Le récital qu’ils ont construit est riche et permet au public de retrouver telle ou telle page bien connue, mais aussi et surtout de découvrir des œuvres d’un réel intérêt. On n’énumérera pas chacune des 18 mélodies et lieder retenus pour n’en retenir que quelques coups de cœur.

Notre mezzo excelle dans Fauré, et Paradis (qui ouvre La chanson d’Eve), ample mélodie dont les huit strophes enchaînées renouvellent l’accompagnement, en est une démonstration magistrale. La voix est chaude, aux aigus dorés et au médium et au grave opulents, la conduite, le soutien et l’articulation sont admirables, avec une rare intelligence du texte. Ajoutez à cela l’ardeur, la conviction et vous comprendrez notre enthousiasme. Plus tard, nous retrouverons un tout autre Fauré, plus jeune, romantique, à travers ses trois mélodies, bien connues, de 1897. « Ta rose de pourpre à ton clair soleil », avec sa ligne de chant séduisante et simple, ses phrasés ciselés, son accompagnement intense, parlent avec émotion à chacun. Les deux suivantes, sur des poèmes d’Armand Silvestre, (Le voyageur, puis Automne) enfiévrées, sont servies par une voix rayonnante et un piano puissant, généreux. C’est sur « Après un rêve », du tout premier Fauré, que s’achèvera le récital. Le souffle est long à souhait pour exprimer la tendresse élégiaque, ardente et inquiète. Indéniablement une interprétation inspirée, aussi mûrie qu’animée, qui s’inscrit dans la meilleure tradition du chant français, la jeunesse en plus, servie par deux musiciens talentueux.

La variété des autres œuvres appellera une caractérisation fine de chacune. Nos musiciens ont du tempérament. Les quatre lieder de Clara Schumann (deux sur des textes de Geibel, les deux autres, de Heine), sont de belle facture. Rien ne permet d’imaginer qu’ils sont de Clara tant l’écriture est semblable à celle de Robert. C’est l’occasion pour notre mezzo de confirmer ses qualités de germaniste (un Liebeszauber, ardent). Nous sommes mauvais juge pour apprécier le russe de ses trois romances de Tchaïkovsky, mais tout semble réuni, non seulement la langue, mais aussi la tendresse mélancolique de C’était au début du printemps, la langueur de la valse lente (Au milieu d’un bal), et la joie débridée, ensoleillée de l’Italie (Pimpinella). Qu’à cela ne tienne, l’espagnol des Dos Canciones de Ginastera est vrai. L’Espagne encore pour le bis, particulièrement bienvenu, mais en français (Musset) : un boléro chargé d’humour, Madrid, d’une autre polyglotte, Pauline Viardot, qui retrouve enfin sa place parmi les grandes compositrices. Auparavant, une belle découverte : les trois mélodies d’Enesco, s’achevant sur Soupir (de Sully-Prudhomme), dont on ne connaissait que la version de Duparc.

Evidemment, malgré tout son art d’un accompagnement qui a retenu les leçons des meilleurs, le piano méritait bien de s’exprimer seul. La romance connue de Tchaïkovsky (De nouveau seul, qui ferme le recueil des 6 de 1893), porte bien la marque de la résignation et de la solitude, bref le pathos d’un piano profond, se voit suivie peu après d’une insertion inattendue au programme, surprise souriante : le Frühlingslied de Schumann, dont la grâce, la délicatesse sont remarquablement illustrées, clin d’oeil à tous les pianistes amateurs qui ont travaillé les Romances sans paroles, ou certaines d’entre elles.

On sort ému et ébloui. Une authentique révélation que ces interprètes inspirés, totalement investis, dotés de moyens rares comme d’une constante intelligence. Nul doute qu’une belle carrière s’ouvre à eux.

(*) Littéralement « grand magasin », de fait l’ancienne douane, construite à la fin du XVe S, modifiée jusqu’au XVIIIe, en plein cœur de la vieille ville, c’en est le plus ancien bâtiment public, classé.

