A

• Agustarello Affre (1858-1931), le Tamagno français par Laurent Bury
• Francisco Araiza (1950), rossinien, vous êtes sûr ? par Christophe Rizoud

B

• Piotr Beczala (1966), le ténor que l’on n’attendait pas par Christophe Rizoud
• Carlo Bergonzi (1924-2014), Verdien devant l’Eternel, par Laurent Bury
• Yann Beuron (1969), ou « rien n’est grave » par Sonia Hossein-Pour
• Rockwell Blake (1951), l’absolue technique  par Jean-Philippe Thiellay
• Franco Bonisolli (1938-2003) ou l’immense gâchis par Julien Marion

C

• José Carreras (1946), le troisième dieu du stade par Christophe Rizoud
• Franco Corelli (1921-2003), le prince triste par Sylvain Fort
• Guy Chauvet (1933-2007), le dernier Enée français par Laurent Bury
• Richard Croft, le noble éclat du tourment par Guillaume Saintagne
• José Cura (1962), le ténor qui est aussi chef d’orchestre, metteur en scène, décorateur, costumier, éclairagiste… par Laurent Bury

D

• Mario Del Monaco (1915-1982), le lion de Pesaro par Yvan Beuvard
  Anton Dermota (1910-1989) ou les mystères d’une voix unique par Clément Taillia
• Giuseppe Di Stefano (1921-2008) ou le panache à perdre tête par Camille De Rijck
• Placido Domingo (1941), if I rest I rust par Christian Peter

G

• Nicolaï Gedda (1925-2017), le ténor universel par Antoine Brunetto
  Stefen Gould (1962-2023), le géant à pas de velours par Clément Taillia

K

• Jonas Kaufmann (1969), la sensualité pure par Roselyne Bachelot
• Gregory Kunde (1954), le ténor pluriel par Christophe Rizoud

L

• Mario Lanza (1921-1959), le meilleur en tout par Christophe Rizoud
• Salvatore Licitra (1968-2011), putain de scooter par Jean-Philippe Thiellay

M

• Lauritz Melchior (1890-1947) par Jean-Jacques Groleau
• Lucien Muratore (1876-1954), le ténorissimo marseillais par Laurent Bury

P

• Luciano Pavarotti (1935-2007), So long, Big Lulu par Camille De Rijck
  Saimir Pirgu (1981), le ténor in process par Maxime de Brogniez
• Tony Poncet (1918-1979), le bombardier basque par Christophe Rizoud
  Julian Prégardien (1984), l’hôte et le voyageur par Sylvain Fort

R

• Kobie van Reisburg (1969), le cap de la virilité par Guillaume Saintagne
• Anthony Rolfe Johnson (1940-2010), un ténor britannique par Christophe Rizoud

S

• Ludwig Schnorr von Carolsfeld (1836-1865) : Tristan l’a tuer par Christophe Rizoud
• Peter Schreier (1935-2019), l’Evangéliste s’est tu par Julien Marion
• Michel Sénéchal (1927-2018), l’immortelle grenouille par Laurent Bury
• Michael Spyres (1980), le ténor qui marchait dans les pas des géants et la renaissance du baryténor par Christophe Rizoud

T

• Francesco Tamagno (1850-1905), le premier Otello par Jean-Jacques Groleau
• Georges Thill (1897-1984), le phrasé du dandy par Jean-Jacques Groleau
• Richard Tucker (1913-1975), sa foi l’a sauvé par Christophe Rizoud

V

• Ramón Vargas (1960), ou le soleil nimbé de nostalgie par Antoine Brunetto
• César Vezzani (1888-1951), le prisonnier d’une école par Hugues Schmitt
• Jon Vickers (1926-2015), l’intensité du prêcheur par François Lesueur
• Miguel Villabella (1892-1954), pilier de l’Opéra-Comique par Laurent Bury
• Rolando Villazón (1972), le ténor rattrapé par Mozart par Christophe Rizoud
• Klaus Florian Vogt (1970), le juvénile controversé par Laurent Bury

