Créé en 1750 au Covent Garden, Theodora fut l’un des plus grands échecs de la carrière de Haendel. Notre époque s’est bien rattrapée : les enregistrements se multiplient et à peine une saison passe sans que l’oratorio soit à l’affiche. Raphaël Pichon et Krzysztof Warlikowski en donneront ainsi une nouvelle version, très attendue, début 2027 à Genève. Ce soir, la production ouvre l’étape européenne d’une tournée de huit villes, partie du Teatro Colón de Buenos Aires, qui s’achèvera à Londres et fera l’objet d’un enregistrement pour Harmonia Mundi.
Notre seule réserve, ou presque, concerne la mise en espace de Thomas Guthrie, qui semble ici incomplète : l’exiguïté du plateau de la salle Gaveau l’explique sans doute. Faute de surtitres, les spectateurs qui ne connaissent pas l’œuvre devront s’appuyer sur le programme pour suivre l’action. Pourtant, même réduite au minimum, cette version semi-scénique, aux beaux éclairages, suffit largement. Le chœur reste certes derrière l’orchestre, alors qu’il se déplaçait lors des concerts sud-américains, mais les chanteurs, eux, jouent l’action. On sent d’ailleurs que la tournée a fait son œuvre : les solistes ont eu le temps de mûrir leurs rôles, et tous chantent par cœur, ce qui libère le jeu autant que la voix.
Christophe Rousset dirige la partition avec un sens des contrastes remarquable, sans aucune précipitation. Il laisse les silences s’installer entre les scènes, et la tension ne retombe jamais : l’ouverture, superbe, en donne d’emblée la mesure. Le chef français sait ménager le suspense, comme en témoignent les crescendos dramatiques qui ferment les deux premières parties. L’architecture et l’écriture haendéliennes sont bien servies : soutien attentif aux chanteurs, netteté de la polyphonie du chœur. Rousset laisse ainsi l’ensemble respirer et l’émotion s’installer peu à peu, jusqu’à une conclusion qui bouleverse.
Sans surprise, le Monteverdi Choir est l’un des points forts de la soirée. Sa lisibilité, sa transparence, la netteté de la diction et la clarté du contrepoint sont exemplaires. Dans les pages de recueillement, l’intensité naît de la densité collective du son plutôt que de l’effet. Les English Baroque Soloists, emmenés par la violoniste Charlotte Spruit, méritent les mêmes louanges : excellence technique et souplesse de jeu, au service d’une sonorité toujours maîtrisée.
Marie Lys incarne une Theodora toujours digne et sans pathos. La voix est pure mais nourrie du grave à l’aigu, le style haendélien impeccable. Musicalement, elle sert la partition mieux que ne l’ont fait récemment à Paris Lisette Oropesa ou Lea Desandre. Ce qui séduit, c’est l’attention au texte et une émotion toujours retenue, jusque dans l’abandon de « With darkness deep ». Iestyn Davies connaît son Didymus sur le bout des doigts. La projection est royale, et les années ont à peine entamé le registre grave. Quelle démonstration de style, de diction, d’investissement : sa voix s’accorde pleinement à celle de Marie Lys dans des duos bouleversants, dont « To thee, thou glorious son of worth » au deuxième acte, et il atteint une intimité suspendue dans « Sweet rose and lily ».
Alice Coote est, en Irene, un torrent d’émotions, malgré des respirations parfois trop fréquentes qui hachent la phrase. Dans les récitatifs, sa seule présence suffit à émouvoir. Le legato est magnifique, l’extrême grave profond et moelleux, et le da capo de « Defend her, Heaven » laisse la salle sans voix. John Chest est un Valens à la déclamation incisive, au timbre riche, qui évite la caricature, quitte à perdre un peu de venin dans ses dernières interventions. Guy Cutting, en Septimius, est un parfait ténor haendélien anglais, qui mêle délicatesse et virtuosité (superbe « Descend, kind pity ») et complète une très belle distribution.
