Son livre en forme d’enquête se lit d’une traite tant son style est limpide et la narration captivante. On se surprend, page après page, à s’attacher de plus en plus à la personnalité de Ravel car cet ouvrage est aussi une belle déclaration d’amour et de tendresse envers cet homme si célèbre par sa musique mais dont la vie est restée très secrète. Dès le début le ton est donné : « Tour à tour qualifié de parisien, de Suisse, de juif, d’espagnol et surtout de basque des Pyrénées l’homme reste une énigme. » Et Bergès d’ajouter : « De ses origines Maurice gardera la fougue et le pittoresque ibérique marié à la minutie et à la précision helvétique ».
Voilà qui ouvre l’appétit pour la suite ! Pas question donc de tout dévoiler ici ! Juste quelques pistes : sa famille est d’origine savoyarde et suisse, sa mère au patronyme espagnol est née à Ciboure au Pays basque. Elle a vécu très jeune à Madrid et son père l’aurait sans doute rencontrée dans les jardins d’Aranjuez ! Ce dernier, grand mélomane, détenteur d’un prix de piano au Conservatoire de Genève, avait décelé très tôt chez son fils un musicien né.  Et tout est à l’avenant dans cette investigation, érudite certes, mais jamais pédante bien au contraire. Relevons certains épisodes comme la belle relation avec Gabriel Fauré qui a toujours défendu Ravel contre les attaques dont il a été l’objet de la part, notamment, de certains groupes de compositeurs (y compris Debussy qui n’était pas un tendre !) sans doute fort agacés par le succès public de leur collègue !

À cet égard, Bergès, nous fait prendre conscience à quel point Ravel a été le compositeur vivant le plus joué à son époque. Il analyse aussi très justement le rôle qu’a eu l’univers hispanique, dans sa vie et son œuvre, surtout après ses séjours fréquents dans sa ville basque natale de Ciboure dès 1911 et ses voyages au-delà des Pyrénées, jusqu’à ce célèbre Boléro de 1928 qui évoque si bien la magnifique « escuela bolera » en Espagne au XVIIIe siècle (Bergès lui consacre un encarté remarquable) sans parler de sa grande amitié avec le pianiste Ricardo Viñés et le pianiste et compositeur cubain Joaquín Nin qu’il fréquentait souvent à Paris.

La prétendue homosexualité du compositeur est évoquée avec délicatesse sans lui donner plus d ‘importance. Et – ce qui est essentiel – Bergès souligne de façon émouvante l’engagement de Ravel durant la guerre 1914-1918 et son humanisme profond quand, après le conflit, il prend la défense des jeunes compositeurs autrichiens tels que Webern et Schönberg face à l’ostracisme général. Son ouverture au monde aussi. On oublie trop souvent qu’il a été, à son époque, le compositeur français  le plus fêté à l’étranger notamment aux États-Unis.  Il a parcouru le pays, découvert le Jazz et s’est lié d’amitié avec Gershwin et la soprano canadienne Eva Gauthier, trop méconnue en Europe, qui organisa une belle fête à New York en son honneur.

La musique de Ravel sous-tend le récit en permanence et en refermant le livre on n’a qu’une hâte : réécouter aussitôt Daphnis et Chloé, les chants de Don Quichotte à Dulcinée ou ses deux ouvrages lyriques L’Enfant et les sortilèges et l’Heure espagnole !

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Patricia réunit alors, en urgence, son équipe avec en première ligne le pianiste Thomas Tacquet, très investi dans cette aventure, et demande au jeune ténor Malthus Djatché, actuellement au Conservatoire d’Évry, de remplacer Vanel Djoko au pied levé et à la soprano Suzanne Taffot, canado-camerounaise de se joindre à l’équipe. Les répétitions ont ainsi duré jusque tard dans la nuit la veille du concert. Ce sont donc des artistes chauffés à blanc qui, avec un enthousiasme redoublé, montent sur scène ce soir du 21 mai ! Et le public ne sera pas déçu! En lever de rideau Thomas Tacquet joue magnifiquement l’ouverture de l’opéra Treemonisha de Scott Joplin dans une superbe version pour piano. Puis c’est Malthus Datché, aux allures d’adolescent fougueux, qui débute vaillamment la soirée en se lançant avec audace et enthousiasme dans le célèbre air de bravoure de La Fille du Régiment de Donizetti, véritable défi pour les ténors tant les contre-uts s’y succèdent. Malthus épate l’audience : non seulement il est d’une aisance confondante, se jouant avec jubilation de toutes les difficultés, mais il impressionne aussi par sa belle musicalité et sa diction remarquable ! Le public lui fait un triomphe. Sa technique semble si naturelle qu’on lui souhaite simplement d’étudier calmement le répertoire avec un bon pianiste chef de chant !

