Séville - Ville - Forum Opéra https://www.forumopera.com/ville/seville/ Le magazine en ligne de l'opéra Sat, 15 Aug 2026 08:09:19 +0000 fr-FR hourly 1 https://wordpress.org/?v=7.1.3 https://www.forumopera.com/wp-content/uploads/cropped-Favicon-32x32.png Séville - Ville - Forum Opéra https://www.forumopera.com/ville/seville/ 32 32 Saison 2026-27 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2026-27-les-programmes/ Fri, 27 Mar 2026 06:41:08 +0000 https://www.forumopera.com/?p=208803 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Atlanta Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Berne Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest …

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]]> Récital Xabier Anduaga – Séville https://www.forumopera.com/spectacle/recital-xabier-anduaga-seville/ Wed, 10 Dec 2025 05:30:00 +0000 https://www.forumopera.com/?post_type=spectacle&p=204925 Dès les premières notes, le choc. Avant de poursuivre cependant, bref retour en arrière à l’exemple des flash-back qui, au cinéma, viennent éclairer rétrospectivement la scène initiale. Novembre 2017, Lucia di Lammermoor en version de concert au Théâtre des Champs-Élysées. Débuts parisiens de Jessica Pratt dans le rôle-titre. Impossible de se rappeler le nom du …

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]]> Dès les premières notes, le choc.

Avant de poursuivre cependant, bref retour en arrière à l’exemple des flash-back qui, au cinéma, viennent éclairer rétrospectivement la scène initiale.

Novembre 2017, Lucia di Lammermoor en version de concert au Théâtre des Champs-Élysées. Débuts parisiens de Jessica Pratt dans le rôle-titre. Impossible de se rappeler le nom du premier ténor sauf à fouiller nos archives ou mettre Google à contribution. L’interprète d’Arturo, personnage ô combien secondaire, reste au contraire gravé dans la mémoire : Xabier Anduaga, jeune chanteur basque, 22 ans, et déjà dans le timbre un éclat, dans le chant une évidence. Impression fugace compte tenu de la brièveté de son intervention, mais durable.

Juin 2018, concert privé destiné à attirer l’attention de la presse parisienne sur la prochaine édition du Rossini Opéra Festival. Xabier Anduaga, à l’affiche de Ricciardo e Zoraide dans le petit rôle d’Ernesto, sert de faire-valoir. Deux ou trois airs, pas plus, et la certitude d’une voix d’exception, même si déjà on doute que le chant rossinien soit le mieux adapté à sa vocalité. Trop de densité, de puissance, d’intensité expressive – ce qui se confirmera deux mois plus tard à Pesaro.

Puis rien, si ce n’est une brève apparition dans Amici e rivali, l’album héroïquement rossinien de Michael Spyres et Lawrence Brownlee, et quelques échos lointains, de ci, de là. La carrière de Xabier Anduaga prend son envol pourtant, et vite : double distinction en 2019 au concours Operalia – premier prix masculin et prix Don Plácido Domingo Ferrer de la zarzuela –, Lucrezia Borgia à Bergame (2019), Il barbiere di Siviglia à Paris (2020), Don Pasquale à Barcelone (2022), I puritani à Bilbao (2022), Lucia di Lammermoor à Londres (2024) et auparavant, à 27 ans, des débuts remarqués à New York dans L’elisir d’amore. Les portes des maisons d’opéra cèdent une à une sans que ce parcours victorieux ne croise nos chemins de pèlerin lyrique. Le hasard ne fait pas toujours bien les choses.

© Guillermo Mendo -Teatro de la Maestranza

Par conséquent, c’est d’une oreille vierge, ou presque, que l’on renoue avec le jeune chanteur sur la scène de la Maestranza dans un récital avec piano. Et d’emblée, le ravissement, le frisson, l’émotion incontrôlable provoquée par la beauté immédiate d’une voix de ténor proche de l’idéal – sans rapport avec Ideale, la mélodie de Tosti que Xabier Anduaga interprétera en milieu de première partie, avec un usage consommé de la mezza voce.

