A

• Agustarello Affre (1858-1931), le Tamagno français par Laurent Bury
• Francisco Araiza (1950), rossinien, vous êtes sûr ? par Christophe Rizoud

B

• Piotr Beczala (1966), le ténor que l’on n’attendait pas par Christophe Rizoud
• Carlo Bergonzi (1924-2014), Verdien devant l’Eternel, par Laurent Bury
• Yann Beuron (1969), ou « rien n’est grave » par Sonia Hossein-Pour
• Rockwell Blake (1951), l’absolue technique  par Jean-Philippe Thiellay
• Franco Bonisolli (1938-2003) ou l’immense gâchis par Julien Marion

C

• José Carreras (1946), le troisième dieu du stade par Christophe Rizoud
• Franco Corelli (1921-2003), le prince triste par Sylvain Fort
• Guy Chauvet (1933-2007), le dernier Enée français par Laurent Bury
• Richard Croft, le noble éclat du tourment par Guillaume Saintagne
• José Cura (1962), le ténor qui est aussi chef d’orchestre, metteur en scène, décorateur, costumier, éclairagiste… par Laurent Bury

D

• Mario Del Monaco (1915-1982), le lion de Pesaro par Yvan Beuvard
  Anton Dermota (1910-1989) ou les mystères d’une voix unique par Clément Taillia
• Giuseppe Di Stefano (1921-2008) ou le panache à perdre tête par Camille De Rijck
• Placido Domingo (1941), if I rest I rust par Christian Peter

G

• Nicolaï Gedda (1925-2017), le ténor universel par Antoine Brunetto
  Stefen Gould (1962-2023), le géant à pas de velours par Clément Taillia

K

• Jonas Kaufmann (1969), la sensualité pure par Roselyne Bachelot
• Gregory Kunde (1954), le ténor pluriel par Christophe Rizoud

L

• Mario Lanza (1921-1959), le meilleur en tout par Christophe Rizoud
• Salvatore Licitra (1968-2011), putain de scooter par Jean-Philippe Thiellay

M

• Lauritz Melchior (1890-1947) par Jean-Jacques Groleau
• Lucien Muratore (1876-1954), le ténorissimo marseillais par Laurent Bury

P

• Luciano Pavarotti (1935-2007), So long, Big Lulu par Camille De Rijck
  Saimir Pirgu (1981), le ténor in process par Maxime de Brogniez
• Tony Poncet (1918-1979), le bombardier basque par Christophe Rizoud
  Julian Prégardien (1984), l’hôte et le voyageur par Sylvain Fort

R

• Kobie van Reisburg (1969), le cap de la virilité par Guillaume Saintagne
• Anthony Rolfe Johnson (1940-2010), un ténor britannique par Christophe Rizoud

S

• Ludwig Schnorr von Carolsfeld (1836-1865) : Tristan l’a tuer par Christophe Rizoud
• Peter Schreier (1935-2019), l’Evangéliste s’est tu par Julien Marion
• Michel Sénéchal (1927-2018), l’immortelle grenouille par Laurent Bury
• Michael Spyres (1980), le ténor qui marchait dans les pas des géants et la renaissance du baryténor par Christophe Rizoud

T

• Francesco Tamagno (1850-1905), le premier Otello par Jean-Jacques Groleau
• Georges Thill (1897-1984), le phrasé du dandy par Jean-Jacques Groleau
• Richard Tucker (1913-1975), sa foi l’a sauvé par Christophe Rizoud

V

• Ramón Vargas (1960), ou le soleil nimbé de nostalgie par Antoine Brunetto
• César Vezzani (1888-1951), le prisonnier d’une école par Hugues Schmitt
• Jon Vickers (1926-2015), l’intensité du prêcheur par François Lesueur
• Miguel Villabella (1892-1954), pilier de l’Opéra-Comique par Laurent Bury
• Rolando Villazón (1972), le ténor rattrapé par Mozart par Christophe Rizoud
• Klaus Florian Vogt (1970), le juvénile controversé par Laurent Bury

W

• Wolfgang Windgassen (1914-1974), held légendaire et artiste héroïque par Christophe Schuwey
• Fritz Wunderlich (1930-1966) ou l’absence du soleil par Nicolas Derny

L’article Encyclopédie subjective du ténor est apparu en premier sur Forum Opéra.