La soprano canado-camerounaise Suzanne Taffot, après un « Air des bijoux » de Faust de Gounod, chanté avec beaucoup de brio, interprète avec lui, le duo de La Bohème de Puccini qui laisse présager chez le jeune ténor au timbre chaleureux une bien belle carrière ! Dans cette soirée, La mezzo-soprano Camille-Taos Arbouz, déjà bien ancrée dans la profession, est époustouflante dans l’air « Cruda Sorte » de L’Italienne à Alger de Rossini, sa voix à la fois chaleureuse et puissante se jouant de toutes les pyrotechnies rossiniennes avec une facilité déconcertante. Cette grande artiste, avait accordé une interview passionnante à Christophe Rizoud pour Forum Opéra le 9 mai 2025. Son interprétation de Carmen en duo avec Malthus Djatché est remarquable et, à la fin du concert, le chant kabyle d’Idir, Ssendu, en hommage à sa famille, est juste bouleversant. Enfin la jeune soprano Tahira Zossou, formée à la Royal Academy de Londres, au timbre solaire et aux aigus lumineux et flûtés, a chanté la cavatine d’Agathe du Freischütz de Weber, dans un allemand précis et un style qui nous a rappelé les grandes sopranos viennoises d’autrefois. Pour terminer le concert tous les chanteurs se sont réunis pour interpréter d’émouvants chants sénégalais qui sont allés droit au cœur du public qui n’a pas ménagé ses applaudissements. Patricia n’a pas manqué bien sûr de s’exclamer vaillamment : « on ne t’a pas oublié pas Vanel Djoko, tu étais avec nous ce soir ! ». Il reste à souhaiter une belle tournée aux « Voix d’Afrique » à travers la France.

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Quelle belle idée, dès lors, de remonter planches et tréteaux dans des lieux insolites de Paris ou de ville en ville comme au début du XVIIIe siècle, et de retrouver l’esprit des spectacles qui animaient autrefois les foires de St Germain et St Laurent ! Cette forme de représentations, dans lesquelles alternaient textes, musique et danses, avait connu un tel succès populaire qu’elle était devenue, sous le nom d’opéra-comique, le genre emblématique du Siècle des Lumières. Comme les comédiens ambulants de naguère, le théâtre va sortir de ses murs, prendre la route et renouer ainsi avec son histoire. « En effet- précise son directeur- si l’Opéra National et la Comédie Française sont des théâtres vraiment parisiens, l’Opéra-Comique est le théâtre de toutes nos régions ». Le public est donc invité à devenir nomade lui aussi!

Ainsi le spectacle La Fabuleuse Histoire de l’Opéra-Comique de Léo Cohen-Paperman et Émilien Diard-Detœuf, coproduit avec la scène nationale de Poitiers, partira en tournée, entre janvier et mai 2027, pour 25 représentations, mêlant les musiques de Dauvergne, Grétry, Bizet et Offenbach à des chansons « de variétés » (terme idoine s’il en est !). Accompagnés par un trio à cordes, les jeunes chanteurs de l’Académie de l’Opéra-Comique, planteront leurs tréteaux à Poitiers en janvier avant de sillonner les routes de France du sud-ouest à la Touraine, de la Bretagne à l’Île-de-France et du Lyonnais à l’Alsace.

Mais c’est bien sûr à Paris que débutera la saison. Paris, où les équipes du théâtre ont trouvé des lieux insolites et historiques, devenus partenaires, qui accueilleront gracieusement les spectacles. Les 9, 11 et 12 septembre 2026, Zaïde ou le Chemin de lumière d’après W. A. Mozart, créé à Salzbourg en août 2025, sera ainsi repris dans le beau Hall Eiffel du Lycée Carnot boulevard Malesherbes. Et ce n’est pas un hasard, précise Louis Langée, « l’Opéra-Comique repose sur une forêt de poutrelles rivetées Eiffel et sa tour apparaît sur les murs du Foyer ! »  Raphaël Pichon, qui sera à la tête de l’orchestre Pygmalion, a conçu ce spectacle en ajoutant au singspiel Zaïde, laissé inachevé par Mozart, des extraits d’autres œuvres notamment Thamos, roi d’Égypte. Les dialogues seront de Wajdi Mouawad et c’est la soprano Sabine Devieilhe qui interprétera le rôle-titre.