Un timbre donc, une plastique parfaite qui évoquerait s’il était acteur Alain Delon, vampé par la caméra de Visconti dans Le Guépard. Une clarté, presque solaire, des aigus brillants, émis haut placés sans tension apparente et en même temps – part d’ombre nécessaire à la lumière –, une assise large et solide sur laquelle le chant appuie son étonnante projection.

Mais la beauté n’est rien sans une technique éprouvée, seule garante de la souplesse, de la nuance et de la maîtrise du passagio, essentielle pour un ténor – la gestion des changements de registre sans rupture, ni dureté pour préserver le legato et conserver l’homogénéité sur toute la tessiture.

Ces qualités trouvent à s’exposer dans un programme où se succèdent mélodies italiennes et françaises, romances espagnoles et airs d’opéra – deux seulement, trop peu à notre goût. Bellini en ouverture de soirée, cause de notre émoi initial, n’aime rien tant que ce tracé continu de la ligne, l’élégance sans maniérisme, la sincérité sans affectation. Les trois Tosti sont trempés dans la même encre, le trait plus ou moins appuyé selon l’intention recherchée, la demi-teinte dosée avec précision, à bon escient, sans excès de sentimentalisme.

Sans surprise, les deux airs d’opéra forment le point culminant de la soirée : Edgardo, noble, fier et poignant dans un adieu à la vie magnifié par la limpidité de la diction et l’intelligence des effets ; Mantoue bravache, d’une séduction insolente tant dans le dessin véloce de la cadence que dans l’éblouissement d’un si aigu en forme de pied de nez – et se devinent alors les origines espagnoles du ténor par la façon altière dont il lance la note, la tête dressée, le bras levé et  le pied en avant, tel le matador portant l’estocade.

Au piano, Maciej Pikulski est l’accompagnateur qu’exige l’exercice du récital, mieux qu’attentif, empathique, sachant respirer avec le chanteur pour ajuster instantanément tempo, souffle et phrasé – virtuose aussi lorsqu’il s’agit de faire entendre à deux mains les quatre voix du quatuor de Rigoletto dans sa transcription lisztienne, ou plus tard d’exprimer sans mièvrerie l’âme de Ständchen, la sérénade de Schubert adaptée elle aussi par Liszt.

© Guillermo Mendo-Teatro de la Maestranza.

La deuxième partie n’atteint pas les mêmes sommets. Dédiés à Mario Rubini, chanteur phénoménal capable d’atteindre des suraigus impressionnants, les trois sonnets de Petrarque mis en musique par Liszt malmènent la voix plus qu’ils ne la flattent. Xabier Anduaga affronte l’épreuve sans faillir mais on ne retrouve pas l’impression d’aisance qui prévalait précédemment. Les trois mélodies de Hahn trahissent une moindre adéquation à ce répertoire – question de diction française, question aussi de style : un fossé sépare A Chloris d’une canzone napolitaine ; heureusement Si mes vers avaient des ailes, abordé avec une sobriété retrouvée, renoue avec le caractère intime et délicat de cette musique. La romance espagnole enfin, représentée par deux fleurons pour ténor de la zarzuela, s’adresse d’abord au public de la Maestranza, qui applaudit l’artiste debout sur le rythme typique en 4/4 des sevillanas. Le reste de la soirée se dissout dans trois bis du même acabit , susceptibles de trouver d’abord un écho profond dans l’imaginaire ibérique, à l’exception d’un trop rebattu O sole mio inapte à séduire des oreilles aguichées auparavant par d’autres promesses.

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]]> DONIZETTI, Lucrezia Borgia – Séville https://www.forumopera.com/spectacle/donizetti-lucrezia-borgia-seville/ Tue, 09 Dec 2025 05:00:00 +0000 https://www.forumopera.com/?post_type=spectacle&p=204835 La création de Lucrezia Borgia à la Scala de Milan, en 1833, avait fait scandale. Adapter une pièce de Victor Hugo – auteur jugé subversif dans l’Italie de l’époque –, refuser tout vernis moralisateur à une héroïne criminelle et incestueuse, plonger l’intrigue dans une noirceur inhabituelle : il n’en fallait pas davantage pour courroucer la censure et …

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]]> La création de Lucrezia Borgia à la Scala de Milan, en 1833, avait fait scandale. Adapter une pièce de Victor Hugo – auteur jugé subversif dans l’Italie de l’époque –, refuser tout vernis moralisateur à une héroïne criminelle et incestueuse, plonger l’intrigue dans une noirceur inhabituelle : il n’en fallait pas davantage pour courroucer la censure et déconcerter le public. C’est cette tension sulfureuse que recherche Silvia Paoli dans une mise en scène créée à Tenerife en 2020 et reprise cette saison à Séville. Sa lecture, crue, volontairement dérangeante, fait de l’opéra de Donizetti un manifeste féministe.