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C’est toujours un bonheur de réécouter ce Carnaval romain, particulièrement par l’Orchestre symphonique de la Monnaie. Évidemment, l’allegro con fuoco initial, étourdissant jusqu’à l’ivresse sonore, la saltarelle, mais aussi le magnifique solo de cor anglais, avant le brillant retour de l’atmosphère du début, nous ravissent. La réalisation en est fascinante, par un orchestre enfiévré, toujours précis et coloré comme contrasté, sous la baguette inspirée d’Alain Altinoglu.

Il en ira de même pour le plus célèbre des deux concertos pour violoncelle de Saint-Saëns, servi par Edgar Moreau, que l’on ne présente plus. Son aisance souveraine lui permet de restituer avec vérité la large palette expressive qu’appelle l’ouvrage. Pour autant, malgré la beauté de tel ou tel mouvement, malgré la poésie, la plénitude, la profondeur et la virtuosité des partenaires, l’émotion reste en deçà, liée à l’écriture même du concerto.

Peer Gynt – servi magistralement – va enthousiasmer le public, ravi de retrouvailles émouvantes après une absence relativement longue. Dérobade, fuite, mensonge, abandon ou trahison d’Ingrid, la fille du Roi de la Montagne, Solveig…, Peer Gynt, immature, fanfaron, ne mérite pas qu’on s’y attache. Au terme de ses errances exotiques, son voyage initiatique le ramènera, âgé, pour mourir au pays dans les bras de la fidèle Solveig.
Les deux suites que tira Grieg de l’abondante musique de scène écrite pour le drame d’Ibsen sont familières à l’auditeur. Pour autant, l’organisation des pièces retenues ce soir l’aura surpris, malgré sa cohérence (*). Le prélude (la fête de mariage), outre qu’il annonce les thèmes qui nous sont chers, comporte en son centre un solo qui renvoie à la tradition norvégienne (violon Hardanger, avec cordes sympathiques dans sa facture originale) ici confié à l’alto solo, magnifique. Avec la souplesse, la dynamique, l’énergie et la poésie qu’on lui connait, Alain Altinoglu, va rendre leurs couleurs originelles à ces pages bien connues, parfois galvaudées.
La première chanson de Solveig est dans toutes les mémoires. On découvre avec bonheur Sofia Nesje Enger, jeune soprano norvégienne, aux débuts très prometteurs, même si elle s’est essentiellement produite dans les pays scandinaves. Pour ignorant que nous sommes des langues de l’Europe du Nord, c’est déjà un bonheur de l’écouter dans sa langue maternelle, avec ses sonorités, ses intonations et ses accentuations. Alors que nous sommes familiers de sopranos légers, aux voix cristallines, pour chanter Solveig, la nôtre lui prête une voix charnue, riche en couleurs, dont elle use avec conviction. Il en ira de même de la seconde chanson, plus rare, d’une douceur plaintive, tendre avant que l’exaltation gagne. Une voix que l’on aurait plaisir à réentendre.
Entre les deux, des pages bien connues, restituées avec leur fraîcheur initiale, leur émotion, leur élégance, leur vigueur (L’enlèvement de la mariée). Pour conclure, la poursuite de notre anti-héros par les trolls (Dans l’antre du Roi de la montagne), traduite par un immense crescendo (ici accelerando), prémonitoire du Boléro de qui vous savez, gagnera tout l’orchestre, paroxystique.
Une belle soirée, ovationnée par le nombreux public, conquis.

(*) L’ordre, que nous découvrons, trouve son origine dans une suggestion qui fut proposée au chef pour un concert qu’il dirigeait à Göteborg. S’il ne suit ni la trame du drame d’Ibsen, ni l’ordre de chacune des suites que Grieg tira de la musique de scène, il est particulièrement efficace et bienvenu.

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Pour l’introduire, la célébrissime Chevauchée des Walkyries, de presqu’un siècle antérieure. L’orchestre, au grand complet, nous donne une grande et belle leçon : la dynamique, les couleurs, la clarté nous emportent dans un déferlement irrésistible, d’une virtuosité rare.