W

• Wolfgang Windgassen (1914-1974), held légendaire et artiste héroïque par Christophe Schuwey
• Fritz Wunderlich (1930-1966) ou l’absence du soleil par Nicolas Derny

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Riccardo Muti a renouvelé l’approche verdienne par ses interprétations. En ce qui concerne cette Tosca, on reste un peu sur notre faim : à l’exception de l’introduction orchestrale de l’acte III et de l’étonnante marche au peloton d’exécution avec ses glissando appuyés, sa direction est des plus classiques. Pour l’anecdote, signalons que ce tenant déclaré du respect absolu des partitions écrites (et parfois à tort) accepte ici un soprano adulte pour le rôle du pâtre (au lieu d’un soprano enfant) et ne rétablit pas la coupure des répliques de Scarpia et Tosca à la fin du « Vissi d’arte ». S’agissant d’un enregistrement sur le vif, la prise de son est correcte sans plus.

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Le récent et beau « duel » publié dans ces colonnes, qui opposait Renata Tebaldi à Leontyne Price dans le rôle de Leonora, s’est terminé aux dépens de la seconde par KO. Cela s’explique aisément : dans La Forza, tout est question de style, et rares sont les cantatrices à y avoir excellé, comme la merveilleuse Martina Arroyo. Nina Stemme, qui fut notamment une éblouissante Isolde à Bayeuth et une non moins intéressante Aïda à Zurich, y est exceptionnelle : autorité, plénitude de la voix, puissance, véritable sens de l’expression dramatique, elle nous offre en sus, dans l’air « Pace, pace », le grand frisson que l’on ressent si rarement aujourd’hui. Nina Stemme est bien l’une des quelques rares tragédiennes lyriques actuelles, capable de véritablement construire un personnage, d’en explorer toutes les composantes, et de le pousser dans ses derniers retranchements. Dans La Forza, cela est d’autant plus important que l’œuvre, tout autant que le rôle, ne sont pas des plus évidents à jouer, et imposent justement ce genre d’investissement. Cela établi, qu’importe le flacon, Nina Stemme serait tout aussi émouvante en concert, et la mise en scène plutôt ridicule de David Poutney, qui mêle les lits d’hôpitaux aux femmes légères du far-West côtoyant des ayatollahs, ne parvient pas à la détourner de la route qu’elle s’est tracée.

A ses côtés, le Don Carlo di Vargas de Carlos Álvarez est tout à fait excellent, dans la grande tradition des barytons verdiens : la voix est belle, sombre à souhait, le phrasé et les respirations parfaitement maîtrisés, le jeu affirmé sans être outré. C’est une très bonne idée d’avoir confié les rôles du marquis de Calatrava et du padre Guardiano au même interprète (Alastair Milnes), car la rencontre de Leonora avec le second, après la mort du premier, est toute freudienne ; la voix d’Alastair Milnes est parfaite dans chacun des cas, et la sobriété de son jeu parfaitement adaptée aux deux personnages. En revanche, le regretté Salvatore Licitra est malheureusement moins à l’aise avec Alvaro : criant plus que chantant, il nous propose une interprétation outrée qui n’est pas en rapport avec le reste de la distribution. Tiziano Bracci est un Fra Melitone bien dans la tradition. Quant à Nadia Krasteva, qui interprète en ce moment Preziosilla un peu partout, y compris récemment à Paris (voir le compte-rendu de Julien Marion), elle a pour qualité essentielle d’être capable d’alléger. Mais, sans être la pire des Preziosilla, elle reste quand même assez approximative en ce qui concerne les notes, et plutôt vulgaire. Il faut dire que son déguisement en Calamity Jane d’opérette ne fait rien pour l’aider…

Certains diront que trois chanteurs d’exception sur toute une distribution, ce n’est pas suffisant pour faire d’une captation un document de référence. Certes, mais pourtant l’ensemble, avec ses outrances, se laisse regarder, même si l’incrédulité (jusqu’où vont-ils aller dans la débilité de la mise en scène ?) force l’attention. C’est que l’indispensable liant est assuré par Zubin Mehta, chef souvent surévalué, qui joue ici brillamment et efficacement avec toutes les ficelles du drame, suivi par un orchestre et des chœurs de très haut niveau. Le film est plutôt bien réalisé, dramatiquement efficace. Brochurette de douze pages en trois langues, sous-titres en sept langues, aucun bonus.