Dès l’ouverture, un niveau de lecture supplémentaire apparaît sous la forme d’une petite Lucrezia à laquelle un homme – son père ? – offre un chaperon rouge avant d’enfiler un masque de loup et l’emporter dans ses bras. Si l’on a bien compris, ce viol originel explique la personnalité perverse de la future Borgia, victime avant d’être bourreau, prise au piège d’un système patriarcal dont elle reproduit malgré elle les mécanismes. Le loup, symbole d’un désir masculin oppressif, revient tout au long de l’ouvrage dans un décor d’abattoir aux murs ruisselant de sang, loin des fastes renaissants traditionnels. Cette esthétique compose un laboratoire du pouvoir où tout semble froidement prémédité. Les lieux de fête deviennent des arènes de domination, l’atmosphère générale évoque un milieu mafieux, décadent, ultra-hiérarchisé. Le chœur, masse mouvante et inquiétante, frôle parfois le grotesque : il rappelle que le monde des Borgia est un univers où l’on s’amuse en bord d’abîme, au milieu des cadavres. Dans la même veine démonstrative, Don Alfonso est montré comme un prédateur sadique, enfermant des femmes dans des cages avant de les violenter puis de les abattre. Faut-il poursuivre ? Si l’objet du propos ne fait guère de doute, la réalisation l’illustre maladroitement : trop d’images et trop de mouvements parasitent certaines scènes (l’air de Don Alfonso), tandis que d’autres, paradoxalement, restent trop figées pour atteindre leur but (la fin du prologue). Il n’est pas simple d’attribuer à une œuvre des intentions qui n’ont jamais été les siennes.

© Guillermo Mendo

Marina Rebeka glisse sans dommage sa Lucrezia dans cet univers étouffant, loin de toute caricature de femme fatale ou d’empoisonneuse baroque. La ligne belcantiste, d’une pureté exceptionnelle, se déploie avec une maîtrise souveraine. Chaque phrasé, chaque arc mélodique est soigneusement dessiné. Les aigus, francs et lumineux, sont projetés sans dureté. La technique parfaitement contrôlée sert la vocalise, précise et expressive. Roulades et traits rapides ne versent jamais dans la virtuosité gratuite. La maîtrise du legato fait merveille dans la cantilène, laissant filtrer face à Gennaro, un lyrisme plus tendre, une chaleur retenue qui fissure la froideur apparente du personnage. Dans ces moments, la voix prend un velouté inattendu. L’économie de gestes consacre l’expressivité vocale, de « Com’è bello », interprété avec une délicatesse suspendue entre émerveillement et douleur, jusqu’à une scène finale d’une grande intensité tragique.

Cet accomplissement aurait mérité des partenaires plus aguerris. Ni Krzysztof Bączyk, Don Alfonso privé de noirceur et de mordant, ni Duke Kim, Gennaro fragile et pâle, ne parviennent à se hisser au niveau de la soprano. On retiendra toutefois un duo et un trio à la fin de l’acte I d’une belle vigueur dramatique, et, chez le jeune Borgia, une mort rehaussée de demi-teintes bienvenues. En Orsini, Teresa Iervolino montre un sérieux déficit de de puissance, préjudiciable aux ensembles, malgré de jolies couleurs. Aucun autre comprimario ne s’impose durablement.

La direction de Maurizio Benini s’inscrit dans une esthétique belcantiste assumée : elle privilégie des tempi souples, un soutien constant des lignes vocales, une respiration orchestrale ample laissant aux chanteurs l’espace pour articuler texte et colorature. Cette approche vise moins l’effet spectaculaire que l’élégance formelle, au prix d’un défaut de tension narrative. Les contrastes pourraient être davantage soulignés, notamment au deuxième acte, lorsque les accents joyeux de la fête se heurtent à la prière lugubre des morts.