Du 24 au 27 septembre, lui succédera l’histoire de Carmen, figure emblématique du théâtre, un spectacle créé à la Cartoucherie de Vincennes et à Avignon, intitulé Carmen, opéra-paysage itinérant. Conçu par Jeanne Desoubeaux et interprété par une troupe de dix artistes, il s’agit d’une sorte de déambulation lyrique qui débutera à Paris dans le collège Couperin, siège de la Maîtrise de l’Opéra-Comique, et la Cité Internationale des Arts avant de tourner dans les théâtres coproducteurs à Caen et Forbach puis dans les Yvelines et la région de Nouvelle-Aquitaine. Le théâtre a même conçu une valise pédagogique multisensorielle (sic!) intitulée « Carmen à emporter » !

Suivra en novembre un spectacle commandité par l’Opéra-Comique et le Festival d’Aix-en-Provence, auquel Louis Langrée est très attaché. Cette soirée est composée de L’Histoire du soldat de Stravinsky et de l’opéra Into the Little Hill de George Benjamin inspiré de la légende du Joueur de flûte de Hamelin des Frères Grimm. À ce sujet, Louis Langrée insiste sur le lien profond qui a souvent uni l’Opéra-Comique aux grands écrivains, tels que Maeterlinck, Ramuz, Apollinaire, Cocteau, Boris Vian, etc. C’est le Théâtre de Gennevilliers où Into the Little Hill a été créé en 2006, qui accueillera ce spectacle pour six représentations (du 8 au 16 novembre) avec la soprano Jennifer France et la mezzo Joanne Evans tandis que, dans la fosse, l’Orchestre Philharmonique de Radio France sera placé sous la direction de Lucie Legay.

Enfin c’est au Grand Palais (décidément Eiffel est encore au rendez-vous!) que sera créé les 11, 12 et 13 juin Heaven & Hell sur des textes du célèbre recueil de poèmes de William Blake, une vaste œuvre chorale commandée par l’Opéra-Comique à Pascal Dusapin. Toute une aventure ! Étant donné l’acoustique très réverbérante du Grand Palais, les initiateurs du projet, notamment la metteuse en scène Netia Jones, ont conçu spécialement pour cet espace une sorte de Messe de requiem où l’ensemble instrumental et le dispositif électro-acoustique de Thierry Coduys accompagneront les 200 choristes amateurs et la maîtrise de l’Opéra-Comique avec, en soliste, la mezzo Christel Loetzsch, disposés à travers tout l’espace.

À partir de janvier, le foyer du théâtre ouvrira ses portes pour accueillir des mises en espace de Rita de Donizetti, du Docteur Miracle de Bizet et Georges et Carmen d’après le roman de Jean Rousselot, ainsi qu’une série de récitals consacrés à Gounod, Messager et Massenet avec le baryton Félix Merle, la soprano Camille Chopin et la mezzo-soprano Léontine Maridat-Zimmerlin.

Enfin, Louis Langrée, tout juste revenu de New York, ce 18 mai 2026, a annoncé la création d’un programme d’échanges culturels entre la célèbre Juilliard School et l’Opéra-Comique, qui sera à l’origine des concerts qui auront lieu les 12 et 13 mars 2027 au foyer. Il ne nous reste qu’à souhaiter bon vent à notre cher Opéra-Comique !

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C’est la soprano française Odile Heimburger qui en a eu l’idée après avoir lu un roman oublié de l’exploratrice, intitulé Le Grand Art, découvert et édité il y a quelques années seulement. Alexandra David Néel y évoque une époque de sa jeunesse trop longtemps passée sous silence. Très tôt, dans sa lutte pour s’émanciper des tensions familiales, elle songe à voyager vers de lointains horizons et dévore les récits de Jules Verne. Mais c’est par la musique, étudiée au conservatoire de Bruxelles, qu’elle y parvient bientôt en commençant, sous le nom d’Alexandra Myrial, une carrière de grand soprano d’opéra, notamment à Hanoi en 1895 (Y a-t-elle rencontré Camille Saint-Saëns qui y avait séjourné cette année-là ?). Parmi ses grands rôles : Violetta de La Traviata de Verdi, Lakmé de Delibes, Marguerite de Faust de Gounod, etc…

