L’opéra est affaire de rencontre, entre un chanteur et un répertoire, un rôle, un public, un auditeur. A l’orée des années 2000, Vivaldi, éperonné par Cecilia Bartoli, amorçait sa renaissance – freinée depuis dans son élan, faute peut-être d’un langage scénique capable de rendre leur force théâtrale à ses drames lyriques. Le Fondo Foà-Giordano, la Bibliothèque nationale universitaire de Turin, ouvrait grand ses archives. Artistes, chefs d’orchestre, producteurs discographiques s’emparaient de partitions laissées en jachère depuis plus deux siècle. En octobre 2003, le Théâtre des Champs-Elysées affichait en version de concert Orlando Furioso – qui, pour le Vivaldien en herbe que nous étions alors, se limitait à l’enregistrement de Claudio Scimone avec Marylin Horne en ébullition dans le rôle-titre. La stupéfaction ne vint pourtant pas du fameux « Nel profondo cieco mondo » chanté au premier acte par Orlando mais quelques numéros plus loin, de l’aria de Ruggiero, « Sol da te, mio dolce amore », confié par Scimone à un baryton, Sesto Bruscantini. Jean-Christophe Spinosi, le directeur musical du concert parisien, avait pris une autre option.
Sur la scène du Théâtre des Champs-Elysées, un jeune homme intimidé, un peu raide, comme échappé d’un pensionnat londonien, entamait avec la flûte traversière un dialogue que la pureté de son timbre de contre-ténor rendait céleste. Philippe Jaroussky était né à nos oreilles. Vivaldi, mieux qu’un autre compositeur, révélait deux versants de son art : la ductilité et l’intensité.
Le disque, en sus de la scène, devait prolonger l’enchantement en consacrant à plusieurs reprises l’union du chanteur et du musicien, à travers des intégrales – Orlando Furioso évidemment, La verità in cimento ; Griselda ; La fida ninfa ; Ercole sur Termodonte… – mais aussi plusieurs albums. Heroes en 2006 proposait un florilège d’airs d’opéras vivaldiens. Virtuoso Cantatas en 2005 abordait la face chambriste de cette musique ; Pietà, enregistré en 2014 avec Diego Fasolis et I Barocchisti, sa dimension sacrée.
Retourner aux Champs-Elysées plus de vingt ans après cette révélation, pour un récital que Philippe Jaroussky a choisi d’intituler « Il mio Vivaldi », c’est prendre le risque de se confronter à ces souvenirs, forcément infidèles car lacunaires et embellis par le temps.
Au sein d’un programme généreux, scindé entre musique sacrée et profane, trois concertos aménagent une respiration bienvenue pour offrir au chanteur un temps de repos. Ces pages instrumentales montre combien le langage de Vivaldi est familier à l’ensemble Artaserse. L’emploi d’instruments d’époque allège la texture et laisse entendre le détail de l’écriture. Par-delà le souci d’authenticité, la netteté de l’articulation, le respect des dynamiques, la riche palette de timbres en dépit du nombre réduit d’instruments, se placent au service du chant.
Le Théâtre des Champs-Élysées est-il pour autant l’écrin idéal des pièces à caractère religieux ? Si théâtrale soit-elle, la prière du Stabat Mater appelle davantage de recueillement et le Nisi Dominus plus d’intimité. Cette dernière œuvre convient mieux à Philippe Jaroussky. La voix a eu le temps de s’échauffer et l’écriture épargne un registre grave en retrait. Au cœur de la partition, le célèbre « Cum dederit » sert de faire-valoir à un art du chant, unique lorsque, porté par un souffle inépuisable, il flotte en apesanteur sur des cimes séraphiques.
De tels instants de poésie jalonneront la deuxième partie. La grâce survient dès que la musique consent à décoller du sol pour offrir toute latitude à la voix de se déployer. Si la virtuosité demeure suffisante pour assumer le débit rapide des vocalises, si la musicalité reste exemplaire, l’artiste s’épanouit avec moins de conviction dans des airs de fureur étrangers à son tempérament. Il faut à Philippe Jaroussky l’exigence de la contemplation pour que s’imposent la pureté des sons, la précision du trait, la beauté du legato. C’est alors que l’on retrouve ses deux signatures vivaldiennes, la ductilité et l’intensité. Celles-ci s’expriment aussi dans « Gelido in ogni vena », air que l’on aurait pu croire trop dramatique pour une voix éthérée, mais qui s’incarne avec assez de force pour donner à ressentir le frisson de la terreur. « Bravo ! » s’écrie un spectateur à peine éteinte la dernière note de l’aria, aussitôt submergé par des brassées d’applaudissement. Plus de deux décennies après l’onde de choc d’Orlando Furisoso dans ce même théâtre, la magie de la rencontre entre le contre-ténor et le compositeur italien continue d’opérer, envers et contre le passage des ans.