Octogénaire, exilé, témoin impuissant de l’écroulement d’un monde, Strauss nous lègue en 1948 ses Quatre derniers lieder, œuvre crépusculaire et sereine, qui se réfugie dans l’intimité, fuyant l’histoire qui le rattrape. L’exaltation post-romantique s’est assagie, décantée, sublimée, pour la quintessence du chant straussien. « Inchantables » répondait Carlos Kleiber à Felicity Lott qui rêvait de les chanter.

Il est vrai que les prouesses vocales requises sont inouïes, sans exhibitionnisme, mais avec expressivité.
Frühling renvoie à la jeunesse avec son frémissement printanier. L’orchestre palpite d’effusions contenues, toujours transparent, cordes, bois et les quatre cors tissant une parure somptueuse à la voix. C’est le rêve, l’extase langoureuse ( ! ) avec la plénitude de la seconde strophe. Le registre grave, très sollicité, est somptueux. Dans la descendance de Jessye Norman, qui les grava il y a quarante ans, Masabane Cecilia Rangwanasha nous en offre une version aussi envoûtante qu’opulente. Sa voix impressionne, par sa large tessiture, par sa dynamique et la conduite de la ligne, par sa puissance aussi. Une vraie straussienne, comme il en existe peu.
September, c’est l’abandon hédoniste, avec le figuralisme des flûtes (des gouttes tombant de feuille en feuille). La voix survole, s’enlaçant à l’orchestre, sa longueur impressionne, particulièrement dans l’ultime phrase. Beim Schlafengehen, berceuse en crescendo (« l’âme va planer, libre enfin, et vivre mille vies ») est empreint de lassitude sensuelle, chambriste à certains égards. Les aigus subtilement dosés, un orchestre qui scintille, le solo rêveur du violon (« sehr ruhig ») de Sylvia Huang, le discret célesta, les cors, la soif d’apaisement distillent l’émotion la plus juste.
Avec Im Abendrot, la vision se fait crépusculaire. On atteint à la plénitude extatique, infinie, au mystère ineffable, à la transparence, à l’engourdissement ultime et apaisé, avec quelques gazouillis d’oiseaux. « Est-ce donc cela, la mort ? »

Malgré l’orchestre nombreux, la direction installe une forme d’intimité profonde, quasi chambriste, qui sert et magnifie le chant. Même si Strauss écrivit directement pour orchestre, quelle que soit la beauté de sa parure, ce dernier n’est pas le centre de gravité de l’ouvrage. Le poids des mots, la poésie imagée de Hermann Hesse, et le couronnement d’Eichendorff pour finir, la langue est essentielle et participe à l’émotion. Non seulement le sens qu’elle véhicule, mais aussi sa sonorité, ses couleurs, inflexions et accents. Si la voix est à l’écoute du texte, notre cantatrice n’est pas germanophone de naissance, et c’est là qu’il faut chercher l’extrême limite de son interprétation poignante, où le chant écrase parfois le mot. Les couleurs de la langue, ses consonnes sont appliquées, sans toujours convaincre. Ce sera notre unique réserve que seuls les germanophones – nombreux à Colmar – ont pu partager, sans occulter les qualités exceptionnelles de son chant. A-t-on jamais écrit plus bel adieu à la vie ? Le postlude orchestral, diminuendo, infini, est suivi d’un long silence, qui est encore musique, avant que le public ose exprimer son bonheur, durablement et avec ferveur.

Le fracas du monde nous est rappelé par Also sprach Zarathustra, écrit soixante ans auparavant. « …Nous étions des somnambules : nous voulons devenir des rêveurs éveillés et conscients » écrivait Strauss en exergue à la partition. Le spectaculaire lever de soleil, avec les quatre trompettes et les timbales, sur le trémolo des contrebasses, avec le contrebasson et l’orgue à l’unisson, est dans toutes les oreilles. Pour autant, le poème symphonique n’est pas si fréquent dans nos salles de concert, et ses huit mouvements, le plus souvent enchaînés, offrent tout ce dont l’écriture straussienne est capable. La virtuosité, la luxuriance d’une orchestration somptueuse font toujours très forte impression.
La dynamique, le flux, les couleurs, tout nous ravit, animé par une direction admirable d’engagement et d’attention. Par-delà la fascination propre à cette page grandiose, l’observation attentive de tel ou telle musicien-ne permet d’affirmer que tous se donnent totalement à cette interprétation-communion magistrale. La salle observe un long silence recueilli après le triple piano apaisé des vingt dernières mesures, avant d’acclamer les interprètes.