Odile Heimburger et la metteuse en scène Camille Panonacle ont alors eu l’idée de concevoir un spectacle qui raconterait sous la forme d’un journal, les « années d’apprentissage » de la cantatrice nomade à travers les grands rôles qu’elle a interprétés. Et ce qui exceptionnel dans cette soirée c’est qu’elles ont su éviter le piège d’une banale succession d’airs d’opéra. En effet, il s’agit bien ici d’une pièce de théâtre musical dont le découpage élaboré avec le pianiste Antoine Palloc et issu de nombreuses épures, est d’une rare subtilité et permet un récit, allié à la musique, dont la tension ne faiblit jamais. Ainsi les airs ne sont pas forcément interprétés toujours dans leur intégralité. C’est le texte de l’écrivaine qui les inspire au point qu’au bout d’un moment on ne fait plus référence systématiquement aux opéras dont ils sont extraits. Ainsi, le début de l’air de Lakmé où « tout palpite et je commence à vivre » semble la suite logique d’un écrit d’Alexandra et le célèbre « Il faut partir » de Donizetti lancé comme un cri libérateur semble composé pour la circonstance tout comme l’air de Juliette, « je veux vivre dans un rêve », de Gounod sans oublier le bouleversant « Je marche sur tous les chemins » de Manon de Massenet où la cantatrice en robe rouge flamboyant semble sortir des ténèbres vers la lumière. On passe ainsi du texte à la musique dans un rythme constamment soutenu. Et au pied de la scène, l’orchestre lui répond avec une complicité attentive sous la direction de Takénori Némoto (les musiciens sont excellents avec de beaux soli de flûte et de clarinette notamment).

Dès son entrée en scène, Odile Heimburger « est » Alexandra. Quelle présence en scène dans ces costumes magnifiquement dessinés par Karen Scholz Zorione qui réinvente les célèbres vêtements que portaient l’exploratrice ! Camille Panonacle a réglé la mise en scène avec finesse. La scénographie est simple et belle, dans les lumières délicates d’Estelle Cerisier. La soprano, seule en scène, narre le récit avec un talent de comédienne impressionnant : c’est si rare, aujourd’hui (même dans les grands théâtres), d’entendre les textes dits avec une telle sensibilité, une telle élocution qui porte loin les phrases, jusqu’au murmure. De plus, s’affronter, ainsi sans répit, sans jamais faillir, à tous ces airs virtuoses tient de l’exploit. Odile Heimburger y parvient grâce à une technique sans faille, un appui du souffle constant et juste, une émission du texte dont on ne perd pas un mot. Quelle égalité d’émission avec des graves de grand soprano lyrique et des suraigus de colorature à la fois vaillants et lumineux. On comprend le triomphe que lui réserve à la fin le public debout ! Personne finalement ne s’attendait à un spectacle aussi bouleversant. Il faut, à présent, qu’il tourne à travers le pays ! Et on rêve d’entendre un jour Odile Heimburger dans « La Voix humaine » de Francis Poulenc. Un rôle sur mesure pour elle !

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Remarquable ténor lyrique d’opéra, Enguerrand de Hys est aussi un récitaliste singulier. On se souvient de sa prestation remarquable dans L’Enlèvement au Sérail de Mozart à l’Opéra Royal de Versailles dont Forum Opéra avait rendu compte en mai 2024. On retrouve au récital les mêmes qualités de son chant : le timbre lumineux, l’égalité d’émission sur toute la tessiture du grave sonore à l’aigu rayonnant. Grâce à un legato sans failles et à une précision vocalique rare on ne perd pas un mot des textes qu’il chante que ce soit dans le répertoire italien et allemand ou, comme ici, en français. Quel beau duo il forme avec le pianiste Paul Beynet (on songe à la belle complicité, autrefois, entre Fritz Wunderlich et Hubert Giesen) ! Les deux artistes se sont rencontrés au Conservatoire de Toulouse et ne se sont plus quittés.