Cas unique de fort ténor à contre-ut, Poncet venait d’aborder en 1960 à Toulouse le personnage d’Arnold qui allait devenir un de ses rôles fétiches, avec lequel il se produirait un peu partout jusqu’à la fin de sa trop courte carrière ; Guillaume Tell est aussi le dernier opéra qu’il interpréta dans on intégralité, en concert à Liège en 1971. En tout cas, à l’époque où il grave ces extraits, le ténor est encore en pleine possession de ses moyens, et l’on imagine d’autant moins faire la fine bouche face à une telle générosité sonore que la discipline du studio l’empêche d’en rajouter et d’exagérer la durée des aigus tenus comme il y était enclin pour satisfaire son public (la comparaison est instructive avec les extraits d’un live ajoutés en bonus – où l’enthousiasme délirant du public le pousse à bisser la reprise d’ « Asile héréditaire » !).
Peut-être aussi Tony Poncet était-il ici surveillé de près par chef Marcel Couraud (1912-1986). Aujourd’hui un peu oublié, ce chef français manifestait un éclectisme digne d’éloge : outre le cœur du répertoire, il enregistra beaucoup de musique baroque avec les Solistes de Stuttgart (Bach, Couperin, Rameau, Vivaldi) et s’intéressa également à ses contemporains (Messiaen, François-Bernard Mache). Il fit une belle carrière en Allemagne, qui explique que cette sélection ait été enregistrée à Karlsruhe, d’où une pointe d’accent chez les choristes (« La fête des campagnes abrèche nos travaux »).

Un mot encore de l’entourage du ténor. Marguerite de Gounod à 20 ans au Palais Garnier, Micaëla face à la Carmen de Jane Rhodes, Irène Jaumillot (1938-1994) était une grande et belle voix, à laquelle on reprochera seulement un certain manque de moelleux dans l’aigu.

Bien connu grâce à sa participation à diverses intégrales (Lakmé avec Mado Robin, Manon avec Victoria de Los Angeles…), Jean Borthayre (1901-1984) était comme Tony Poncet originaire du sud-ouest et possédait un timbre d’une noirceur et d’un mordant inimitables.

Alors bien sûr, on pourra toujours dire que tel ou tel ne possède pas le plus châtié des styles rossiniens, on pourra objecter que les ornements ne sont pas très orthodoxes, mais à défaut d’y trouver sa vérité, le genre lyrique ne doit-il pas pas sa vie à de tels interprètes ?

L’article Guillaume Tell – Rossini – Tony Poncet est apparu en premier sur Forum Opéra.

Avec ses contre-ré bémol émis en voix de poitrine les doigts dans le nez – si on peut dire -, Tony Poncet appartient au patrimoine lyrique francais. Une interview extraite de la dernière compilation Malibran nous rappelle que celui que l’on surnommait « le Bombardier basque » n’avait pas plus la langue que la voix dans sa poche.

Extrait du disque « Tony Poncet, airs d’opéra et mélodie » paru chez Malibran (lire la critique)

Accès aux podcasts de Forum Opéra sur iTunes :

1. Ouvrir iTunes
2. Dans le menu du haut, choisir « avancé »
3. Dans « avancé » cliquer sur « S’abonner au podcast »
4. Copier/coller le lien suivant dans la fenêtre : www.forumopera.com/uploads/iTunes.xml

L’article Paroles d’artistes : Tony Poncet est apparu en premier sur Forum Opéra.

Patrimoine national

par Jean-Philippe Thiellay

 
Tony Poncet appartient au patrimoine culturel de tout lyricomane. On a tous entendu son nom ; on l’a lu sur une pochette de disque, de ceux que l’on écoute rarement après l’avoir – peut-être – récupéré dans l’armoire familiale. Des œuvres enregistrées en français la plupart du temps, comme au temps de Grand Papa. Quant à l’avoir vu sur scène, il aurait fallu démarrer bien jeune car il est mort en 1979, à seulement 61 ans, après une carrière trop courte.

Né en 1918 en Espagne, la deuxième guerre mondiale, au cours de laquelle son courage au combat lui vaudra plus tard de nombreuses distinctions, a retardé la découverte de sa voix, de sa formation et de ses débuts, à Paris, au milieu des années 1950. Arnold, Eleazar, Raoul, Manrico, Canio et autres grands rôles font de lui le ténor des débuts de la Ve République, un peu à Paris et surtout dans les théâtres de province. Outre-Atlantique, sa notoriété est assurée par quelques tournées et par des Huguenots légendaires à Carnegie Hall, en 1969, où il donne la réplique à Beverly Sills, Angeles Gulin et Justino Diaz.

