De plus, ce soir, c’est le ciel lui-même qui s’est mis de la partie pour magnifier le spectacle. Dans la journée, la pluie s’est déjà invitée et l’orage menace avant le début de la représentation. Heureusement, les éclairs sont lointains et muets, se contentant de mettre efficacement un accent lumineux aux moments appropriés du drame, comme fait tout exprès. On en vient à remercier le ciel de nous offrir un tel travail de dramaturgie sans verser des seaux d’eau qui auraient suspendu inopinément ce beau spectacle. Encore plus saisissant, un vent fort se lève, qui aide à disperser les rubans et confettis dorés de la fête, en sublimes nébuleuses effilochées. On se met cependant à craindre que les cadres ne s’abattent réellement sur les chanteurs, mais tout est bien accroché et encore mieux encadré. Par chance, le vent souffle dans la bonne direction et fait office de porte-voix, ramenant les sons vers le public, pour un confort d’écoute optimal. On n’ose imaginer ce qu’aurait produit l’effet inverse…

Servis par une mise en scène lisible, les chanteurs évoluent apparemment très à l’aise. La belle Angel Blue parvient sans peine à entrer dans son rôle et nous émouvoir jusqu’aux larmes. La puissante de projection de la soprano est formidable, la longueur de souffle et le nuancier subtil n’en étant que plus appréciables. Curieusement, quand la jeune femme se met à tousser au dernier acte, une bonne partie du public lui emboîte le pas. Il est vrai que vers minuit, il fait un tout petit peu frisquet en comparaison avec les grosses chaleurs passées, mais tout de même, pas de quoi s’être enrhumé aussi vite. Cela ne rend la performance de l’Américaine que plus admirable. À ses côtés, Enea Scala, s’il ne parvient pas à rendre son personnage aussi sympathique et touchant que sa partenaire, se révèle tout de même un Alfredo bouillant, généreux de sentiments, amant ardent, jaloux flamboyant et repenti sincère. On retiendra surtout les coups d’éclats traduits par des aigus joliment projetés et un superbe legato qui confère la dignité qui pourrait autrement cruellement manquer au personnage. Quand bien même les choix de mise en scène le desservent en accentuant le caractère proprement inhumain du père égoïste et monstrueux (accentués par des gestes de colère à peine retenus quand il n’obtient pas immédiatement la reddition de la pauvre Violetta), Giorgio Germont est merveilleusement campé par un Luca Salsi au sommet de son art. Il parvient à donner au fur et à mesure de la chair et beaucoup de noblesse à son personnage. Puissance, longueur de souffle, beauté du chant, on se délecte à l’entendre. Les autres rôles sont irréprochables, soutenus par des chœurs en grande forme.

À la tête de l’orchestre, Speranza Scappucci ne manque pas d’impressionner par son efficacité. Puisqu’elle a une large formation en éventail devant elle, chœurs compris, sa gestuelle se fait ample et large. On la sent intensément concentrée, attentive aux moindres détails. De fait, elle mène littéralement son petit monde à la baguette, de telle sorte que le résultat est une conduite excellente, fluide, nette, propre, mais bien mieux que cela : très intense et impeccablement maîtrisée. Un vrai beau moment. Seul regret : avoir raté Ludovic Tézier, qui sera Giorgio Germont pour la dernière, le 2 août prochain.

L’article VERDI, La Traviata – Vérone est apparu en premier sur Forum Opéra.

© Brescia/Amisano – Teatro alla Scala

Jeune baryton à l’aube d’une carrière prodigue, Luca Micheletti manque inévitablement de maturité, artistique et vocale, pour parvenir à dessiner de Montforte le portrait ambivalent. Le tyran souffre d’un défaut d’autorité et le père, privé de relief, semble peu crédible Que de promesses cependant dans ce chant déjà rompu aux assauts de l’écriture verdienne même si encore fragile.

De même, Simon Lim suscitera encore plus d’intérêt lorsqu’il aura ajouté à sa voix de basse longue et vigoureuse le surcroît d’expression nécessaire pour comprendre les motivations vengeresses de Procida.

