• Pourquoi « Vittoria ! » dans Tosca ? par Jean Michel Pennetier (Puccini, Tosca)

• Maometto II, un sultan peu rossinien par Cédric Manuel (Rossini, Maometto II)

• Andrea Chénier, il n’a pas été soldat par Cédric Manuel (Giordano, Andrea Chénier)

• Aïda, servante de Ramsès III ? par Jean-Marcel Humbert (Verdi, Aida)

• Gustave III, l’autre fantôme de l’opéra par Cédric Manuel (Verdi, Un ballo in maschera ; Auber, Gustave III ou Le bal masqué)

• Don Carlos, le vrai par Roselyne Bachelot (Verdi, Don Carlos)

• Cléopâtre, la première femme libre ? par Jean-Marcel Humbert (Haendel, Giulio Cesare, entre autres)

• Attila, une mauvaise réputation justifiée par Cédric Manuel (Verdi, Attila)

• Xerxès, ses amours, ses batailles et son gros platane par Guillaume Saintagne (Haendel, Serse)

• Salomé, la décapiteuse décapitée par Jean-Jacques Groleau (Strauss, Salome ; Massenet, Herodidade, entre autres)

• Cinq-Mars, l’homme qui en voulait trop par Cédric Manuel (Gounod, Cinq-Mars)

• Le roman vrai de la traviata par Jean Michel Pennetier (Verdi, La traviata)

• Sémiramis, de l’histoire à la légende par Maurice Salles (Rossini, Semiramide)

• Electre : « Familles, je vous hais ! » par Clément Taillia (Strauss, Elektra)

• Benvenuto Cellini : la gloire était sa seule idole par Cédric Manuel (Berlioz, Benvenuto Cellini)

• Marie Stuart : « En ma fin est mon commencement » par Cédric Manuel (Donizetti, Maria Stuarda)

• Pour réhabiliter Lucrèce Borgia par Roselyne Bachelot (Donizetti, Lucrezia Borgia)

• Nabucco donne vie à Nabuchodonosor II par Thierry Verger (Verdi, Nabucco)

• Boris Godounov, Un fake qui a changé l’histoire par Yvan Beuvard (Moussorgski, Boris Godounov)

• Anne Boleyn, la reine aux yeux bleu-nuit par Cédric Manuel (Donizetti, Anna Bolena)

• Simon Boccanegra, le doge sans gêne par Cédric Manuel (Verdi, Simon Boccanegra)

• « N’élisez pas Francesco Foscari » par Cédric Manuel (Verdi, I due Foscari)

• La main au collier par Cédric Manuel (Corigliano, Ghosts of Versailles)

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Si la réputation de Cléopâtre a traversé les siècles, c’est en grande partie en raison du parfum de scandale qui a touché nombre de ses actions. On a dit d’elle qu’elle était impie et débauchée, menteuse et traîtresse, dépensière et envoûtante, et plus encore « Égyptienne », ce qui en soi était encore plus condamnable… « Argent, sexe, scandale… » : cette caractérisation très raccourcie du film de Mankiewicz illustre d’une manière générale la réception du personnage historique par notre monde actuel.

Mais qui était donc la vraie Cléopâtre ? Et d’abord, était-elle vraiment belle ? Le faible nombre de témoignages archéologiques, et le fait que bien des « portraits » ne soient pas attestés, rendent difficile une analyse objective. On peut néanmoins relever quelques constantes : grand yeux, pommettes saillantes, bouche petite voire mutine, et bien sûr un nez remarquable, constituent les caractéristiques principales d’un visage relié par un cou relativement fort à une poitrine parfaite. Et si les représentations stéréotypées sur les murs des temples ne cherchent pas vraiment une quelconque ressemblance, les monnaies de l’époque tirent au contraire vers un réalisme frôlant la caricature : yeux encore plus grands, menton proéminent, nez parfois démesuré… Néanmoins, il ressort de tous ces portraits une impression de force de caractère et de volonté indéniables.