Les deux volumes proposés par Marianne Mélodie sont un passionnant témoignage de l’art de cet artiste et de son époque. On chante « La Tosca » et on ne donne pas « La pirra » mais « Supplice infâme ». Les partenaires, notamment féminines, sont ce qu’elles sont. Les orchestres, que la pochette ne parvient pas toujours à identifier sont, au diapason. Le choix est centré sur le répertoire de prédilection de Poncet, mais des extraits d’opérette, des sérénades espagnoles qui rappellent ses origines, et quatre airs patriotiques élargissent le champ du souvenir.

Les deux CD, bien gravés, permettent de se faire une idée assez précise du charme de l’artiste. Les particularités de son timbre séducteur sont évidentes, notamment dans le médium où on note comme un léger voile très caractéristique, qui fait penser à celui d’un Marcello Giordani aujourd’hui. La vaillance et le brio ressortent sur toutes les plages et c’est un déferlement parfois assez jouissif de décibels qui est offert par le « bombardier basque »* à qui l’écriture d’un Manrico ou d’un Canio convient parfaitement. Avec ce « fort ténor », les aigus sont impressionnants de facilité, jusqu’aux suraigus (le contre-ré qui conclut « Alma de Dios », dans le deuxième volume !). D’autres disques disponibles, notamment sur qobuz.com, permettent de se rendre compte qu’en Vincent, George Brown, en Mylio (Le Roi d’Ys), la faculté d’alléger, voire de passer en voix de tête, ne lui posait aucune difficulté, pas plus que le charme de l’opérette. On comprend l’enthousiasme du public.

Bien sûr, même en pondérant le regard que l’on peut porter aujourd’hui sur la manière de chanter l’opéra il y a cinquante ans, on est forcé de noter quelques choix – ou quelques scories – stylistiques contestables. L’abus de ports de voix intempestifs lui donne souvent un petit air déplacé de Luis Mariano. Cela convient aux mélodies espagnoles, chantées avec classe du reste, ce qui n’est pas contradictoire ; cela va moins bien à Vasco de Gama, à Raoul ou Radamès.

Avec Raoul Jobin ou José Luccioni, la France et l’opéra français disposaient alors d’une fameuse galerie de ténors, que les plus anciens se rappellent avec émotion. Dans d’autres registres, les Gérard Serkoyan, Louis Quilico, Ernest Blanc, René Bianco, Geori Boué et Andrée Esposito complétaient les distributions. Bien avant le Concorde et les allers-retours transatlantiques, ils incarnaient une certaine idée de l’opéra. Ecouter ces deux disques, c’est aussi se retourner sur notre histoire lyrique.

* Voir l’article consacré à Tony Poncet dans notre Encyclopédie subjective des ténors

L’article Airs et mélodies est apparu en premier sur Forum Opéra.

Le label Malibran poursuit la mise en valeur de son catalogue avec un incontournable du répertoire vériste italien: Paillasse – Pagliacci, sous la direction de Jésus Etcheverry. Cet enregistrement studio offre en effet une même sélection bilingue française-italienne d’extraits de l’opéra en deux actes de Ruggero Leoncavallo.

Depuis sa création à Rome en 1892, Pagliacci (à l’origine Il Pagliaccio, puis I Pagliacci) connaît un succès jamais démenti et totalise un nombre record de représentations en Italie, l’œuvre étant traditionnellement couplée avec Cavalleria rusticana. Cheval de bataille des ténors demi-caractère, le rôle de Canio exige un solide instinct de comédien, capable de passer de la réalité du drame à la fiction, au travers d’un large éventail d’émotions.

Le ténor Tony Poncet relève ce défi en campant un Canio insolent à souhait, l’un des meilleurs Paillasse de sa génération, pourtant la concurrence est rude. Véhémence déconcertante, franchise de l’émission, en dépit de quelques faiblesses rythmiques : il est indéniable que le rôle est parfaitement rôdé.

Sa Nedda est Géori Boué, irradiant son chant au travers du prisme d’un phrasé souverain assorti d’une large palette de couleurs. Dans ce répertoire vériste, si l’on excepte quelques duretés dans les passages forte, voici une Nedda plus vraie que nature, brûlante et profondément humaine.