Confrontée à un rôle qui se réclame de plusieurs écoles de chant, Marina Rebeka peine à concilier les différents profils vocaux d’Helena. Le soprano dramatique, sombre et véhément, s’efface devant la belcantiste, capable d’agilité – le boléro – et de notes posées sur le souffle, immatérielles, d’une suffocante douceur – la romance « Arrigo ! ah ! parli a un core » et sa vertigineuse descente chromatique. L’assurance acquise au fur et à mesure de la représentation, combinée à une moindre sollicitation du registre grave, hisse l’ultime trio au niveau d’intensité que l’on aurait attendu dès les premiers actes.

Pour l’avoir chanté en italien à Naples et Berlin, et même en français à Turin et Madrid, Piero Pretti est familier du rôle d’Arrigo. Il en maîtrise le cantabile autant que l’éclat, d’une voix à l’égalité confondante. Aucune rupture de registre n’est perceptible sur un ambitus qui culmine au contre ré. Looser, oui puisque le livret l’exige mais de la race des seigneurs en dépit de costumes peu flatteurs. Les représentations suivantes devraient confirmer l’aisance avec laquelle le ténor domine une partition pourtant difficile, prouvant qu’il est aujourd’hui dans sa catégorie un des meilleurs interprètes du grand répertoire italien.

Peu de chance en revanche pour que la mise en scène d’Hugo de Ana gagne en efficacité et en pertinence avec le temps. Articulée autour de passerelles métalliques, cernée par les armes et les canons, l’approche littérale se fond dans une grisaille d’un uniforme ennui. Les ballets ont été coupés. L’absence de caractérisation des personnages empêche de comprendre les enjeux dramatiques d’un livret déjà desservi par de nombreuses faiblesses. Les seconds rôles ne peuvent compter que sur leur voix, heureusement robuste, pour exister. Citons pour le moins Valentina Pluzhnikova (Ninetta), soliste de l’Accademia Teatro alla Scala dont la présence et l’évidence des quelques interventions laissent augurer d’un brillant avenir. La transposition de l’action durant la seconde guerre mondiale n’ajoute rien au propos, si ce n’est peut-être une référence à un certain néoréalisme dont on cherche en vain le bien-fondé autre qu’esthétique. La bronca qui accueille le metteur en scène et son équipe au tomber de rideau sanctionne l’absence de théâtre – un comble chez Verdi !

L’article I vespri siciliani — Milan est apparu en premier sur Forum Opéra.

La faute en revient essentiellement à la nouvelle production de Hugo de Ana, qui constitue certainement le point noir de la soirée. La précédente production datant de 2003 (déjà avec Juan Diego) puis reprise en 2009 n’était pas une réussite éclatante. Hugo de Ana, responsable à la fois de la mise en scène, des décors et des costumes, parvient à faire pire mais différemment. Pas de second degré ici mais de la bonne grosse gaudriole (au cas où le spectateur n’aurait pas compris le sous-texte crypto érotique, « Beauté sévère, laissez le faire, son bonheur ne vous coûte rien »). Ça tâte, palpe, paluche, tripote en permanence. Le décor est inspiré du Jardin des délices de Jérôme Bosch, avec ses structures bizarres et autres animaux géants. On ne niera pas une originalité esthétique, mais Hugo de Ana n’en fait rien : à croire que ces sculptures géantes ont été ajoutées après la finalisation de la mise en scène. Au premier acte nous sommes plongés dans une communauté de filles-fleurs sous la houlette d’un satyre (le Comte Ory), puis plus classiquement au château de la Comtesse à l’acte 2.

Juan Diego Flórez (Comte Ory) © ROF / Studio Amati Bacciardi

On note bien quelques gags plutôt réussis, comme ces Tables de la Loi exhibées par le Comte-Ermite pour impressionner son écuyer à l’acte 1, qui s’allument ou clignotent à point nommé, ou encore la scène de gym tonique interrompue par la tempête à l’acte 2. Mais le tout est englué dans un mouvement parasite perpétuel, ça gigote, se dandine, et on retrouve pêle-mêle sur scène des œufs de Pâques, des oiseaux géants, des dinosaures…

Juan Diego Flórez (Comte Ory) © ROF / Studio Amati Bacciardi

Heureusement le bilan musical est nettement plus réjouissant.

Diego Matheuz à tête de l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI mène la barque à bon port. Les tempi sont vifs (parfois trop pour permettre une vraie intelligibilité du texte chez certains chanteurs) et les ensembles bien réglés. Manque cependant un soyeux dans les moments plus poétiques et ce grain de folie consubstantiel au Rossini comique.