De cette interprétation musicale et scénique inaboutie, subsiste au tomber de rideau la Lucrezia envoutante de Marina Rebeka, ovationnée debout par le public de la Maestranza.

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]]> Marina Rebeka :  nouvelle prise de rôle, nouvel enregistrement https://www.forumopera.com/breve/marina-rebeka-nouvelle-prise-de-role-nouvel-enregistrement/ Fri, 05 Dec 2025 07:31:27 +0000 https://www.forumopera.com/?post_type=breve&p=204725 « Quelle émotion dans cet extrait de la scène finale de l’opéra. Le bel canto n’a aucun secret pour elle. Quel style ! Quelle ligne ! Quelle expressivité dramatique ». Si l’on se fie aux échos sur Instagram, la première Lucrezia Borgia de Marina Rebeka a remporté un triomphe. « Son chant est magistral et, hier, Séville lui …

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]]> « Quelle émotion dans cet extrait de la scène finale de l’opéra. Le bel canto n’a aucun secret pour elle. Quel style ! Quelle ligne ! Quelle expressivité dramatique ». Si l’on se fie aux échos sur Instagram, la première Lucrezia Borgia de Marina Rebeka a remporté un triomphe. « Son chant est magistral et, hier, Séville lui a offert une standing ovation, comme à la grande artiste qu’elle est — et pour finir, des applaudissements au rythme typique du 4×4 des sevillanas. » raconte un de ses admirateurs, en même temps qu’il annonce un prochain enregistrement de l’opéra de Donizetti par la soprano lettone – sur son label Prima classic selon toute vraisemblance.

A paraître, auparavant – le mois prochain –, l’intégrale de Simon Boccanegra, où Marina Rebeka campe une Amelia souveraine. De quoi prolonger, chez soi, l’éclat d’une artiste au sommet de son art.

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]]> Saison 2025-26 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2025-26-les-programmes/ Thu, 03 Apr 2025 07:09:30 +0000 https://www.forumopera.com/?p=182827 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Berne Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest Caen …

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]]> Saison 2024-25 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2024-25-les-programmes/ Wed, 27 Mar 2024 05:39:43 +0000 https://www.forumopera.com/?p=156231 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Berne Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest Caen …

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]]> Saison 2023-24 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2023-24-les-programmes/ https://www.forumopera.com/saison-2023-24-les-programmes/#respond Tue, 07 Mar 2023 14:02:00 +0000 https://www.forumopera.com/?p=126342 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest Caen Chicago …

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]]> https://www.forumopera.com/saison-2023-24-les-programmes/feed/ 0 Agrippina, ton univers impitoyable https://www.forumopera.com/breve/agrippina-ton-univers-impitoyable/ Tue, 11 Feb 2020 12:04:47 +0000 https://www.forumopera.com/breve/agrippina-ton-univers-impitoyable/ Les Agrippina se suivent mais ne se ressemblent pas ! Après la parution d’une intégrale chez Erato, et alors que Joyce DiDonato incarne l’impératrice sur la scène du Metropolitan Opera, le Teatro de la Maestranza à Séville nous propose une version rétro et décalée de l’opéra de Haendel. Créée en 2012, cette mise en scène de …

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]]> Les Agrippina se suivent mais ne se ressemblent pas ! Après la parution d’une intégrale chez Erato, et alors que Joyce DiDonato incarne l’impératrice sur la scène du Metropolitan Opera, le Teatro de la Maestranza à Séville nous propose une version rétro et décalée de l’opéra de Haendel.

Créée en 2012, cette mise en scène de Mariame Clément ressuscite Dallas et autres soap opera des années 1980, dont les héros seront ici incarnés par Ann Hallenberg, Xavier Sabata ou encore Alicia Amo. Alors si vous voulez voir conjugués la musique de Haendel et les drames de JR et Sue Ellen, une seule chose à faire… acheter vos billets pour l’une des trois représentations (11, 13 et 15 février).