Tonio est chanté par le baryton Adrien Legros, un autre vétéran de la scène lyrique. Sa caractérisation est fouillée, se jouant des difficultés du rôle avec un naturel intrépide. Cela dit, le studio ne rend pas pleinement justice au timbre qui paraît « sec », manquant étrangement d’harmoniques dans le haut medium.

Agréable surprise avec le Beppe vocalement plus sombre que d’ordinaire du ténor Pierre Gianotti, mais petit bémol avec le Silvio de Henri Gui à l’émission occasionnellement engorgée.

Si la direction de Jésus Etcheverry est soignée, elle manque, par endroits, de mordant, particulièrement dans les passages les plus dramatiques de la partition, là où dynamique et nuances pourraient en souligner davantage les paroxysmes. Passons sur la prononciation appliquée et souvent approximative de l’italien : elle ne gâche nullement le plaisir de cette truculente découverte du label Malibran.

Claude-Pascal PERNA

L’article I Pagliacci est apparu en premier sur Forum Opéra.

Avec ce CD Malibran, on dispose d’un reflet assez fidèle de la voix et de la carrière de Tony Poncet : ne manquent que des extraits d’Arnold, de Guillaume Tell, et de Canio, de Paillasse, ses deux rôles fétiches, pour que le panorama soit complet.

Tel quel, ce mélange d’airs d’opéras français (L’Africaine, Les Huguenots, La Juive), italiens (Rigoletto, le Trouvère, Otello) et de mélodies populaires espagnoles et italiennes permet d’apprécier un timbre assez sombre tendant vers le spinto, ne manquant pas de séduction, et qui n’est d’ailleurs pas sans rappeler celui de José Luccioni, de quinze ans l’aîné de Tony Poncet. Ce timbre, il faut le souligner, est très également réparti sur l’ensemble de la tessiture et les registres sont parfaitement reliés entre eux, jusqu’à un aigu somptueux, idéalement mixé, dont on conçoit qu’il ait pu fortement impressionner le public de l’époque, habitué à des ténors au timbre plus fluet.

Cette voix apparaît particulièrement adaptée au répertoire français qui figure dans ce récital. Elle l’est plus inégalement aux airs verdiens présents ici (tous dans leur traduction française) : si l’air de Rigoletto frise le contresens, la « Pira » (« Supplice infâme ») convainc davantage. L’air d’entrée de Radamès semble mieux convenir à la voix de Poncet, mais il met en valeur un des travers du chanteur : une palette expressive assez limitée (on guettera en vain le diminuendo prescrit par Verdi à la fin de « Un trono vicino al sol »…) et une tendance prononcée à tout chanter entre le mezzo forte et le forte.

Si elle peut lasser par ailleurs, cette expression monolithique convient parfaitement au rôle d’Otello et on tient, avec toute la fin du II (depuis « Desdemona rea »), chantée en français avec René Bianco, merveilleusement insinuant en Iago, le sommet du disque. Cet extrait, enregistré live à l’aube des années 1960 (on entend grincer les planches de la scène !), propulse l’auditeur à des sommets de vérité dramatique et musicale peu communs. Un absolu succès !

Le reste s’écoute sans déplaisir, qu’il s’agisse des mélodies méditerranéennes, qui invitent Tony Poncet à exhiber avantageusement son aigu phénoménal, (cet aigu qui a conduit certains commentateurs de l’époque à voir en lui la réincarnation de Gilbert Duprez !), ou bien d’une Marseillaise vibrante et engagée, qui permet à Tony Poncet (dont le comportement héroïque pendant la Seconde guerre mondiale lui a valu la médaille militaire et la Croix de Guerre) de faire retentir les « mâles accents » mis en musique par Leconte de Lisle. Ce matériau vocal en remontre définitivement aux plus grands : il n’en rend que plus amers les regrets que laisse une carrière qui, de par les circonstances, n’a pas été ce qu’elle aurait dû être.

Julien MARION

L’article Airs d'opéra est apparu en premier sur Forum Opéra.

Un ouvrage de sa fille, Mathilde, publié chez L’Harmattan, remet sur le devant de la scène Tony Poncet (1918-1979), ténor français sur lequel le temps avait déposé son voile. Un défaut de mémoire qui n’a rien d’étonnant : le répertoire et le style du chanteur appartiennent à un autre âge, pas si éloigné pourtant, où Nîmes affichait Guillaume Tell, Besançon La Juive, où le Duc de Mantoue chantait « Comme la plume au vent », où Raoul des Huguenots lançait ses contre-ut dans le ton et en voix de poitrine. Cette prouesse, assortie d’une vaillance et d’une puissance hors du commun, valut à Tony Poncet d’être surnommé le « Bombardier basque ». 