Mais revenons au rôle-titre et à Juan Diego Flórez ! La comparaison avec ses performances passées exceptionnelles, au disque (2003) ou sur scène (au Metropolitan Opera de New-York en 2011) pourrait s’avérer cruelle. On pourrait alors noter une souplesse et des nuances moindres, une projection plus modeste (l’acoustique particulière de la Vitrifigo Arena n’étant vraisemblablement pas étrangère à cette impression). Pourtant ce qui reste suffit très largement à notre bonheur ! D’abord un français d’une intelligibilité parfaite, une vraie vis comica (malgré les outrances de la mise en scène), une maîtrise parfaite de la tessiture et surtout cette évidence inexplicable quand un interprète chante un rôle qui semble écrit pour lui.

Il trouve en Julie Fuchs une Comtesse Adèle à sa mesure. On ne sait que louer d’abord, la fraîcheur du timbre, le français évident, ou le style châtié. Encore une fois le personnage que lui impose la mise en scène (une cruche qui vire rapidement nympho) n’est pas idéal, mais cela n’altère en rien  son élégance scénique et vocale.

Julie Fuchs (Comtesse Adèle), Monica Bacelli (Dame Ragonde) © ROF / Studio Amati Bacciardi

Le troisième larron du trio torride de la fin du deuxième acte (Maria Kataeva en Isolier), se hisse au niveau des deux autres. Timbre plein, extension dans l’aigu, souplesse de l’émission, la lauréate du concours Operalia 2019 (premier prix du public et second prix du jury) est une belle découverte.

On saluera également le Gouverneur de Nahuel di Pierro, aux graves impressionnants. Son air « Veiller sans cesse » est vivement applaudi, à raison.

Les autres protagonistes sont moins marquants, faute notamment d’un français parfaitement intelligible. Andrzej Filonczyk (Raimbaud) rattrape une performance en demi-teinte par son « Dans ce lieu solitaire » bien troussé, quand Monica Bacelli campe une Dame Ragonde réjouissante, faisant oublier par son métier des graves aujourd’hui évanouis.

L’article ROSSINI, Le Comte Ory — Pesaro est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Pesaro 2022 : premières annonces et premières suppositions est apparu en premier sur Forum Opéra.

Est-ce pour compenser cette formation limitée que la balance de l’enregistrement favorise l’orchestre, au détriment des voix ? Ce défaut ne saurait cependant obérer les atouts de cette production, à commencer par son rôle-titre.

 
Chrysanthi Spitadi (Suzuki), Ermonela Jaho (Cio Cio San) © Valeria Isaeva

Ermonela Jaho est aujourd’hui une titulaire incontournable de Cio Cio San, qu’elle a chanté sur toutes les scènes (de New-York à Paris en passant par Londres). Elle parvient dans ce rôle à une étonnante synthèse : une incandescence dramatique alliée à une grande délicatesse stylistique. On pourra trouver son jeu parfois maniéré (la captation en gros plan fait ressortir quelques minauderies au premier acte), mais difficile de ne pas être happé par son intensité, passant sans difficulté de la légèreté de l’adolescente au plus noir désespoir. Le chant est au diapason, couleurs prégnantes, ligne diaprée de pianissimi, il touche au cœur.

 Face à elle, Gianluca Terranova, dont le timbre est loin d’être désagréable, est un Pinkerton un peu frustre, ce qui s’accorde finalement bien avec le personnage, plus antipathique qu’habituellement, arrogant et vulgaire (on admire notamment ses belles chemises hawaïennes). Manque cependant une quinte aigue plus libre pour totalement complaire au portrait vocal du yankee.

Ils sont entourés d’une équipe 100% grecque d’un très bon niveau. On retiendra en particulier le Sharpless plein de sollicitude de Dionysos Sourbis, au beau timbre cuivré, et la Suzuki émouvante de Chrysanthi Spitad, au mezzo ombré.

La direction de Lukas Karytinos ne souffre pas trop de la version allégée. Il maitrise le phrasé puccinien et compense une moindre variété des couleurs orchestrales par une gestion intelligente des atmosphères et des climax.