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]]> DONIZETTI, Anna Bolena — Séville https://www.forumopera.com/spectacle/anna-bolena-seville-angela-bolena/ Fri, 16 Dec 2016 07:59:49 +0000 https://www.forumopera.com/spectacle/angela-bolena/ Etiquetée « rising star of the Met » dans les programmes de salle (voir là aussi la brève de Christophe Rizoud), louée tout récemment à Lyon et à Paris pour son interprétation d’Ermione en version de concert, l’invitation d’Angela Meade à l’opéra de Séville pour une série d’Anna Bolena déclenche curiosité et tentation. Salle comble et public …

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]]> Etiquetée « rising star of the Met » dans les programmes de salle (voir là aussi la brève de Christophe Rizoud), louée tout récemment à Lyon et à Paris pour son interprétation d’Ermione en version de concert, l’invitation d’Angela Meade à l’opéra de Séville pour une série d’Anna Bolena déclenche curiosité et tentation. Salle comble et public multinational, que l’attrait touristique de la capitale andalouse ne suffit à expliquer, sont autant de signes qui ne trompent guère. Altière, dans une composition qui fait l’économie de gestes, œillades et coups de menton, la soprano américaine se glisse dans les traits d’Anne Boleyn avec évidence.  Technique irréprochable, nuances et couleurs d’une palette généreuse, souffle aisé, tessiture ample (c’est un euphémisme), tempérament, intelligence musicale, timbre charmeur… Angela Meade possède toutes les armes pour faire passer son public par tout le spectre des émotions. « Al dolce guidami » comme suspendu dans un ailleurs commence une scène de folie qui s’achève dans un « coppia iniqua » cinglant, conclu par une note tenue et enflée à l’effet dramatique redoutable. Un quart d’heure final en forme de feu d’artifice, comme un rappel des trois heures qui ont précédé, de l’abysse de graves charnus à l’éther de pianissimi déposés sur le souffle dont on la sait désormais coutumière. L’étoile montante est maintenant en orbite. Le plus surprenant presque dans cette représentation vient du reste de la distribution. Si nos confrères ont déjà pu rendre compte des qualités de Ketevan Kemoklidze, elle se hisse ce soir sur les mêmes cimes que la reine qu’elle supplante chez Donizetti : même sens de la scène et même maîtrise de la grammaire belcantiste, sans ostentation mais bien au service d’une interprétation à fleur de peau. Henry cède la préséance à tant d’excellence mais ne démérite nullement. L’airain du timbre assoit Simon Orfila dans sa royale stature que seuls quelques aigus courts et tendus amputent de sa superbe. L’interprète sait en faire son miel et transforme ces quelques limites en fêlures qui rendent son roi d’Angleterre humain, jaloux et inquiétant. Seul Ismael Jordi est en retrait dans le quatuor de protagonistes. Si le ténor développe toujours un chant léché autour d’un timbre ravissant, il souffre dans le registre aigu, esquivant les difficultés par le recours au falsetto ou bien en les escamotant tout simplement. Smeton, Harvey et Charleston tiennent leur rang à cette très belle cour d’Angleterre, de même que les chœurs homogènes et réglés avec précision qui rendent plus venimeux encore ces courtisans à l’affût des ragots et jamais avares de commentaires feutrés sur le drame.

Pièce maîtresse dans cet échiquier : la direction de Maurizio Benini, à la tête d’un Orchestre royal symphonique de Séville de qualité, et dont les regards et les gestes sont toujours adressés au plateau. Hormis des cuivres déconcentrés au début du IIe acte, la cohésion des pupitres est parfaite et réagit dans l’instant aux desiderata du maestro : ruptures de rythme ou de volume, points d’orgue impromptus. Les attaques sont toujours incisives, de même que le tissu orchestral qui passe du poids plume ou poids lourd selon la situation dramatique. Enfin, avec près de trois heures et dix minutes de musique, il semble que pas une note de musique n’ait été retranchée à la partition. Muchas gracias !

Sur scène, c’est un Graham Vick assagi qui opère. Aussi inoffensif que flatteur pour l’œil, il compose une succession de tableaux en costumes d’époque clinquants et dans des décors mi symboliques mi réalistes qui autorisent des changements rapides d’une scène à l’autre. Sans délaisser la direction d’acteur, il faut reconnaître que c’est aux interprètes qu’échoit la charge de porter le drame. A la Maestranza, ils ont répondu présent.