Tony Poncet, de son vrai nom Antoine Poncé, n’était pourtant pas basque mais plutôt béarnais car, né dans un petit village d’Andalousie le 21 décembre 1918, c’est à Bagnères-de-Bigorre qu’il grandit. Ses parents, comme beaucoup d’espagnols à l’époque, avaient quitté dès le début des années vingt un pays dont le régime politique leur disconvenait. Milieu modeste, pays rude, temps difficiles façonnèrent à la serpe le jeune Antoine qui délaissa dès l’âge de treize ans les bancs de l’école pour enchaîner les petits boulots : mécanicien, livreur et même contrebandier, un clin d’œil du destin à celui qui chantera son premier Don José à Toulon en 1958. De cette enfance, entre gave et sommet, Tony Poncet conserva un accent rocailleux, une rugosité dans le ton qui lui faisait dire : « Je parle comme coulent les torrents des Pyrénées où j’ai grandi ». Vint la guerre. Antoine a 21 ans et du courage à revendre. Bien que non mobilisable puisque ressortissant espagnol, il s’engage ; il est envoyé sur le front le 6 mai 1940 et, un mois plus tard, le 6 juin, fait prisonnier après avoir été grièvement blessé aux cuisses et à la tête. Transféré au Stalag VIIA de Moosburg en Bavière, il y restera pendant cinq ans, malgré deux tentatives d’évasion. Au chef de camp qui, entendant sa voix, proposait qu’on lui apprenne la musique au Mozarteum de Salzbourg, il répondit « Je fais partie d’un pays où les hommes sont fiers et chez moi, mon père s’il apprenait que j’ai chanté pour vous, je crois qu’il me donnerait un coup de fusil ». C’est ainsi que se forgea au fer blanc un patriotisme qui s’exprimera avec une foi décuplée par l’épreuve dans des chants  enregistrés en 1960 chez Philips.

Le chant, parlons-en justement car Antoine n’a pas attendu l’épreuve des camps pour faire entendre sa voix. Dès l’âge de douze ans, si l’on en croit le récit de sa fille, il possédait « une admirable voix de ténor à l’étendue exceptionnelle, à la puissance rare pour son âge ». Ce don du ciel, il le développe en intégrant à quinze ans la troupe des chanteurs de Bagnères-de-Bigorre. De retour des camps, en 1946, à l’occasion d’un match de rugby qu’il dispute à Toulouse, ses amis le poussent à participer à un concours de chant amateur qu’il emporte haut la main avec l’air de Paillasse « Vesti la giubba » (interprété à l’époque en français ce qui donnait « Me grimer »). Paillasse : son premier rôle sur scène (Avignon 1953) et celui qu’il a chanté le plus durant sa carrière (environ cent cinquante fois). « Il trouvait là un personnage émouvant et humain et vocalement fait pour lui sans difficulté apparente » explique Alain Vanzo en 1994 dans une lettre envoyée à Mathilde Poncé. Sans difficulté apparente quand on sait combien Canio exige de puissance mais aussi de vigilance pour ne pas céder aux sirènes d’un expressionisme de mauvais aloi. On suppose que Tony Poncet s’identifiait, plus qu’un autre, au personnage imaginé par Leoncavallo. Physiquement, avec sa petite taille (1m58) et sa carrure de rugbyman, il y était plus crédible qu’en Arnold ou en Manrico (Manrique). Psychologiquement, le caractère latin de Paillasse, sanguin, simple, un peu rude mais courageux, et généreux, ne devait pas être si éloigné du sien. « S’ils veulent que je bisse, d’accord ! » disait-il au chef d’orchestre, Paul Jamin, avant d’entrer en scène. Et de fait, « Après l’air “ me grimer ”, la salle était debout, des bravos et des applaudissements sans fin » témoigne un admirateur belge. La critique elle aussi s’enthousiasmait : « Ardeur et véhémence », « Vraie voix large, ample, bien timbrée, sonore, puissante, naturellement placée et émise, à l’aise dans tous les registres, une voix comme il y en a peu », « le rare prestige d’un admirable don », « une présence scénique exemplaire », « l’excellence de son style vocal, de son articulation irréprochable, de son jeu ». Mieux, une rencontre unique entre un rôle et un interprète.