Son pouvoir de séduction résidait donc aussi dans d’autres charmes. Lucain parle de sa « beauté malfaisante [et] fardée », et de sa « poitrine éclatante à travers un voile ». Pour Florus, personne ne pouvait résister à sa séduction. Plutarque s’interroge quant à lui sur son pouvoir magnétique : « sa beauté seule, à ce que l’on dit, n’était point si incomparable […] ni telle qu’elle ravit immédiatement ceux qui la regardaient » ; et il souligne que c’est quand elle parle qu’elle surprend et « ravit » ; les propos qu’elle énonce, vifs et intelligents, sont dits d’une voix suave « qui assaisonnait tout ce qu’elle disait » ; c’est ainsi qu’elle tenait sous son charme les auditeurs « qui ne pouvaient échapper à sa prise ».

Née en 69 avant J.-C., elle est la septième princesse grecque à porter ce nom. Sa vie, singulièrement originale, est faite de successions de moments épiques, pour ne pas dire excitants. Elle succède en 51 avant J.-C. à son père Ptolémée XII Aulète, mais aussitôt se trouve plongée au milieu de querelles de palais mettant à chaque instant son pouvoir – et sa vie – en danger. De ce fait, pour conserver son trône, elle est contrainte d’éliminer bon nombre de ses proches. Heureusement, elle a plusieurs atouts politiques qui vont lui être très utiles. Son intelligence, d’abord, est hors du commun, elle parle une dizaine de langues, dont l’égyptien. Mais surtout, elle respecte les croyances et les divinités locales, permettant à la civilisation égyptienne antique de jeter ses derniers feux.

Toutefois, elle doit, comme son père, faire appel aux Romains pour l’aider à maintenir à la fois sa position de reine, et l’indépendance de son pays. C’est dans ce contexte qu’elle conclut à l’absolue nécessité de rencontrer Jules César qui vient d’arriver en Égypte pour un séjour de 9 mois. N’arrivant pas à obtenir de rendez-vous, elle use d’un subterfuge raconté par Plutarque ; elle se cache dans un tapis qu’elle lui fait envoyer en présent ; lorsque le porteur le déroule devant lui, elle apparaît à ses yeux, et n’est pas longue alors à le subjuguer. S’ensuit une idylle qui culmine lors d’une croisière sur le Nil, où la reine d’Égypte ne ménage aucun effet de décorum, avec musique et danse. Naît de cette union un fils, Césarion, qu’elle emmène avec elle à Rome, où elle va rejoindre son amant. Séjour écourté par l’assassinat de ce dernier en 44.

Cléopâtre doit alors trouver pour l’Égypte un nouveau protecteur. Marc Antoine, responsable des provinces romaines orientales, cherche aussi une alliance, et lui propose de la rencontrer à Tarse. Elle accepte aussitôt, d’autant qu’elle l’avait déjà croisé à Rome et qu’il ne lui était pas indifférent. Elle va donc mettre en œuvre une vaste entreprise de séduction, de manière à rendre cette rencontre aussi inoubliable que mythique. Conquis, il la suit à Alexandrie où ils vont vivre un hiver torride, duquel naissent deux jumeaux, Alexandre et Cléopâtre. Antoine est néanmoins contraint d’épouser Octavie, la sœur de son rival politique Octave. Il n’en poursuit pas moins ses assiduités, et rencontre à nouveau Cléopâtre à Antioche. Elle arrive à ses fins, et obtient de lui une nouvelle organisation du monde antique la favorisant ainsi que ses enfants.

Mais à Actium (31 avant J.-C.), la flotte d’Octave met en déroute celle d’Antoine et de Cléopâtre. C’est à Alexandrie, où ils sont réfugiés, que s’achève l’histoire en 30 avant J.-C. Préfigurant celle de Roméo et Juliette, Antoine, apprenant la fausse nouvelle de la mort de Cléopâtre, se frappe d’un coup d’épée et meurt dans les bras de son amante à qui on l’a amené expirant. Pas d’autre échappatoire pour elle que le suicide. Poison ou morsure de vipère aspic ? La postérité à tranché pour la seconde solution, qui permet aujourd’hui de repérer instantanément les tableaux représentant cette mort romanesque, par le petit serpent qui soit lui mord le sein, soit s’enroule à son bras, soit se sauve une fois son forfait accompli. Ainsi s’éteint la dernière reine – et la plus connue – de la dynastie macédonienne des Ptolémées Lagides.