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Il découvre le chant assez tardivement après des études de graphistes qu’il avait mises au service de Vogue Italia. Après avoir vécu à Milan, il franchit la porte de l’Académie musicale de Parme, poussé par sa mère. Il rencontre Carlo Bergonzi et fait ses premières armes avec ses élèves dans une production du Ballo in Maschera, au Regio de Parme, où il débute en Riccardo, son rôle fétiche sans doute.

Peu d’années de rodage dans sa carrière, pas de tournées avec des Nemorino, Rodolfo, Edgardo, etc. Si l’on met à part quelques petits rôles dans les théâtres du Nord de l’Italie, Licitra s’est jeté, tout de suite, dans le grand bain, avec des rôles de ténor lyrique, lirico spinto même, parmi les plus exigeants. La chance a pesé : engagé en 1998 pour jouer les doublures à Vérone en Riccardo, en Duc de Mantoue et en Radamès, il chante finalement les trois rôles. Dans le triangle magique du Nord de l’Italie, Milan-Vérone-Bologne, une telle explosion ne pouvait passer inaperçue. Riccardo Muti, au sommet de son règne scaligère, l’auditionne et le fait débuter à la Scala en Alvaro dans La Forza del destino. Cavaradossi, Riccardo, Macduff et Manrico suivent, excusez du peu. La série de Trovatore donnés en 2000, aux côtés de Barbara Frittoli et Leo Nucci, est entrée dans la légende pour la rigueur avec laquelle Muti avait interdit toute « fantaisie » à ses chanteurs… et notamment tout contre-ut à la fin de la « Pirra ». Peu importait, au fond, la carrière de Licitra avait pris son envol et pouvait gagner le continent américain.

New-York, comme pour tant de compatriotes siciliens, a représenté beaucoup pour Licitra. Après un début en solo lors d’un gala donné par la Fondation Richard Tucker en novembre 2001, ses premiers pas sur la scène du Met étaient programmés pour 2004-2005, en Cavaradossi. Le sort et la chance en décidèrent autrement. Alors que Luciano Pavarotti devait chanter plusieurs Cavaradossi, pour ses adieux vraisemblables au Met, Licitra le remplaça la deuxième soirée, le 11 mai 2002, aux côtés de Maria Guleghina et de James Morris. Diffusée sur grand écran au Lincoln Center, cette soirée fit date. Joseph Volpe dans The toughest show on earth (Knopf Ed, p. 203-207) raconte qu’après avoir « sauv »” la première soirée en ayant fait appel à Francesco Casanova, il voulait trouver, pour le samedi suivant, « something special », contre l’avis de Levine. La vidéo du Trovatore de 2000 l’avait mis sur la voie. Licitra avait sauté dans un concorde et s’était présenté sans visa de travail…et, pas impressionné du tout, avait remplacé Big Lulu. Joseph Volpe engagea le ténor sicilien pour d’autres rôles à partir de 2005 (Cavaradossi encore, mais aussi Radamès, Alvaro, Riccardo, Turiddu, Canio, Rinuccio et Calaf).

Le public français a pu l’entendre quelques rares fois, notamment en Manrico à Paris en mai 2003, l’essentiel de la carrière du ténor se déroulant entre l’Italie et les Etats-Unis. Après des débuts en Andrea Chénier, de nouveaux rôles étaient au programme des prochains mois, Don José et Ernani notamment.