Le premier prix de Toulouse décide de l’avenir d’Antoine. Il part à Paris tenter sa chance. Là, il emporte le concours de ténors organisé par la Gaité-Lyrique, entre dans les chœurs de ce théâtre et parallèlement, réussit à être admis au Conservatoire de Paris. Après quatre ans d’études, André Baugé lui met le pied à l’étrier. Avignon et Toulouse commencent à l’applaudir dans Paillasse quand intervient en mars 1954 le Concours International des ténors de Cannes, événement mythique qui couronne en une seule édition Alain Vanzo dans la catégorie « lyrique », Guy Chauvet dans la catégorie « lyrique dramatique » et Antoine Poncé dans la catégorie « fort ténor ». Catégories on ne peut plus discutables à vrai dire. Alain Vanzo, Gérald exemplaire (Lakmé), n’aurait-il pas dû être considéré comme « léger » (c’est Roger Gardes qui emporte le prix dans cette catégorie en chantant précisément « Fantaisie, ô divins mensonges ») ? Quant à Tony Poncet, il interprétera plus tard avec succès le duc de Mantoue (Rigoletto) dont le moins qu’on puisse dire est qu’il ne figure pas d’habitude au tableau de chasse du « fort ténor ». Ce duc de Mantoue ne manque pas d’interroger d’ailleurs. Comment une voix aussi imposante a-t-elle pu se glisser dans les hauts-de-chausses d’un personnage qui se distingue plus par l’élégance, la souplesse et la sveltesse que par le muscle. « Son premier bis fut le meilleur, presque suave » écrit François Malric en 1968 dans Le Midi Libre à propos de « La plume au vent » (« la donna e mobile ») que le ténor se paya le luxe de trisser lors d’une représentation à Montpellier. La remarque du journaliste nous éclaire sur la nature de l’interprétation, sans doute plus corsée que celles auxquelles nous sommes accoutumés. Ce succès souligne deux autres composantes du chant de Tony Poncet : l’art de la demi-teinte, une capacité à alléger qui contraste avec le caractère naturellement massif de la voix, et une facilité dans l’aigu, quand en théorie le « fort ténor » n’est pas censé atteindre le fameux contre-ut. Michel Dens raconte qu’il « interprétait les airs les plus aigus et réputés difficile, avec une force et une facilité étonnante. Tous les ouvrages d’opéra qu’il interprétait étaient chantés intégralement dans la tessiture vocale voulue par le compositeur. Il ne transposait aucun air ». Tony Poncet en concevait à juste titre une certaine fierté, déclarant : « aucun ténor que l’on classe parmi les plus grands, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Franco Corelli, ne chante dans le ton (toujours un demi-ton ou un ton en-dessous de la partition)… C’est pour cela que je désirerais que l’on réunisse durant une semaine les dix meilleurs ténors italiens et je les prends un par un. Alors on verra bien celui qui chante et ceux qui vocalisent. »