La production de Hugo de Hana, datant de 2013 mais réadaptée à la scène du Stavros Niarchos Hall, ne révolutionnera pas le genre, mais fait preuve d’une vraie lisibilité. Le dispositif scénique est très simple (trois pavillons sur fonds nu, animé de projections), et les costumes des protagonistes japonais restent traditionnels (à l’exception du jean porté par Butterfly à l’acte 2 pour souligner la rupture avec son pays et ses traditions). Les projections vidéos sont souvent superflues mais l’attention au jeu d’acteur convainc si ce n’est que les gros plans gâchent certains effets : la mort de l’héroïne devait être autrement spectaculaire vue de la salle.

Cette captation est disponible sur le site du Greek National Opera pour 10 euros jusqu’au 31 décembre 2021 et, élément notable, est disponible en version sous-titrée en français.

L’article PUCCINI, Madama Butterfly — Athènes est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’Opéra National de Grèce présente GNO TV, la nouvelle chaîne de télévision en ligne consacrée à l’opéra, au ballet, à la musique et au théâtre musical sur nationalopera.gr/GNOTV – https://youtu.be/fLZ5YihXKrY

GNO TV, la nouvelle chaîne TV en ligne de l’Opéra National de Grèce ouvre le 25 novembre 2020 à partir de 13h avec la première projection en ligne de Madama Butterfly dont le rôle-titre est interprété par la soprano de réputation internationale, Ermonela Jaho. GNO TV – qui sera pleinement opérationnelle dès janvier prochain – est un projet réalisé grâce à la donation de la Stavros Niarchos Foundation (SNF) [www.SNF.org] destinée à renforcer l’internationalisation artistique du GNO. 

GNO TV est une nouvelle branche de la programmation du GNO dont le but est de diffuser de par le monde les productions de l’unique théâtre lyrique grec, élargissant ainsi la notion d’internationalisation artistique. Si GNO TV débute en pleine pandémie et à une époque où les représentations du GNO sont suspendues, il n’en reste pas moins que ce nouveau service ne constitue pas seulement une réponse au coronavirus mais une étape dans la transition de l’Opéra National de Grèce vers une époque dont les besoins et les normes sont différents. GNO TV vise à attirer le public du monde entier. En effet, l’identité artistique et la qualité des productions du GNO lui permettent de se placer sur un pied d’égalité parmi les autres institutions sur le marché mondial en ligne du théâtre lyrique.

La période d’essai de GNO TV sera inaugurée avec la diffusion de Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. C’était le premier opéra que le GNO a monté, en 1940, et c’est le premier opéra qui inaugurera GNO TV, la nouvelle plateforme numérique du GNO. Dès le 25 novembre 2020, Madama Butterfly sera accessible au public grec et international, via nationalopera.gr/GNOTV, pour un ticket d’à peine 10 euros. La production a été enregistrée à l’aide d’un système de pointe à huit caméras, dans une mise en scène spéciale, afin d’offrir aux spectateurs une expérience de visionnement et d’écoute de qualité. Le public pourra choisir parmi des sous-titres en grec, anglais et français.

Loukas Karytinos signe la direction musicale et Hugo de Ana signe la mise en scène, les décors et les costumes. Dans le rôle-titre, Ermonela Jaho. Elle est entourée de Gianluca Terranova, Dionysis Sourbis, Chrassanthi Spitadi, etc., dans les rôles principaux. Avec la participation de l’Orchestre et du Chœur du GNO. La conception des projections porte la signature d’Ideogramma SRL et Sergio Metalli, et, les lumières, celle de Valerio Alfieri. Le chœur est dirigé par Agathangelos Georgakatos.

Le Directeur artistique du GNO, Giorgos Koumentakis, note : « La création de GNO TV, la nouvelle chaîne de télévision en ligne de l’Opéra National de Grèce, lève le rideau sur une nouvelle ère pour notre organisation. Les circonstances éprouvantes des derniers mois nous ont amenés à accélérer nos efforts et à nous rapprocher un peu plus de l’avenir. Grâce au soutien que nous accorde la Stavros Niarchos Foundation, nous avons le plaisir de présenter une nouvelle plateforme de diffusion de notre travail, une nouvelle scène numérique, qui rendra notre travail artistique accessible au monde entier. Notre internationalisation artistique acquiert dorénavant une nouvelle dimension et nous sommes prêts prendre la mesure de nos forces et de nous adresser au public international aux côtés de tous les grands théâtres lyriques de la planète. Moyennant un ticket au prix réduit de 10 euros, les amateurs d’opéra pourront voir nos spectacles de chez eux. À partir de janvier 2021, la programmation de GNO TV sera enrichie d’un large éventail de productions d’opéra, de ballet, de musique, de théâtre musical, de festivals, de productions pour enfants et bien d’autres. Nous vous attendons. »

