telle qu’elle soulève l’enthousiasme, qui ne se déchaîne pourtant, c’est assez rare pour qu’on le souligne, qu’éteintes les dernières notes du piano. Irina Kyriakidou est de retour pour l’hymne à la lune tiré de Rusalka, où l’accompagnement de Julius Drake nous semble enfin s’élever au-dessus de la routine. Le même charme est à l’œuvre, avec les mêmes limites qui semblent empêcher un essor plus libre et plus déterminé. De Carmen le duo « Parle-moi de ma mère » permet au couple d’échanger le baiser que Micaela doit à Don José. Il est chaste, assorti à la situation, bien éloigné de certaines démonstrations. Le partenariat fonctionne bien car Bryan Hymel dompte sa puissance vocale pour laisser son espace au gazouillis de son épouse. Il lui revient de conclure avec « La fleur que tu m’avais jetée », qu’il nuance avec soin, et qu’il clôt avec une messa di voce d’un irréprochable bon goût.

Au public qui, les morceaux connus aidant, a manifesté une approbation toujours plus dense et sonore trois bis seront accordés. Un délicieux « O mio babbino caro » par Irina Kyriakidou, entre deux chevaux de bataille pour ténor. Repris de l’album « Héroïques » l’air de Jean-Baptiste dans Hérodiade « Ne pouvant réprimer… » rend au ténor son aura de grand interprète du grand opéra français, tant il y met de sens et d’éclat. Et le « Nessun dorma » conclu triomphalement délivre Irina Kyriakidou, blottie en bord de scène, de son émotion en même temps que les ovations du public dont les rappels dureraient peut-être encore si le ténor, en saluant de la main, n’y avait mis un terme. Reverra-t-on Bryan Hymel à Peralada dans un grand opéra français ? Il n’est personne ici pour ne pas le souhaiter !

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En seconde partie de programme, les musiciens présentent une série de lieder plutôt sombres de Schubert, subtilement choisis dans le registre médium, alternant les pages les plus connues avec quelques découvertes, qu’ils rendent avec une grande délicatesse de ton et toujours autant de soin dans la réalisation, pour le plus grand plaisir du public.

Comme libérés, enfin complètement détendus, ils termineront par un unique bis au terme d’un récital très homogène, « Ständchen », extrait du Schwanengesang de Schubert.

L’article Récital Christophe Prégardien, Julius Drake — Bruxelles (La Monnaie) est apparu en premier sur Forum Opéra.

Amoureux transi de la poésie romantique allemande, admirateur de l’illustre Dietrich Fischer-Dieskau, Ian Bostridge est passé maître dans l’interprétation du lied auquel cette collection Autograph consacre au moins deux disques. Si l’on a tendance à préférer le Winterreise de Schubert et les Dichterliebe de Schumann en voix de baryton, il se révèle toujours chez le ténor une intelligence fulgurante du texte et du contexte qui nous saisit dans l’instant. Sur ses lèvres, l’allemand est incisif, élégant même, et les poèmes se déclament et se murmurent tour à tour comme des contes : l’histoire d’Erlkönig qui ouvre le premier disque n’effraie pas tant par la profondeur de la tessiture que par l’écrasante fatalité du discours du Roi des aulnes. Et dans cet engagement prodigieux, Ian Bostridge emmène avec lui des accompagnateurs hors pairs tels que Antonio Pappano, Julius Drake ou encore Leiv Ove Andsnes, avec qui se noue un dialogue d’une fluidité confondante. 

N’était l’éclectisme présenté par ce coffret, on aurait pu penser que Ian Bostridge était sur une niche. Son activité artistique récente, presque exclusivement tournée vers des récitals de lieder et la publication de livres nous faisait presque oublier l’existence d’un répertoire d’une grande diversité d’époques et de styles. Quoiqu’extrêmement consciencieux et exigeant dans ses choix, deux disques consacrés aux répertoires baroque et classique nous permettent d’apprécier la distinction et la virtuosité technique de son chant lunaire, en particulier dans « Dopo notte, atra e funesta » extrait d’Ariodante de Handel, malgré une tessiture certes un peu grave. Mais Ian Bostridge sait quitter la préciosité et le plaisir délicat lorsqu’il embrasse le répertoire contemporain. Sa maîtrise et son impudeur salutaire font de lui un grand interprète de Britten et de Adès, qui composa pour lui le rôle de Caliban dans son opéra The Tempest, adapté de la pièce de Shakespeare, et poussant parfois la voix du ténor dans ses retranchements. 

Mais lui qui affectionne tant les correspondances entre littérature et musique, que n’a-t-il chanté et enregistré de la musique française, qui seule fait défaut dans ce magnifique paysage ? L’interview-portrait du ténor anglais ne répond pas à cette interrogation. Elle n’en constitue pas moins une promenade passionnante autour des œuvres marquantes de son répertoire et des grands textes littéraires desquels elles ont émergé.

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