Leur programme débute par les Trois Prières qu’André Caplet avait composées dans les tranchées durant la première guerre mondiale (le ténor présente judicieusement les œuvres interprétées). L’émotion qui se dégage du chant, qui va de l’aigu forte jusqu’au murmure, est  immédiate et l’accompagnement de Paul Beynet est à l’unisson. Vers la fin du récital ils interprètent aussi la bouleversante Prière Normande qu’André Caplet avait également composée lors de la Grande Guerre. Caplet, comme Honegger avec ses Trois Psaumes, donnent une réelle densité au programme composé, par ailleurs, d’œuvres de Fauré et Gounod ainsi que d’auteurs moins connus comme Mel Bonis, Jacques de la Presle et Clémence de Grandval.

Un programme sans concession, on le voit, qui correspond exactement à celui qu’ils ont enregistré. Cependant, lors d’un récital, une telle succession de thèmes religieux qui invite surtout au recueillement se heurte vite à une certaine uniformité de sorte qu’on décroche plusieurs fois. Plus de diversité et de contrastes seraient les bienvenus, en intégrant des œuvres spécialement choisies pour le récital. Paul Beynet est une découverte pour beaucoup: il sera en concert le 10 avril et le 7 juin à l’église St Julien le Pauvre à Paris. Quant à Enguerrand de Hys nous pourrons l’entendre l’automne prochain à l’Opéra Royal de Versailles dans l’opéra Tarare de Salieri et Don Giovanni de Mozart.

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Et très juste historiquement ! Dans l’Europe de l’immédiat après-guerre et grâce aux alliés américains le jazz était devenu à la mode. Notamment dans la salle du Bœuf sur le toit que fréquentait assidûment Jean Cocteau et qui devait son nom au ballet homonyme de Darius Milhaud, récemment débarqué du Brésil. Cocteau avait suggéré au compositeur de situer l’action dans un bar américain à l’époque de la prohibition – sujet très à la mode – d’autant que les tangos et maxixes brésiliens lui rappelaient les ragtimes d’outre-Atlantique et leurs dérivés en fox-tot ! Le 11 mars 1925, le « musical » No No Nanette est créé à Londres dans une production nouvelle du Palace Theatre qui bat tous les records de durée à l’affiche. Or à Paris, en 1926, les Frères Isolas viennent d’acquérir le Théâtre Mogador et sont à la recherche d’une œuvre lyrique populaire pour leur première saison. Ce sera No No Nanette, qu’ils découvrent lors d’un séjour à Londres et qui devient, le 29 avril 1926, le premier « musical » américain créé à Paris. No No Nanette est aussitôt un succès national et les nouveaux rythmes américains vont contaminer l’opérette française en quête d’un nouvel élan. La production des Frivolités Parisiennes, en tournée en France depuis le 7 mars, s’inscrit dans ce même élan et l’adaptation française de Christophe Mirambeau est exemplaire. L’orchestre réunit des musiciens tous remarquables et devenus des spécialistes enthousiastes du répertoire spécifique de l’opéra-comique français et du théâtre lyrique léger. Dirigés par Benjamin Pras (qui est aussi au piano) ils participent même à l’action par des bruitages ou des commentaires spécialement écrits pour les instruments et savamment dosés. Une complicité applaudie chaleureusement à la fin du spectacle !

La trame est digne d’une comédie de boulevard ! Mme Smith, femme très puritaine et son époux, éditeur devenue richissime en vendant des millions de bibles, éduquent leur fille adoptive Nanette à qui ils disent toujours « Non, non ! » à ses désirs d’émancipation. Quand on apprend que le vendeur de bibles entretient plusieurs jeunes femmes à travers le pays, le public est emporté à fond de train dans un vaudeville aux multiples chassés-croisés désopilants !

On doit la magnifique mise en scène à la jeune californienne Emily Wilson installée à Paris depuis 2001 et à son complice belge Jos Houben. Pour régler ce spectacle intégralement chorégraphié ils ont pu compter sur l’interprète impeccable du rôle de Mme Smith, Caroline Roëlands danseuse, chanteuse et comédienne d’origine californienne rompue aux règles du genre. On aimerait citer tous les interprètes tant ils sont éblouissants. Les membres du chœur sont chanteurs, comédiens et acrobates tellement virtuoses qu’ils semblent inventer à tout moment une chorégraphie réglée au cordeau ! Signalons le beau timbre de mezzo de Lauren Van Kempen, les deux amoureux : Marion Préïté inénarrable dans le rôle de Nanette et Loaï Rahman, dans le rôle de Tom, baryton léger, musicien dans l’âme et danseur élégant de tap dance. Les trois demoiselles qu’entretient le vendeur de bibles sont malicieuses à souhait dont Véronique Hatat qui se lance un moment dans de brillantes coloratures ! Mr Smih c’est l’imposant Arnaud Masclet et Pauline, la bonne à tout faire, Marie Elisabeth Cornet drôle et émouvante à la fois (son petit air murmuré à la fin du spectacle en est même bouleversant).