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]]> VERDI, Otello — Séville https://www.forumopera.com/spectacle/otello-seville-ecco-il-leone/ Sun, 08 Nov 2015 05:55:23 +0000 https://www.forumopera.com/spectacle/ecco-il-leone/ Quelques mois seulement après un superbe Otello de Rossini à la Scala de Milan, Gregory Kunde est cette fois-ci celui de Verdi à Séville. Alterner deux vocalités aussi différentes est déjà un exploit en soi, le chanteur américain étant probablement le seul ténor a avoir interprété les deux rôles, en tous cas la même saison. Mais …

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]]> Quelques mois seulement après un superbe Otello de Rossini à la Scala de Milan, Gregory Kunde est cette fois-ci celui de Verdi à Séville. Alterner deux vocalités aussi différentes est déjà un exploit en soi, le chanteur américain étant probablement le seul ténor a avoir interprété les deux rôles, en tous cas la même saison. Mais cette soirée va au-delà de la simple performance car Gregory Kunde est certainement le meilleur Otello verdien actuel, tout simplement. La voix a encore gagné en largeur et en graves, et l’aigu (jusqu’au contre-ut) est absolument percutant. A l’opposé de certaines interprétations pseudo véristes par trop relachées, celle de Kunde est d’une musicalité parfaite, la ligne n’étant jamais sacrifiée à l’expression, mais au service de celle-ci. L’attention au texte est également minutieuse : par exemple, dans son affrontement avec Desdemona à l’acte III, Kunde utilisera trois tons différents pour répéter « Il falsoletto ». Otello est un ouvrage largement confisqué par des générations de ténors qui comptaient surtout sur la puissance de leurs poumons pourtant, c’est Francesco Tamagno que Verdi avait choisi pour la création du rôle. Or, le ténor italien avait été le premier Gabriele Adorno dans la seconde version du Simon Boccanegra,  le premier Don Carlo à la Scala, et il avait également à son répertoire Guillaume Tell,  Les Huguenots, Robert le diable et même Edgardo dans Lucia di Lammermoor. Avec Kunde, c’est toute cette filiation qui nous est restituée.  


© Jesús Morón

Sa compatriote, la californienne Julianna Di Giacomo campe une superbe Desdemona, avec une belle voix au timbre caractérisé (qui rappelle un peu celui de Pilar Lorengar), puissante et souple, et un bel engagement dramatique. Le Iago d’Àngel Òdena ne se situe pas aux mêmes sommets que ses partenaires : le souffle est parfois un peu court pour les pulsations larges de l’orchestre et l’aigu plutôt dur. Au positif, le chanteur espagnol témoigne d’une belle musicalité et d’un vrai respect de la partition (pour une fois les trilles sont bien marqués) et le personnage est finement dessiné, sans caricature. Les seconds rôles sont impeccablement tenus, avec une mention spéciale pour le Cassio de Francisco Corujo au timbre chaud. Les chœurs sont tout simplement formidables, sonores mais avec des pupitres bien dissociés. La maîtrise est tout à la fois craquante visuellement et impeccable musicalement.

La mise en scène de Henning Brockhaus est très théâtrale, même dans le plus petit détail (par exemple, lors de la scène où Otello espionne Iago et Cassio, ceux-ci parcourent le plateau de sorte que leurs interventions chantées sont audibles lorsqu’ils sont sur le devant de la scène,  et celles d’Otello lorsqu’ils s’en éloignent). Brockhaus a également recours à une importante figuration intelligente : par exemple, nain, acrobates, danseurs animent une orgie au lever du rideau (on se paie du bon temps à l’arrière pendant que les soldats sont à la guerre). Vu de près le décor alliant classicisme et modernité fait un peu « petit budget » mais fonctionne bien. Les costumes sont généralement « d’époque » mais avec quelques touches incongrues comme ces infirmières de la Croix Rouge qui soignent les blessés avec Desdemona.

Directeur artistique de l’orchestre, Pedro Halffter choisit une approche ample de la partition (disons pour simplifier qu’on est plus près de Solti que de Toscanini) qui offre l’avantage de laisser respirer les chanteurs tout en permettant à son excellente formation d’offrir une magnifique pâte orchestrale.

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