Le concours des « Voix d’or » de Cannes ouvre à Antoine Poncé les portes du Nouveau Monde. Un impresario américain, Abe Saperstein, l’engage dans sa troupe et lui fait parcourir les Etats-Unis, le Canada et le Mexique. Expérience sans lendemains. Le ténor se sent exploité. On le fait chanter dans des salles obscures. On lui fait miroiter en vain le Metropolitan Opera ; on lui propose de jouer les doublures de Mario Lanza (« Si Lanza a accepté de jouer le rôle d’un chanteur, qu’il chante lui-même ! » s’emporte-t-il) ; on lui propose même de se produire dans un night-club new-yorkais. Il refuse. Il ne veut pas être chanteur de variété mais chanteur d’opéra. De cette aventure, il ne rapporte finalement que son pseudonyme : Tony Poncet. Sa carrière se limitera désormais à la France et la Belgique avec quelques rares incursions à l’étranger : Roumanie, Turquie, Algérie, Alger à laquelle il offrira tout de même son premier Radamès (Aïda) en 1960. Il ne retournera aux Etats-Unis qu’en 1969 le temps d’une représentation des Huguenots, à Carnegie Hall aux côtés de Beverly Sills. A Paris, Maurice Lehmann, administrateur de la Réunion des Théâtres Lyriques Nationaux argue de sa petite taille pour ne pas lui confier de rôles, ce qui le met en rage : « Caruso fait deux centimètres de plus que moi, mais il a deux notes d’aigu en moins ! ». Il faudra l’intervention d’Antoine Pinay pour qu’il soit auditionné à l’Opéra de Paris en juin 1956 et engagé dans la foulée. C’est ainsi qu’il débute le 27 janvier 1957 à l’Opéra Comique dans Paillasse et le 5 avril 1957 sur la scène du Palais Garnier dans le chanteur italien du Chevalier à la rose (avec Régine Crespin en Maréchale). Paris applaudira aussi son Rodolphe dans La Bohème en 1958, son Torido de Cavalleria Rusticana et son Duc de Mantoue en 1962. C’est à peu près tout. En 1961, après être resté quatre ans pensionnaire des théâtres lyriques nationaux, il claque la porte. Mathilde Poncé explique cette démission par la lourdeur administrative des grandes scènes parisiennes et par le désir qu’avait Tony Poncet d’explorer un autre répertoire. D’autres versions laissent entendre que sa rudesse et son franc-parler ne trouvaient pas leur place dans un milieu parisien où une certaine préciosité fait loi. Toujours est-il que c’est désormais en dehors de Paris que se forgera la légende. Toulouse applaudira son premier Arnold (Guillaume Tell) en 1960, Verviers son premier Raoul (Les Huguenots) en 1961, Aix-en-Provence son premier Eléazar (La juive) en 1962. Trois œuvres dans lesquels Tony Poncet fait revivre le souvenir glorieux de Gilbert Duprez. Rien de moins. Guillaume Tell surtout devient l’opéra emblématique du chanteur béarnais qui promène son Arnold et ses vingt-deux contre-ut un peu partout : Nîmes, Oran, Dijon, Aix-en-Provence (1961) ; Nantes, Liège (1962) ; Bordeaux, Rouen, Verviers (1963), Lille, Calais, Mons (1964) ; etc. Le record est atteint en 1965 où il cumule plus de trente représentations de Guillaume Tell en une seule année. Il s’agit d’ailleurs du dernier opéra qu’il interprètera intégralement (en version de concert à Liège en décembre 1971). « Ce n’est pas un opéra mais un exploit vocal », confiera Tony Poncet, « Quand vous donnez Guillaume Tell, c’est comme si vous aviez chanté trois Faust ou dix Rigoletto dans la même soirée. ». On trouve sur Internet un témoignage sonore d’« Asile héréditaire » tandis qu’un spectateur de l’époque raconte : « Je me souviens de lui campé sur ses jambes pour occuper tout l’espace de la scène, bien planté dans le plancher de l’opéra, en prise avec le sol lui même, un costume vert bouteille, chamois, marron, de hautes bottes en daim, à semelles rehaussées, poussant son “Asile héréditaire” avec fougue, hargne et rage, comme un défi au public, à l’histoire, à l’art du chant, à lui-même et aux très hautes notes qu’il était certain d’atteindre… ». Une indéniable bravoure sur laquelle notre époque jette une oreille dédaigneuse. Ainsi Sergio Segalini écrit en mars 1989 dans l’Avant-Scène Opéra : « En France, un seul ténor s’est entiché d’Arnold. Tony Poncet qui, à défaut d’intégrale, signe des extraits chez Philips en 1961. Le musicien est fruste, le chanteur d’une immense banalité, frôlant parfois l’amateurisme pur et simple. Sa conception est encore celle des années cinquante, tout en muscles, dictée seulement par le désir d’imposer volume, puissance et autorité ». A rapprocher d’un article publié dans La Dépêche le 16 octobre 1960 : « Bien entendu, il n’est que vocal mais il l’est magnifiquement, la richesse de son foyer, l’ampleur et la beauté des sons ouverts, la puissance magnifique de l’aigu font de Tony Poncet une exception ». Qui croire ? Si la partition avec son seul forte indiqué sur le sur le La bémol de « murs chéris » semble pencher du côté de Segalini, la charge n’est-elle pas un peu outrée ? « C’est qu’il y avait là une ampleur de diction et d’organe qui subjuguaient l’auditeur et que ces admirables mélodies du grand maître italien rayonnaient d’une lumière nouvelle en passant par les notes de poitrine de cet organe merveilleux et par une déclamation d’une puissance inconnue » Encore une critique des années soixante qui louange Tony Poncet ? Non, ce sont les mots de Charles Gounod au sujet de l’Arnold de Gilbert Duprez.