Selon la programmation de l’Opéra National de Grèce, en décembre GNO TV présentera en première la nouvelle production de Don Quichotte avec le Ballet du GNO. Fin décembre, ce sera le tour de Don Giovanni, une coproduction internationale du GNO en collaboration avec les Opéras de Göteborg et de Copenhague.

Pleinement opérationnelle début janvier 2021, GNO TV proposera une large gamme de spectacles au public du GNO, allant de représentations d’opéra et de ballet de la Salle Stavros Niarchos, d’opérette, de théâtre musical et de festivals de la Scène Alternative, mais aussi de productions plus anciennes du GNO ainsi que de nouveaux festivals, programmes éducatifs et productions pour enfants, en ligne. La liste détaillée des services proposés par GNO TV sera communiquée ultérieurement.

La diffusion des spectacles de GNO TV sera réalisée via le lecteur Akamai. Il s’agit d’un excellent service virtuel de sécurité, de performance en ligne et de livraison de contenu qui assure des diffusions sûres, fiables et rapides, sur tout appareil et en tout lieu. Avec plus de 270 000 appareils dans plus de 120 pays, Akamai distribue plus de 40% du trafic international en ligne. En effet, elle supporte plus de 3 milliards d’interactions numériques par jour, par 6 000 entreprises et organismes de premier plan, de par le monde.

Les tickets de 10 euros pour la diffusion de Madama Butterfly par GNO TV sont en prévente sur www.ticketservices.gr.

La video est disponible jusqu’au 31 juillet 2021. Avec le ticket de 10 euros, le spectateur pourra savourer cette excellente production d’opéra sur nationalopera.gr/GNOTV depuis le confort de son foyer, au moment où il le choisira, sur son ordinateur, son iPad, son téléviseur, voire, son téléphone portable.

L’article L’Opéra National de Grèce lance GNO TV est apparu en premier sur Forum Opéra.

C’est qu’il faut des titans pour rendre acceptable une vision aussi titanesque. Si Roberto Tagliavini, rossinien plus que verdien émérite, offre de Ramfis un portrait trop sage, si Violeta Urmana en Amneris impérieuse manque d’impact lorsqu’il lui faut assommer de notes graves ses adversaires, Grégory Kunde et Liudmyla Monastyrska trouvent là l’occasion de marquer de leurs empreintes gigantesques les rôles de Radamès et d’Aïda.

Faut-il encore s’étonner du parcours et de la longévité du ténor américain ? Rien ne lui semble aujourd’hui insurmontable. Pas même le ridicule de dreadlocks qui font du général égyptien, non un adorateur de Ftha, mais de Bob Marley. D’un « Celeste Aida » en forme de déclaration de guerre jusqu’au duo final, où la voix se risque enfin à d’immatériels piani, chaque note est pensée, assumée, projetée avec violence, sans concession, en accord avec la sauvagerie sur scène des danses imaginées par Michele Costentino.

En 2016, Paris découvrait ébahi Liudmyla Monastyrska dans ce rôle d’Aida. Faire trembler les lustres du Teatro Real est jeu d’enfant lorsqu’on parvient sans mal à emplir la Bastille. Bien qu’il faille s’accrocher plus d’une fois à son accoudoir pour résister aux coups portés, ce n’est pourtant pas la projection qui scotche mais, par contraste, l’émission d’aigus finement et longuement tracés sur le fil de la portée. Douce et véhémente à la fois, impérieuse et soumise, la soprano ukrainienne résoudrait la quadrature du cercle si la diction était moins confuse.

Dans le court rôle d’Amonasro, Gabriele Viviani ne lui cède en rien. La puissance hors du commun, les traits droits augmentés de cet élan pugnace qu’exige le chant verdien font du duo entre père et fille un combat de fauves à la vie à la mort. En roi d’Egypte, Solomon Howard expose un torse à faire pâlir de jalousie Samuel Ramey et une voix d’une autorité conforme à celle présumée d’un souverain.