Quant à la création scénographique d’Oria Puppo c’est un modèle du genre : de vastes panneaux de couleurs délimitent les différents espaces de jeu tout comme les meubles à l’élégance discrète qui semblent inspirés de la Sécession viennoise ! Sans parler des figures géométriques multicolores en carton dont se jouent les membres du chœur avec malice et tendresse (notamment lors du duo d’amour des protagonistes). Aux saluts, le public est debout ! On l’a compris, c’est un spectacle à ne pas rater. Voir aussi l’article de Catherine lors de la création à Reims et de Jean-Marcel Humbert, lors de la reprise à Compiègne.

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© Pierre Grosbois

Le jeune écrivain évoque ses rencontres fréquentes, sur la plage de Santa María del Mar, avec un homme mystérieux qui y promène ses deux lévriers. C’est un récit de Raymond Chandler, auteur favori de Padura, « The man who loved dogs » qui lui vient aussitôt à l’esprit. L’enquête avance au rythme de ces promenades, où l’inconnu, sous le nom de López, lui raconte l’horreur de la guerre civile espagnole, le destin tragique de Trotski et l’ambiance glaçante de Moscou où il s’est réfugié. Ce n’est qu’à la fin du roman que le lecteur comprend qu’il s’agit bien de Ramón Mercader, l’assassin de Trotsky accueilli par Fidel Castro à Cuba en 1974.  Or ce qui fait la grandeur du roman de Padura c’est justement l’enchevêtrement de ces deux histoires avec le récit de sa propre expérience à Cuba et du destin tragique de ses compatriotes souvent condamnés à l’exil au péril de leur vie. En ce sens le chapitre 23 est bouleversant : en 1994, Iván assiste au port de Cojimar au départ en exil de nombreux Cubains désespérés sur des embarcations de fortunes et comme « des centaines de milliers d’hommes et de femmes » à travers le pays ils fuient la dictature. « Dans ces trois histoires –explique Padura – l’une est la conséquence de l’autre ». Toute cette dimension disparaît malheureusement dans le spectacle, lui ôtant la véritable portée à laquelle on s’attendait. La mise en scène dépouillée de Jacques Osinski est efficace, et les projections réalisées sur la toile d’avant-scène par Yann Chapotel magnifiques même si la présence en permanence de cette toile contraint le spectateur à une certaine distanciation avec les personnages en scène. En réalité, le spectacle doit beaucoup à ses interprètes, à commencer par les chanteurs, tous excellents, notamment le ténor Pierre Emmanuel Robert, impressionnant dans le rôle de Trotsky, qui se confronte avec virtuosité à une écriture vocale aussi périlleuse qu’artificielle, les suraigus brillants qu’il parvient à négocier aisément succédant régulièrement aux graves profonds. La désarticulation de la phrase et les accents toniques de la langue française souvent mis à mal font que, sans les sous-titres, on comprendrait difficilement les interprètes. C’est au point qu’on est heureux (voire soulagés) de les entendre dans les scènes parlées où leur diction est parfaite et leur talent de comédiens affirmés. Cette écriture vocale nous ramène à des schémas trop rebattus par une certaine école de composition qui a de moins en moins cours aujourd’hui heureusement. Le rôle de l’agent soviétique Todov est remarquablement interprété par le baryton Vincent Vantyghem, à la voix ample et sonore et celui de Ramón Mercader chanté avec une belle sensibilité par le baryton Olivier Gourdy. Il parvient à rendre la fragilité du personnage particulièrement touchante face à une mère fanatique et autoritaire dont le rôle convient parfaitement à la voix sonore de la soprano Léa Trommenschlager. Les musiciens de l’ensemble Court-circuit sont tous excellents sous la direction précise de Jean Deroyer. Dans la musique du compositeur Fernando Fiszbein (né en Argentine en 1977 et installé en France depuis l’an 2000), dont le pointillisme omniprésent à l’orchestre semble parfois un peu suranné, il faut noter le très beau moment de lyrisme lors de la lecture de la longue lettre adressée à Trotsky et son épouse en exil à Barbizon en 1933 et 1934. Un moment trop rare de belle émotion musicale dans cette soirée plutôt éprouvante.