Un concert d’une intensité exceptionnelle pour une ouverture de festival réussie et prometteuse.

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Dix jours (du 5 au 14 juillet), dix concerts de prestige à l’Eglise Saint-Matthieu, avec des solistes internationaux propres à réjouir tous les amateurs de musique. Bruxelles (La Monnaie), Bamberg, Bâle, Mulhouse, les orchestres se produiront dans le grand répertoire, les formations chambristes s’en donneront à cœur joie, les récitals mobiliseront de Lucie Boulanger à Gregory Sokolov… On renonce à énumérer le programme tant il est généreux. Les amateurs de voix se retrouveront plus particulièrement au concert d’ouverture (avec les Quatre derniers lieder de Strauss, confiés à Masabane Cecilia Ranhwanasha), au récital de mélodies de Léontine Maridat-Zimmerlin, et au concert de clôture, festif, qui réunira la famille de Natalie Dessay au grand complet pour un Broadway Family Show, avec des musiciens complices autour de Yvan Cassar.

(crédit photo : © FIC -Bertrand Schmitt)

Programme détaillé sur Festival international de Colmar

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Apparemment loin des générations précédentes, de Canteloube (bien qu’il ait déjà arrangé les trois chansons françaises du recueil), de Maurice Emmanuel et autres folklorisants de talent, sinon de génie, Berio, « pour rendre hommage à l’intelligence vocale de Cathy Berberian… » écrit à son intention, en 1964, ces Folk Songs, « sorte d’anthologie formée par 11 chants populaires […] interprétés rythmiquement et harmoniquement » (2). Pour faire court, rappelons que la chanteuse, alors mariée au compositeur, et disparue prématurément, a été autant une fabuleuse Messagère (dans l’Orfeo dirigé par Harnoncourt) qu’une prodigieuse interprète et promotrice de la musique vocale la plus audacieuse de la seconde moitié du XXe S (de Berio, Sequenza III, Stripsody etc., de Cage, de Bussotti). Un peu comme Jacqueline Dupré et Daniel Barenboim, Luciano Berio et Cathy Berberian formèrent un des couples les plus attachants de la musique. Ils auraient eu cent ans cette année (3). Le programme a été conçu pour réunir tous les interprètes, à la fois dans ces Folk Songs, comme dans la création qui suivra.

Depuis plus de dix ans, Nora Gubisch a inscrit les Folk Songs à son répertoire. Elle les a enregistrés avec son mari en un remarquable album (pour Naïve). Evidemment elle les chante par cœur, et se délecte des textes, quelle qu’en soit la langue. La voix est ample, chaude, égale, et – surtout – le bonheur de chanter manifeste, communicatif. A la harpe, fidèle accompagnatrice, vont s’associer tel ou tels instruments, en fonction du texte et des couleurs requises, pour des textures résolument modernes qui s’accordent à la fréquente modalité des mélodies. Si la partition fourmille d’indications techniques encadrant l’interprétation, jamais celle-ci n’apparaîtra corsetée : c’est au contraire la liberté que l’auditeur retient, comme si l’improvisation gouvernait le tout. Enchaînées, les onze chansons forment un authentique ensemble, et, à l’égal d’un cycle, interagissent. Il faudrait tout citer… Le Ballo (Italie) endiablé, avec son articulation instrumentale de la voix, est un bonheur (il sera repris en guise de bis). La plainte poignante du Motettu de tristura (Sardaigne) et ses effets singuliers de la harpe, de l’alto et du violoncelle, le chant lancinant nous émeuvent. La jovialité malicieuse et dansante de Malurous qu’o uno fenno, le petit bijou de Lo fiolaire et ses « lirou, la diritou » coquins, tout prépare l’ultime pièce, un chant d’amour d’Azerbaïdjan, cher à sa dédicataire et créatrice, Cathy Berberian. La complicité chaleureuse des interprètes, l’engagement total de la soliste n’appellent que du bonheur ému. Empruntons au programme de salle : « … Tout un théâtre sonore au service d’une voix caméléon, qui passe du murmure à la plainte, du cri brut à la tendresse suspendue ». Tout est dit.