A la tête d’un chœur et d’un orchestre déchaînés, Nicolas Luisotti tire les ficelles de ce qui s’apparente vite à une gigantomachie. Sa direction ne marche pas, elle court, elle bouscule, elle gifle, sans négliger les raffinements de l’écriture, mais en privilégiant l’urgence du drame, jusqu’à son issue fatale qui loin d’apporter la paix implorée par Amneris nous laisse cloué sur notre fauteuil, haletant, assommé et heureux. 

L’article VERDI, Aida — Madrid est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Ermonela Jaho : 2018, année Thaïs est apparu en premier sur Forum Opéra.

Sélectionnées avec soin et enchaînées dans une succession tourbillonnante qui emplit l’espace, ces projections colorées, réalisées par la société de Sergio Metalli, constitueront tout au long du spectacle, quand le metteur en scène y recourra, un efficace substitut aux moyens exceptionnels que réclame le genre « grand opéra ». Hugo de Ana a choisi de donner à voir, de combler le regard et de séduire par des tableaux évocateurs où le choix des couleurs, la définition de l’aspect, lisse ou hérissé de reliefs, la disposition des éléments du décor dans l’espace, qu’il s’agisse de surfaces pour les bâtiments, d’objets ou de personnes, renvoie à un riche substrat de références picturales dans les genres orientaliste ou troubadour. La gageure sera tenue et l’ensemble de la production est d’un raffinement constant, auquel contribuent même les libertés prises par les costumes quant à l’historicité ou la vraisemblance. Si l’on ajoute que l’enchaînement des scènes avec changement de lieu est obtenu pratiquement sans interruption, à l’exception d’un précipité pour préparer l’espace scénique nécessaire au ballet, par des fondus enchaînés réalisés grâce aux projections sur le rideau de tulle qui masquent les changements en train de s’opérer, on peut dire que cette production est une réussite aussi bien technique qu’esthétique à laquelle les lumières de Valerio Alfieri sont une contribution essentielle.

Pour ses débuts à Paris Verdi veut mettre toutes les chances de son côté et sacrifier à ce qui plaît. Prudemment, il choisit comme Rossini l’avait fait avant lui, de remanier une œuvre ayant fait ses preuves en Italie. I Lombardi alla prima crociata deviendront donc Jérusalem, au prix d’ajustements, ajouts, retraits, déplacements, transpositions, qui en feront une œuvre originale. Le cadre historique reste le même, celui de cette expédition militaire destinée à protéger les chrétiens d’Orient et les pèlerins, toujours plus menacés après la déconfiture de l’armée byzantine en 1071. Quant à l’intrigue sentimentale, elle relève de l’invention pure, mais elle permet de créer des situations de tension propices aux élans lyriques, de la scène initiale, qui refait Roméo et Juliette, à la scène finale, où l’aveu et la mort du coupable ont suscité l’horreur avant de rétablir la justice et l’harmonie, pour la plus grande gloire de Dieu.