Salvatore Licitra n’était à coup sûr pas le ténor le plus raffiné, doté du timbre le plus rare, du circuit international. Sa voix solaire, assez puissante pour être parfaitement adaptée aux grands vaisseaux comme le Met, ne manquait pas de charme et le personnage emportait la conviction par une forme de spontanéité et de générosité, par exemple dans les airs du répertoire populaire. Avec Riccardo du Bal masqué, Cavaradossi mais aussi les Siciliens Turiddu et Canio, Licitra a trouvé ses meilleurs rôles. En quelques années, il avait réussi à se trouver une place, celle du ténor né avec l’opéra italien surtout dans le sang, celui de Verdi et Puccini d’abord. Sa discographie est à son image : des classiques, interprétés dans la tradition. C’était déjà beaucoup, en dix années de carrière.

Pour Licitra, ce n’est pas faire injure à sa mémoire de penser que l’essentiel a été dit en ces brèves années et certains signes préoccupants de fatigue vocale ont été relevés par tous ceux qui l’ont entendu récemment. Il reste que la disparition d’un artiste lyrique est une mauvaise nouvelle, toujours. Comme la disparition d’une étoile. Putain de vespa !

Discographie

Récital

The Debut, Sony, 2002 (Puccini, Verdi)

Forbidden love, Sony, 2005 (Verdi, Mascagni)

Duetto, avec Marcelo Alvarez, Sony, 2003

Intégrales

Il Trovatore, dir Muti, Sony, 2002

Tosca, dir Muti, Epic, 2011

Divers

The man who cried, BO du film

DVD

Aïda, dir Mastrangelo, 2011 (PanDream)

Aïda, mes N. Joël, dir Fischer, 2006 (Bel Air Classique)

Tosca, dir Muti, 2000 (Euroarts)
Turandot, mes F. Zeffirelli, dir G. Carella  (Bel Air Classique)

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On connaît à présent les noms des chanteurs qui remplaceront les trois ténors initialement prévus dans la tournée japonaise de l’Opéra de Bologne. Roberto Aronica interprètera Ernani à la place de Salvatore Licitra, décédé tragiquement lundi dernier. Ce n’est plus Jonas Kaufmann, opéré d’urgence, qui est annoncé en Don José mais Marcelo Alvarez. Enfin, dans I Puritani, deux ténors ont été nécessaires pour pallier le forfait de Juan-Diego Florez, victime d’une tasse d’eau de mer trop violemment expectoré : Antonino Siragusa et Celso Albelo. Ce dernier fera ensuite ses premiers pas sur la scène de Covent Garden dans La Sonnambula. Un événement qui compte dans la carrière d’un jeune ténor que certains voient déjà comme l’héritier d’Alfredo Kraus.

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Car enfin les grandes Tosca ont été légion (parmi lesquelles en vidéo Kabaivanska et Behrens), et le souvenir de Maria Callas – dont le deuxième acte à Paris (pour ne pas parler de celui de Londres) est mythique – plane au dessus du lot. Au point que l’on ne puisse imaginer l’égaler à défaut d’imaginer pouvoir la surpasser ? La question n’est pas là, ce que l’on veut, c’est une cantatrice qui joue avec ses tripes, c’est une amoureuse, une pasionaria, qui vibre au moindre sentiment et vous entraîne dans sa folie. Côté chant, enfin, il faut une étendue vocale sans faille, un legato soutenu, de la puissance, des éclats violents, et surtout, surtout, tant pour le chant que pour le jeu théâtral, un travail de puissance et de présence physique qui s’appuie entièrement sur le « triangle » bras / bas-ventre.

Tout cela étant bien défini, que nous offre Maria Guleghina ? Côté jeu théâtral, c’est une honnête tâcheronne de théâtre de seconde zone, au jeu vide et plat, ce qui fait qu’on n’arrive pas à croire à son personnage : c’est de la routine sans intérêt. Côté vocal, je la cataloguerais volontiers comme Placido Carrerotti « dans la tradition des braillardes hystériques » (forumopéra 8 et 11 mai 2002) ; mais en plus, la voix a tendance à bouger, la précision et la justesse sont approximatives, le médium est défunt, et l’ensemble est métallique. Vous l’aurez compris, cette Mater Dolorosa qui illustre la pochette du DVD n’est pas ma Tosca de référence, et je préfère encore Eva Marton, avec tous ses excès et ses imperfections, à ce fade succédané.