Toute création suscite chez l’auditeur à la fois une attention redoublée et la recherche de références – œuvres antérieures du compositeur, écriture etc. – qui induisent une sévère concentration. Ce soir, rien de tel. Cinege madar – commande du Festival – due au clarinettiste-compositeur Raphaël Sévère, relève pratiquement du théâtre musical.  La mélodie simpliste qu’émet tout d’abord la chanteuse trouve son écho dans le gag : semblant perdue dans sa partition, elle cherche vainement à interrompre les musiciens et le chef… La fantaisie hilarante, voire loufoque, qui préside au jeu de chacun – au plein sens du terme – ne doit cependant pas occulter l’écriture soignée de la pièce. Empruntant à tous les répertoires, à tous les styles, de la musique traditionnelle au jazz, au rock, à la musique savante du dernier siècle, elle entrelace efficacement ses sources d’inspiration. Si l’inculture du rédacteur en matière de musiques de variétés et de rock lui interdit d’identifier la plupart des citations ou allusions que le compositeur a invitées à dessein, le public ne s’y trompe pas, qui adhère pleinement à la démarche. A savourer et à méditer !

(1) Le programme est intitulé « Carte blanche à Alain Altinoglu ». Leonard Bernstein, Daniel Barenboïm, dans l’esprit desquels s’inscrit son action, et bien d’autres, pratiquèrent cette formule, un peu oubliée, porteuse d’un esprit complice, intime et chaleureux. 
(2) Dont deux « populaires dans l’intention », composés par Berio. 
(3) Opéra Magazine, dans son numéro de juillet-août (pp.28-31) rend un bel hommage à Cathy Berberian.

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Le concert dédié à Vivaldi, que nous valent le Concert de la Loge Olympique (1), Julien Chauvin qui le créa voici dix ans déjà, et Tim Mead, a rempli l’église, et la qualité d’attention aura été singulière. En témoignera, le long silence qui suivra la dernière note de l’aria Sovvente il sole, que chantera le contre-ténor, avant de chaleureuses ovations.

Le programme fait alterner avec bonheur sinfonia, sonate en trio et concerti avec les trois œuvres confiées au contre-ténor. Les quatorze musiciens (2) que dirige notre violoniste-chef, tous également engagés, virtuoses accomplis, ne font qu’un. Se distinguent, naturellement, le concertino comme les solistes, Julien Chauvin et Hanna Salzenstein, éminente violoncelliste, dont on appréciera, outre la virtuosité, la belle cantilène du mouvement central du dernier concerto, intime avec les seuls théorbe et clavecin. Les qualités de Julien Chauvin sont connues, tant comme violoniste que comme chef, transfusant dynamique, couleurs, agilité à chacun des musiciens et l’on ne détaillera pas le bonheur de leur écoute. L’énergie, les contrastes, la poésie, la légèreté, la plénitude comme les tensions, tout Vivaldi est là. Particulièrement l’esprit, avec une ambition expressive constante.

Présente-t-on encore Tim Mead ? Entre les premiers rôles des opéras baroques et George Benjamin, son répertoire, et – surtout – ses éminentes qualités l’ont conduit à travailler avec les chefs et les institutions les plus prestigieuses (3). Les trois œuvres inscrites au programme, pour être familières des amateurs de musique baroque, sont autant de moments de bonheur et d’émotion. L’égalité des registres, la projection, la pureté d’émission, la suprême aisance qui lui permet de se jouer des traits les plus redoutables, la vérité de son chant fascinent. Ajoutez à cela mille détails qui le distinguent des versions connues (4) et vous aurez compris notre jubilation. Le Cessate, omai cessate est un régal. On en retiendra le larghetto (Ah, ch’infelice sempre mi vuol Dorilla ingrata) dont la longue illustration de lagrimar s’avère aussi juste qu’émouvante. Après la plénitude de l’introduction orchestrale de l’aria Sovvente il sole, la délectation du chanteur à dire son texte, les arabesques que tisse le violon avec le chant, c’est le ravissement. On ne décrit pas le Nisi Dominus, véritable tube baroque. Certes, ce n’est pas la viole d’amour, mais le violon de Julien Chauvin, qui dialogue avec la voix du Gloria Patri, mais le plaisir n’est pas moindre tant les deux lignes se conjuguent à merveille. Quant à l’Amen conclusif, jubilatoire, c’est le feu d’artifice, à peine anticipé (nous sommes le 13 juillet).