La carrière de Tony Poncet s’essouffle vite. A partir de 1967, le tableau chronologique des représentations, présenté en annexe de sa biographie, accuse une baisse de régime. Encore une cinquantaine de soirée en 1967, trente en 1968, quinze en 1969, dix-neuf en 1970 puis à partir de 1971, plus d’opéras (excepté Guillaume Tell à Liège en version de concert) et moins d’une dizaine de galas de bel canto par an jusqu’au 13 décembre 1977, date de son dernier récital. Une poignée d’année pour une poignée de rôles. Outre ceux déjà cités (dans le désordre : Canio, Rodolphe, Torido, Don José, le Duc de Mantoue, le Chanteur italien, Raoul, Arnold, Eléazar, Radamès), restent un Mario Cavaradossi (Tosca) sans lendemain en tout début de parcours (1953 à Bagnères-de-Bigorre), un Manrique (Le Trouvère) qu’il emplit de vaillance (pour la première fois à Verviers en 1963), un Fernand (La Favorite) qui arrive trop tard (1967 à Toulouse) pour laisser un souvenir impérissable. Il faut citer aussi Vasco de Gama (L’Africaine) abordé dès 1965 à Rouen (cinq jours après avoir chanté Radamès !), rôle trop central pour une voix dont le medium accuse quelques faiblesses. Plus intéressant devait être son prophète Jean (Herodiade), présenté d’abord à Liège en 1963, dans lequel on l’imagine magnifique, et ce Sou-Chong du Pays du sourire, prince oublié aujourd’hui dont seul subsiste dans nos mémoires l’air « Je t’ai donné mon cœur ». Poncet, moins séduisant que Vanzo, moins majestueux que Thill, ensorcelle tout de même. L’étoffe reste rugueuse mais le chant est habité, ferme et doux avec, en coup de Jarnac, un contre-ré bémol, balancé à plein poumons, qui cloue l’auditeur sur place.

De cette carrière écourtée, on cherche encore l’explication. Sa biographie observe un silence pudique. Tony Poncet, colosse aux pieds d’argile ? Chanteur prématurément usé par des rôles trop lourds enchainés trop rapidement ? Ténor victime de cette technique sommaire que certains pointèrent du doigt. « Il possédait une voix capable de se mesurer avec les plus grands mais il manquait un peu de constance dans le travail pour améliorer son style et ses ennuis musicaux » écrit Jean Giraudeau à Mathilde Poncé au sujet de ce père qu’elle cherche à mieux connaître. Née en 1969, elle n’avait que dix ans quand il mourut à Libourne, le 13 novembre 1979 d’une maladie dont on ignore le nom mais qui est peut-être la cause de son retrait prématuré des scènes. Le disque pourrait aussi apporter un éclairage sur l’évolution de la voix mais très peu d’enregistrements sont disponibles aujourd’hui. La discographie, pourtant généreuse, avec en 1964 un Richard du Bal Masqué et la même année un Hoffmann qu’il ne présentera jamais sur scène, s’interrompt brusquement en 1966. Pourquoi ? Des extraits douloureux d’un de ses derniers récitals, « De l’opérette à l’opéra » apportent une réponse. Est-ce la bonne ? Autant d’interrogations qui ne sont pas assez essentielles pour former une conclusion au regard de l’adulation que suscita Tony Poncet. Triomphes, ovations, débordements d’enthousiasme ont accompagné tout au long de sa carrière un ténor qui ne manquait pas de caractère. A lui donc le dernier mot, cette réplique superbe faite à un journaliste qui lui demandait s’il était satisfait de son parcours : « Oui ! Pourquoi pas. J’ai réussi, non ? J’ai vaincu en ténor héroïque. Je peux chanter Le Trouvère, Aïda ou Le Pays du sourire, Carmen, Les Huguenots et tout ça dans le ton ! Les Italiens transposent. Moi, je veux chanter dans le ton, c’est mon panache à moi ».

Christophe Rizoud

A lire :

• Mathilde Poncé : Tony Poncet, Ténor de l’Opéra, une voix, un destin, L’Harmattan, décembre 2009
• Claude d’Esplas, La Leçon de Musique, ADG Paris (http://www.adg-paris.org/poncet_fr.asp)
• Le contre-ut de Tony

L’article Encyclopédie subjective du ténor : Tony Poncet, le bombardier basque est apparu en premier sur Forum Opéra.