Hélène et Gaston (Acte I, scène 1) © Roberto Ricci

Il y a trois grands rôles : le couple d’amants, ténor et soprano, et le méchant, une basse ; trois rôles secondaires, le père crédule – un baryton –, le représentant du pape – une basse –, un écuyer fidèle – ténor – ; et des utilités, une confidente – mezzosoprano –, l’émir de Ramla – basse –, un officier, un héraut et un soldat. L’amant doit avoir de la vaillance mais peu, puisque la scène d’entrée le montre prêt à épouser la fille du meurtrier de son père. Ce guerrier est d’abord un amoureux, puis une victime quand il est injustement accusé, encore une victime quand il est prisonnier à Ramla et toujours une victime quand il subit l’humiliation publique et évidemment toujours amoureux. Son chant essentiellement lyrique doit être souple et capable d’élancements et de tenues. Ramon Vargas a tous les atouts nécessaires, à l’exception des notes les plus aigües, pourtant écrites mais qui lui sont devenues inaccessibles et qu’il a la sagesse de ne pas tenter. Si l’on ne peut nier une certaine frustration, l’élégance générale et la sensibilité de l’interprétation l’emportent. Son intrépide bien-aimée, nouvelle Isabelle partie à la recherche de l’amant disparu, semble avoir assez de caractère pour tenir tête à son père et se lancer dans des aventures peu compatibles avec son appartenance au « sexe faible ». On attend une voix qui traduise l’énergie de cette amoureuse exaltée. Celle d’Annick Massis, dont la performance est indiscutablement digne d’éloges pour la qualité du contrôle de l’émission et les raffinements techniques qui sont sa marque, son filés et trilles compris, nous prive un peu de l’élan, voire du mordant que nous associons au personnage, par exemple dans la scène où Hélène menace l’émir de représailles s’il la maltraitait, probablement en raison de la ténuité du centre et du bas du registre. Leur persécuteur, l’oncle pervers et concupiscent, le comploteur assassin, le calomniateur du premier acte devient dans le second cet ascète en route vers Jérusalem dont la réputation de piété impressionne même les musulmans et dont les pèlerins chrétiens ont fait un saint homme. On ne surprendra personne en disant que Michele Pertusi campe le personnage avec la maestria qu’on lui connaît : d’abord arrogant, brutal et sournois comme il faut, il donne au repenti qui se croit fratricide une humilité non dépourvue de noblesse qui en fait un authentique héros tragique. Certes les graves les plus extrêmes révèlent les limites de sa voix de basse chantante, mais ces quelques secondes ne peuvent entacher une prestation de première grandeur, où l’expressivité du chant a la justesse et la précision qui caractérisent ce chanteur musicien.

On ne s’étendra pas sur le personnage du comte de Toulouse, qui n’évolue guère une fois qu’il est convaincu de la culpabilité de Gaston de Béarn, ni sur le légat du Pape, représentant d’une autorité qui se veut indiscutable. Le baryton Pablo Gàlvez et la basse Deyan Vatchkov y sont aussi dignes que possible, même si leur prononciation du français n’est pas irréprochable. Le personnage de Raymond, l’écuyer fidèle, évolue encore moins, mais le ténor Paolo Antognetti projette sa voix bien timbrée de façon telle que l’on croit à son indignation. Valentina Boi, en suivante d’Hélène, ou Massimiliano Catellani, en émir de Ramla, ont peu d’occasions de laisser leur empreinte.

Il en va différemment du chœur qui recueille un triomphe aux saluts, à juste titre, même si certains contrastes entre piano et forte nous ont semblé un rien outrés, plus destinés à faire montre d’un contrôle virtuose que d’une prescription de la partition, mais après tout il s’agit d’interprétation. La partition utilisée, justement, est celle de l’édition critique établie par Jürgen Selk pour les éditions de l’Université de Chicago et les éditions Ricordi de Milan. Cela nous vaut quelques scènes brèves en plus et surtout le ballet dans son intégralité. Affirmer qu’il nous a passionné serait excessif, mais la chorégraphe Leda Loiodice a empoigné le problème à bras le corps. Grâce aux seize danseurs et danseuses dont elle dispose, elle occupe l’espace scénique de façon continue, sans tomber dans la parodie de ballets mauresques ni les banalités du ballet contemporain, et l’exploit n’est pas mince !

Derniers de la liste mais ô combien essentiels eux aussi, les musiciens de l’Orchestre Philarmonique Toscanini. Ils se montrent d’une plasticité infinie sous la direction millimétrée de Daniele Callegari, qui démontre une fois de plus quel grand chef d’opéra il sait être, tant il contrôle l’intensité sonore pour soutenir les chanteurs tout en la relevant en un instant pour maintenir la tension. Il cisèle les procédés d’écriture qui constituent des « constantes » verdiennes qui se retrouveront dans les œuvres du futur, et on ne perd rien des réminiscences peut-être accidentelles de Norma ou d’opéras de Meyerbeer. Sa direction est tout à la fois précise, équilibrée et lyrique, et ce n’est que justice s’il est lui aussi acclamé au rideau final. Prophète en son pays, Michele Pertusi triomphe à l’applaudimètre mais au-delà des succès personnels, cette communion dans l’amour de Verdi qui rassemble un public international ne laisse pas de réconforter car elle transcende les frontières. On pourra peut-être la voir à l’œuvre à Monte-Carlo, coproducteur d’un spectacle incontestablement réussi.

L’article VERDI, Jérusalem — Parme est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Débuts réussis pour Daniela Barcellona en Dalila est apparu en premier sur Forum Opéra.