Il n’est donc guère étonnant que le théâtre lyrique – après le théâtre parlé – se soit lui aussi intéressé à ce personnage protéiforme. On dénombre plus d’une cinquantaine d’opéras ayant adapté un ou plusieurs épisodes de la vie de la reine d’Égypte, sans compter les ballets et autres pièces musicales, accompagnements et musiques de scène. Ainsi Cléopâtre est-elle chez elle sur scène : bien sûr le Giulio Cesare in Egitto de Haendel (1724) reste aujourd’hui encore l’œuvre la plus souvent représentée. La Cleopatra et Cesare de Graun (1742), créée pour l’ouverture du Deutsche Staatsoper de Berlin, y a été redonnée 250 ans après. Certaines sont bien oubliées, comme La Morte di Cleopatra de Sebastiano Nasolini – 1791, ou la Cleopatra de Joseph Weigl – Scala 1807. D’autres n’ont pas vraiment trouvé les faveurs du public et sont très rarement jouées (comme celles de Rossi – 1876, de Massé – 1885 ou de Massenet – 1912). Et bien d’autres encore sont venues s’ajouter au XX^e siècle à une liste déjà bien longue.

Cléopâtre, qui continue ainsi à se survivre entre Histoire et modernité, ne serait-elle pas le premier prototype – bien longtemps avant Carmen – d’une certaine forme de femme libre ?

Éléments de bibliographie :

• Edith Flamarion, Cléopâtre, vie et mort d’un pharaon, Paris, 1993.
• Christiane Ziegler, « Cléopâtre ou les séductions de l’Orient », dans le catalogue de l’exposition Egyptomania, Musée du Louvre, Paris, 1994, p. 552-566.

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Nous sommes dans le charmant petit théâtre « Lauro Rossi » de Macerata, dont le DVD permet de découvrir quelques vues intérieures au moment de l’entracte. Il est toujours inquiétant de retrouver sur DVD une œuvre que l’on a vue sur scène ; la technique peut en effet affadir la représentation, voire trahir l’œuvre, ou au contraire trop la magnifier. Ici, le résultat est simplement valorisant, notamment en ce qui concerne la partie sonore. Lors de la représentation (dont le compte rendu a été publié ici même), je regrettais que, dans ce tout petit théâtre, les chanteurs nous aient infligé une véritable « débauche de décibels ». Or la prise de son et le travail sur l’enregistrement sonore de ce DVD sont tout à fait remarquables, et le résultat bien supérieur à ce qu’il nous a été donné d’entendre « en direct » (à noter que l’enregistrement s’est fait sur deux représentations). De même, la toute petite scène chargée d’escaliers paraît beaucoup plus grande grâce à la magie des objectifs grand-angle, et les éclairages de Sergio Rossi, du fait de la prise de vue numérique, paraissent également très améliorés. La mise en scène, les décors et les costumes de Pier Luigi Pizzi supportent bien la caméra, grâce à une prise de vue et un montage fort dynamiques – parfois même un peu trop – et à une réalisation tout à fait excellente de Davide Mancini.

L’œuvre en elle-même a beaucoup gagné à sa captation filmée. Elle paraît plus resserrée, et si malgré tout Norma et plus généralement Verdi ne sont quand même jamais bien loin, elle semble gagner en originalité et en autonomie, et s’aligner plus qu’honorablement sur son exacte contemporaine La Gioconda, tout en annonçant des œuvres ultérieures comme Thaïs. La rigueur de la mise en scène lui donne une sorte de modernité certainement à l’opposé de ce à quoi rêvait le compositeur, très influencé par la toute récente Aïda. Mais il ne faudrait pas pour autant oublier que les temples qui font aujourd’hui le bonheur des touristes lors d’un voyage en Égypte sont pour la plupart d’époque ptolémaïque, et que le portrait de Cléopâtre figure sur celui de Denderah. Or cette épuration esthétique tire au contraire l’œuvre plus vers le côté « théâtre antique » gréco-romain que vers le péplum spaghetti néo-égyptien (encore qu’on ait droit quand même à des pseudo-prêtres isiaques avec perruque ou crâne rasé et pagne ou longue robe blanche) ; l’intérêt essentiel de ce choix est d’accentuer ainsi le caractère intemporel du thème.