Oubliées les préventions de certains, pour lesquels l’approbation populaire, et la prétendue facilité d’écriture de Vivaldi le réduiraient à un rôle de bateleur. La prodigieuse invention mélodique (dont la Folia est la meilleure démonstration, alors que c’est son opus 1), le renouvellement, l’art des contrastes, auront été magistralement servis ce soir. Les longues ovations d’un public enthousiaste lui valent deux bis. On attendait Vivaldi….Le premier fut français,, ni chauvin ni timide : une contredanse de Rameau (Les Fêtes d’Hébé), avant que soit repris l’Amen du Nisi Dominus. Le bonheur en partage.

• 1. On se souvient non sans émotion de l’injonction du Comité olympique français (CNOSF) menaçant de poursuites l’ensemble fondé par Julien Chauvin, au motif imbécile que l’organisation sportive serait seule habilitée pour l’usage du vocable... ce qui conduisit le chef à renoncer, faute de moyens financiers permettant de contester ce diktat. Où sont, en dehors de la Charte olympique, les valeurs de « compréhension mutuelle, l'esprit d'amitié, de solidarité et de fair-play »  ?
  2. De fait, seuls deux musiciens (le théorbiste et le contrebassiste), pour 12 musiciennes. On se prend à imaginer le Prêtre roux et ses élèves de l’Ospedale della Pietà.
  3. Nous le retrouverons au Teatro Massimo de Palerme, (5, 7, 9 et 12 Octobre), pour le Mitridate Eupatore, d’Alessandro Scarlatti, que dirigera Giulio Prandi.
  4. Ainsi, le sol grave (au diapason ancien, bien sûr) profond, bien timbré, sur lequel s’achève la partie centrale du Cessate, omai cessate. On pourrait multiplier les exemples.

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Qui n’y trouverait son bonheur ? 25 concerts en quatre lieux, des affiches prestigieuses, où les solistes (Yuja Wang, Grigory Sokolov, Gautier Capuçon, Viktoria Mullova et autres grandes pointures), les orchestres (sept ensembles orchestraux, dont le symphonique de la Radio de Francfort), les formations de musique de chambre, les inclassables aussi, vont dispenser les émotions et les joies auprès du plus large public. Les master-classes, le Symphonic Mob (qui réunit les musiciens de l’Orchestre national de Mulhouse et les amateurs), les animations variées compléteront le tableau.

Petit regret : seuls deux concerts font appel à la voix. Le 12 juillet, Tim Mead et le Concert de la Loge, de Julien Chauvin, joueront et chanteront Vivaldi (« Cessate, omai cessate » et le Nisi Dominus). Le 14, la Carte blanche à Alain Altinoglu sera l’occasion pour Nora Gubisch de chanter les Folk songs de Berio. Chacune de ces manifestations justifierait à elle seule le déplacement à Colmar.

Tous les détails : https://www.festival-colmar.com/fr/

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Toutes les deux saisons, l’OnR passe commande d’une œuvre nouvelle. Après Les rêveurs de la lune d’Howard Moody en 2022, Didier Puntos  propose une partition sensible au langage très accessible, indéniablement contemporain mais toujours au service de la narration et des émotions des personnages.
Le compositeur alterne direction et piano à quatre mains avec un choix de l’instrumentarium particulièrement pertinent car les percussions comme les clarinettes de l’excellente Garance Murard complètent idéalement le clavier pour installer des atmosphères prenantes entre cauchemars et poésie. Les couleurs changeantes, le flux sonore continu mais très rythmique nous projettent très efficacement dans l’histoire si visuelle de l’album original.
Le public d’enfants ne s’y trompe pas qui s’immerge immédiatement, hilare ou retenant son souffle, dans les facéties du plateau d’excellente tenue offert par les jeunes artistes de l’Opéra Studio.