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© Mathias Benguigui

Le jeune chef Klaus Mäkelë très à l’écoute de ses musiciens et aimé du public, notamment pour son investissement, sa fougue et sa sympathie, dirige le prélude du Kyrie et l’entrée du chœur avec la gravité et la lenteur requise et aussi une certaine retenue. Par contre, dès l’introduction énergique du Gloria, il nous entraîne avec fougue dans cet hymne à l’humanité, dans cette foi en son combat pour conquérir la liberté et la joie au sens le plus noble du terme. C’est dans le Gratias agimus tibi que se détache le merveilleux quatuor vocal qui sera si émouvant toute la soirée. Un quatuor de grandes voix, aussi homogène qu’un ensemble de musique de chambre, qui nous va droit au cœur. La soprano Chen Reiss, que Jérémie Rohrer avait déjà engagée à la Philharmonie, est sublime. Sa voix possède un timbre chaleureux et peut passer de la douceur aux suraigus vaillants sans jamais perdre cette couleur magnifique. Quelle égalité sur toute la tessiture ! Et c’est le cas de tous les chanteurs. La voix de la mezzo Wiebke Lehmkulh qu’on a pu entendre déjà à Paris, notamment dans le rôle d’Erda de la Tétralogie de Wagner, se marie à merveille avec elle tout comme avec celle du ténor Andrew Staple capable de tant de couleurs, aux aigus brillants, tantôt héroïques et tantôt filés jusqu’aux piani les plus subtils. Son intervention dans le déchirant Et homo factus est du Credo est bouleversante. L’engagement et la puissance du chœur sont impressionnants tout au long du concert et particulièrement ici dans la fugue Et vitam et l’Amen final martelé avec force. Dans le Benedictus du Sanctus qui suit, c’est la voix de la soprano qui domine le quatuor dans de longues phrases au aigus lumineux. C’est alors que s’élève  le chant particulièrement poignant du violon interprété avec un lyrisme puissant par Sarah Nemtanu, nommée premier violon de l’orchestre le 1^er janvier dernier. Son solo, tel un message de paix, parcourt toute la fin du Sanctus. Quant au baryton Gerald Finley, qu’on ne présente plus, sa voix large et profonde s’épanouit vraiment au début de l’Agnus Dei avec une largeur et un dramatisme inhabituels donnant plus de force encore au recueillement qui suit et surtout au mot Pacem scandé énergiquement par le chœur jusqu’à la fin, sous la direction vigoureuse de Mäkelë, tel un appel déterminé à l’humanité tout entière. Et le message est fort par les temps qui courent! L’émotion était palpable dans le public qui s’est levé pour faire un triomphe à l’orchestre et aux chanteurs.

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© Javier De Real

Après l’entracte, en prélude aux Tréteaux de Maître Pierre c’est l’Espagne de 1939 qui est à l’écran alors que se mêlent les mains tendues des saluts fascistes. Manuel de Falla se souvient de son départ en exil et les spectres goyesques réapparaissent. Paco López a judicieusement choisi, en introduction, sa Psyché, mélodie avec ensemble instrumental, sorte d’appel au renouveau du printemps, à laquelle la grande voix de Raquel Lojendio aux aigus pianissimi lumineux, donne une tonalité presque tragique que le prélude des Tréteaux de Maître Pierre qui lui succède dissipe à peine. La mise en scène est très astucieuse : le théâtre de marionnettes est remplacé par un film muet comme ceux des années 1920, et cela fonctionne à merveille. La lutte, sur l’écran, du chevalier médiéval pour libérer son épouse, soudain ramené dans la vraie vie par l’idéaliste Don Quichotte, n’est pas étrangère à notre monde actuel. Cette mise en abîme a pu heurter une partie du public mais elle est pertinente. Le jeune ténor Pablo García López incarne Maese Pedro et dans le personnage du Trujamán qui raconte l’histoire, la mezzo-soprano Lydia Vinyes-Curtis est impayable. Quelle voix claire et sonore et quelle comédienne ! Quant au baryton Gerardo Bullón, il est un Don Quichotte émouvant à la voix chaude et à la diction sans faille. Tous deux sont très applaudis aux saluts.

On sort du théâtre particulièrement impressionné. Concevoir un tel spectacle était un défi ambitieux relevé brillamment par le Théâtre de la Zarzuela.

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