Bien sûr, l’ensemble repose aussi sur le rôle écrasant de Cléopâtre (en scène pendant une grande partie de l’œuvre), et donc sur Dimitra Theodossiou. Une fois accepté le fait qu’elle apparaisse plus comme une femme amoureuse, blessée puis jalouse qu’un monstre politique, on doit admettre que son interprétation est remarquable. Et côté vocal, elle est au sommet de son art, comme dans sa très belle Margherita de Mefistofele enregistré sur DVD (cf. notre critique), et très supérieure à sa Giselda de l’été dernier à Macerata (cf. notre critique). On retrouve ici les notes allégées et filées, au point que l’on peut être sûr que l’enregistrement a été fait plus le 29 juillet que le 24 (date de notre compte rendu). Les trois airs, « Oracoli mendaci ! », « Io de’ venti vorrei l’audace » et « Ah no !… Che tenti ? », sont notamment exemplaires. Intelligence de la scène, talents de tragédienne, elle joue et chante une Cléopâtre solide et vigoureuse, mais qui sait être aussi émouvante quand il le faut. Parmi ses partenaires, on remarque tout particulièrement Alessandro Liberatore, un excellent Marco Antonio, à la voix ample et dynamique et à l’interprétation convaincante, Sebastian Catana, remarquable Diomede, Tiziana Carraro, touchante Ottavia et William Corrò, intéressant Proculejo. Paolo Pecchioli (Ottavio Cesare) est peut-être un tout petit peu en retrait par rapport à la qualité de la distribution, mais le rôle qu’il interprète est de fait un peu moins porteur. La direction d’orchestre de David Crescenzi reste, par rapport à la représentation, tout aussi convaincante et efficace.

Côté présentation du DVD, il est dommage que la notice, très courte (12 pages) et exclusivement en anglais dans l’exemplaire qui nous a été envoyé d’Italie, ne comporte que deux pages sur l’histoire de l’œuvre (par Paul Campion), alors que les excellentes analyses de Bernardo Ticci publiées dans le programme du spectacle auraient pu être réutilisées. Pas de bonus non plus, et service minimum en termes de sous-titrage : italien et anglais.

Malgré cette toute petite faiblesse, on ne pouvait rêver mieux pour ce premier enregistrement mondial de l’œuvre de Lauro Rossi, et l’on doit féliciter le Festival de Macerata d’avoir mis en place une politique d’édition en DVD de certains de ses spectacles. Celui-ci le méritait tout particulièrement, et de fait ce DVD est un « must » tant pour les amateurs de rareté, pour les fans de l’opéra italien de la fin du XIXe siècle, que pour les amoureux de Cléopâtre (si si, il y en a encore !…)