Que dire à ses côtés du Mario de Salvatore Licitra ? Le rôle a également été chanté par les plus grands ténors du monde… Et là encore c’est une affaire de tripes, de puissance vocale, de prestance, de douceur aussi, d’amour enfin. Non que Licitra démérite spécialement, ce qu’il fait n’est pas mal vocalement parlant, mais là non plus ce n’est pas un Mario du niveau d’un grand théâtre international : tout cela est mou et convenu, on n’y croit pas. Reste le Scarpia de Leo Nucci. C’est encore lui qui tire le moins mal son épingle du jeu, encore que, comme à son habitude, il fasse un peu trop le loup de Tex Avery qui aurait vu une Tosca en petite tenue. Mais, après Gobbi, Bacquier et Raimondi qui vous faisaient frissonner, qui vous scotchaient à votre fauteuil, on reste quand même sur sa faim. La voix, peut-être pas assez noire, est néanmoins encore belle, et la caractérisation du personnage reste classique mais plausible. Les comparses sont honorables, encore que le sacristain ne soit guère drôle et vocalement souvent limite.

Donc, en résumé, la distribution est – au moins en ce qui concerne les noms – de classe internationale, mais pour ce qui est des résultats, du niveau d’un bon petit théâtre local. La faute à qui ? Aux interprètes, au chef, au metteur en scène ? Les interprètes sont chacun, à la date considérée, à leur niveau de croisière et, pour certains, déjà sur le déclin ; visiblement, ils ne font pas plus que ce que leur contrat leur impose. Sont-ils gênés ? La direction d’orchestre de Riccardo Muti est pourtant brillante et bien en place, mais chaque chanteur le regarde sans cesse avec une attention soutenue : peut-être y a-t-il là un manque de liberté qui leur a été fatal ? Quant à la mise en scène de Luca Ronconi, elle mêle les clichés les plus plats et les plus éculés à des décalages de jeu gênants : par exemple, les enfants de chœur qui s’enfuient effrayés avant même que Scarpia ne soit apparu ! Et la fin n’est guère mieux, avec Tosca qui regarde de tous côtés comme une conspiratrice pendant que son amant agonise, qui crie « mort ! » trop tôt, et, pour couronner le tout, les soldats qui sont censés l’arrêter sont entrés en scène trop tôt et restent plantés là sans bouger pour lui donner le temps de gagner le bord de la terrasse et de sauter sur le matelas bien épais qui – en principe – est là pour la recevoir.  Bref, tous ces moments que l’on attend (et il y a bien d’autres) sont loupés. Et personne ne s’est donc occupé de penser à la captation vidéo, à voir Scarpia qui s’acharne à rédiger un sauf-conduit sans encre, et écrit ligne sur ligne sur le même endroit qui reste d’un blanc immaculé… C’est dire que la captation n’est pas non plus à la hauteur d’une production du Teatro alla Scala qui se veut de premier ordre international.

Restent les décors de Margherita Palli, qui du fait de la faiblesse du reste apparaissent comme le point le plus fort de la production. Les trois lieux scéniques sont déstructurés, et plutôt que de pâles reproductions historiques, nous donnent à voir des évocations colorées proches de l’expressionisme allemand au niveau des formes : c’est un peu Le Cabinet du docteur Caligari, dans lequel se débattent des personnages englués dans leur destin : Freud aurait adoré, mais c’est dommage que le metteur en scène n’ait absolument pas profité de cet exceptionnel décor pour tirer la représentation vers le fantastique déjà si habilement suggéré. Encore qu’il ait sûrement été gêné par l’emprise sur la scène de ces décors monumentaux, qui réduisent l’espace disponible pour les chœurs et les figurants à bien peu de chose.

En conclusion, cette Tosca est l’honnête mais maladroite captation d’une production sans grand intérêt, et d’une représentation de routine, sans plus. Ce n’est donc pas la Tosca du siècle, et il ne sera pas nécessaire de l’ajouter à celles qui figurent déjà dans toute bonne vidéothèque.
 
Jean-Marcel Humbert

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