Il faut dire que le librettiste, Gilles Rico, endosse également la casquette bicéphale de metteur en scène. Il est évident qu’il a écrit en pensant déjà au rythme de l’action. Le duo qu’il forme avec Jean-Philippe Guilois a particulièrement soigné la direction d’acteur : les cinq solistes font merveille dans un décor en forme de livre « pop-up » imaginé par Philippine Ordinaire et qu’ils transforment à vue. Joyeux et vibrionnants, ils sont très à l’aise en dépit d’une partition exigeante. Ils assument la dimension « cartoonesque » de leurs personnages encore accentuée par les costumes imaginés par Violaine Thel – clin d’oeil aux habits de poupée en papier découpé -.
Guidés par la très convaincante Cathy Bernecker en narratrice/marraine-fée, la jeunesse est ici à la manœuvre puisque les impeccables musiciens sont ceux de la Hear* pérennisant ainsi un partenariat qui dure depuis huit ans, tandis que les solistes sont tous issus de l’Opéra Studio de l’OnR. Formé pour une ou deux années à Colmar, ils viennent du monde entier pour donner vie à l’univers si merveilleusement fantasque du grand illustrateur alsacien.

La soprano uruguayenne Ana Escudero a été formée dans son pays avant d’intégrer la Maîtrise de Notre-Dame de Paris, d’où son français impressionnant de naturel. Incarnant le personnage principal, elle évoque immédiatement l’Enfant et les Sortilèges par sa présence vive en parfaite adéquation avec un joli timbre frais et juvénile qui mériterait de plus jouer des nuances.
Elle commence sa seconde année au sein de l’Opéra Studio tout comme sa comparse Camille Bauer, au beau mezzo-soprano chaud, très legato, sonore sur l’ensemble de la tessiture.

Toutes deux donnent la réplique à l’excellent Carlos Reynoso qui vient d’intégrer la structure, fort d’une expérience scénique déjà conséquente. Comédien engagé dont l’énergie bougonne n’est pas sans évoquer celle d’un Joe Dalton, il bénéficie d’une voix charnue aux couleurs raffinées. Notons que le baryton mexicain est également le fondateur de « Ópera : Nuestra Herencia Olvidada » – Opéra : notre patrimoine oublié – une compagnie œuvrant à la promotion de l’opéra de son pays. Avec elle, il a enregistré des chansons inédites pour voix et piano de Cenobio Paniagua compositeur d’opéra du XIXe siècle.

Les deux autres brigands, ont plus de difficulté avec la prosodie française qui se teinte d’un accent assez charmant tout en restant clairement compréhensible. Le baryton-basse polonais Michal Karski a déjà beaucoup pratiqué la scène, il régale de son timbre ample et sensuel projeté avec générosité.
Il est plein d’humour et de drôlerie, tout comme Massimo Frigato dont le ténor s’avère un peu contraint dans un medium assez mat.
Ces artistes sont à retrouver au fil de la saison de l’OnR dans Peer Gynt, La Traviata ou encore Brundibár.
Avant cela, ils écumeront l’Alsace et le Grand Est avec ce nouvel opus d’« Opéra Volant », forme légère permettant de diffuser le répertoire lyrique sur l’ensemble du territoire. Une proposition portée par l’Opéra national du Rhin pour la quatrième année consécutive.
Ainsi les Trois Brigands voyageront-ils jusque fin janvier dans la région pour quinze représentations. Outre Colmar, Mulhouse et Strasbourg, ils seront également à l’affiche à Saint-Dizier, Sarre-Union, Vogelgrun et Sainte-Marie-aux-Mines.

* Haute Ecole des Arts du Rhin

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