Jean-Marcel Humbert

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On ne connaît guère Lauro Rossi, sinon par trois courts extraits d’Amélia ou huit ans de constance (1834), enregistré par Jennifer Larmor pour Opera Rara, avec un excellent texte de présentation de Jeremy Commons, et un enregistrement intégral de son Domino Noir (1849). Mélodiste très doué, il écrit une musique complexe à la riche orchestration, très efficace au théâtre. Comme souvent chez les compositeurs restés dans l’ombre, il ne se dégage rien de vraiment original, et l’on pense, en écoutant leur œuvre, à bien d’autres : ici, à Norma, au jeune Verdi, à Meyerbeer et à Gounod, à Wagner aussi, à Gioconda et à Mascagni (limite vériste, ce qui montre bien l’évolution du compositeur à la fin de sa vie), enfin au Samson de Saint-Saëns, et même à l’Esclarmonde à venir de Massenet. C’est dire que cela pourrait tourner à la bouillabaisse. Fort heureusement, le liant est bien fait, et la globalité plutôt convaincante. Seule a manqué à Rossi la capacité de dépasser et de renouveler les modèles verdiens, pour aller vers le renouveau de l’opéra de la fin du XIXe siècle.
À cela, Bernardo Ticci, dans un excellent texte de présentation, ajoute que Rossi n’a pas pu ne pas être influencé par l’Aïda de Verdi, créée à la Scala peu d’années auparavant. La fin de l’acte 3, notamment, n’est pas sans faire penser aux imprécations d’Amnéris à la fin d’Aïda : « L’anatema che scagli furente sull’Egitto per te ricadrà. » Autre relation avec Aïda, la présentation du décor : « Un lieu délicieux près du palais royal de Cléopâtre. À droite, un riche pavillon, sous lequel est dressée une table somptueuse. À gauche, au fond, le temple d’Isis, dont les portes sont ouvertes. Au fond coule le Nil, dont les eaux sont illuminées de la Lune naissante. » Il y a certes d’autres similitudes entre Rossi et Verdi, notamment dans la manière de construire des scènes spectaculaires, ainsi que dans le traitement des voix. D’ailleurs, on notera que la Cleopatra de Rossi a été créée à Turin par Teresina Singer, « l’une des plus grandes Aïda de l’histoire ».

Bien sûr, avec Pizzi, on était assurés d’avoir du Pizzi (comme dans ses récentes Gioconda, chic-issimes, de Vérone et Barcelone), et non une tentative de « revival ». Sans doute est-ce la sagesse : donc, noir, blanc et rouge scandent comme à l’accoutumé une action rondement menée. Mais quelle Cléopâtre Pizzi a-t-il voulu présenter ? La reine historique de basse époque, ou la femme qui se perd par amour ? De la première, elle a le port de reine, le côté enjôleur et sexy, en même temps que la prestance et l’autorité, entourée qu’elle est de prêtresses aux tuniques blanches et de prêtres aux crânes rasés ou perruques noires. De la seconde elle a l’aspect intemporel, coiffée à la garçonne un peu longue, assez Loulou (Louise Brooks), plus amoureuse que reine, plus suppliante que dirigeante. Cette Cléopâtre, c’est le mélodrame exacerbé. Mais l’action est très ramassée, et sa personnalité profonde en est véritablement réduite à la portion congrue : elle donne l’impression d’être plus menée par les événements que de les contrôler vraiment, sauf bien sûr à la fin. Les Romains, également très sexy avec leurs cuirasses en cuir noir ou rouge et leurs jupettes affriolantes, n’en apparaissent pas pour autant beaucoup plus clairs dans leurs démarches, souvent plus théâtrales que réalistes.
Pour défendre ce grand opéra bien dans la tradition italienne, il convenait de réunir une troupe de choc, ce qu’a fait Pizzi. Mais si l’on admire chez Dimitra Theodossiou son sens du théâtre et du drame, sa forte caractérisation lyrique et sa voix d’airain, quelle débauche de décibels : imaginez Birgit Nilsson dans le théâtre du petit Trianon, le lustre ni l’édifice n’y résisteraient ! Ici, dans ce relativement petit théâtre, c’était limite pour les oreilles. Autour d’elle, tous ses partenaires sont vraiment excellents, aussi bons chanteurs qu’acteurs, au point que l’on ne peut citer l’un plus que l’autre. La direction d’orchestre de David Crescenzi est particulièrement convaincante et efficace. On regrettera toutefois, pour une fois (qui aime bien châtie bien), que les éclairages de Sergio Rossi soient un peu justes, et les visages, notamment, trop peu éclairés ; mais l’appareillage du théâtre, qui paraît vraiment rudimentaire (trop de douches, pas assez depuis la salle), doit en être la raison.

Cette Cleopatra n’est sans doute pas un chef-d’œuvre inoubliable, mais demeure une œuvre agréable et suffisamment intéressante pour justifier cette redécouverte, digne de Martina Franca ou de Montpellier, et qui mériterait amplement d’être reprise ailleurs.

Jean-Marcel Humbert

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