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Côté distribution, la production réunit une affiche prestigieuse et éclectique où on relève le nom de Vasilisa Berzhanskaya, rossinienne émérite qui fera ses débuts dans le rôle de Violetta en alternance avec Gilda Fiume, Rosa Feola ou encore Martina Russomanno. Face à elles, Alfredo sera interprété par une pléiade de ténors parmi lesquels Yusif Eyvazov, Francesco Meli et René Barbera, tandis que le rôle de Germont réunira des barytons de renom tels que Ludovic Tézier et Amartuvshin Enkhbat.

Cette Traviata donnera le coup d’envoi, le 12 juin, de la 103e édition du Festival de Vérone, qui s’étendra ensuite sur 52 soirées jusqu’au 12 septembre, avec également Aida, présentée dans deux mises en scène — l’une signée Stefano Poda, l’autre Franco Zeffirelli —, Nabucco dans la production de Poda, La Bohème vue par Alfonso Signorini, ainsi que Turandot, dont la version spectaculaire de Zeffirelli célèbre son centenaire.

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Pourtant, les artistes réunis ce soir sont des chanteurs de stature internationale et surtout, qui s’efforcent de nuancer leur chant, quand bien même une partie de ces efforts se perdra sous les étoiles.

Le Radamès de Yusif Eyvazov est bien connu. On apprécie la puissance vocale confortable du ténor, qui a d’ailleurs tendance à couvrir un peu ses partenaires. Les aspérités de timbre qui peuvent parfois gêner sont moins perceptibles que dans une salle de concert et, surtout, le ténor ose les demi-teintes, et nous gratifie même d’un superbe si bémol morendo à la fin de sa « Celeste Aida ».

Son Aida a la voix de Maria José Siri (qui remplace Marina Rebeka initialement annoncée). La tessiture est ici aussi parfaitement assumée et, comme son partenaire, la soprano uruguayenne allège, nous valant un duo final d’une grande beauté. Tout juste regrettera-t-on un déficit de projection de la quinte aiguë, qui peine à surnager dans les ensembles.

© Ennevi Foto/Fondazione Arena

De même l’Amneris d’Agnieszka Rehlis disparaît quelque peu dès que l’orchestre ou le chœur donnent de la voix. Mezzo rond et homogène, mais relativement clair, sa puissance se révèle enfin à l’acte IV dans la scène du jugement.

Yougjun Park semble être un véritable pilier du Festival de Vérone (rien que cet été il chante également Nabucco et Rigoletto dans les arènes). Voix saine et puissante, voilà un Amonasro quelque peu monolithique mais diablement efficace.

Chez les basses, l’avantage tourne au Grand prêtre de Simon Lim, d’une belle autorité, plus sonore que le roi de Ramaz Chikviladze.

Enfin on reconnait la qualité d’une distribution au soin accordé aux petits rôles. Ici le messager (Riccardo Rados) et la grande prêtresse (Francesca Maionchi) sont parfaitement au diapason du reste du plateau.

On aurait pu craindre une certaine routine dans la direction de Daniel Oren à la tête de l’Orchestre de la Fondation des Arènes de Vérone, qui est en elle-même une véritable institution. Pour autant, le geste large et une belle gestion des équilibres avec la scène prouvent les avantages d’une fréquentation assidue d’un œuvre et d’un lieu. Les chœurs, eux, sont autrement plus convaincants et en place que dans Carmen la veille : est-ce ici encore dû à la force de l’habitude ?

Reste la proposition scénique de Stefano Poda (créée en 2023), qui comme à son habitude cumule les casquettes (mise en scène, décors, costumes, chorégraphie, lumières). On pourra reconnaître une certaine modernité au spectacle, avec l’utilisation de lasers, de belles images et tableaux, tels ces corps qui s’agglutinent auprès d’Amonasro, l’enveloppant comme un grand manteau, symbole d’un peuple uni à son roi. De même, quelques effets viennent animer les gradins en arrière-scène, mais sans signification dramatique évidente.

Pour autant, le sens de cette main géante articulée qui surplombe la scène (élément principal de la scénographie) restera obscur jusqu’au bout, les scènes de danses ne sont pas beaucoup plus convaincantes, tentant des effets de masse organiques alla Chrystal Pite (mais sans son talent !) et, surtout, la direction d’acteur est réduite à un néant absolu.

On est sans aucun doute en face de l’œuvre d’un plasticien, mais peut-on réellement parler de mise en scène ?

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Giorgi Manoshvili devrait retrouver Escamillo à Milan à la fin d’une saison qui le mènera de Hambourg (Farlaf dans Rouslan et Ludmila) jusqu’à Londres et New York (Colline dans La Bohème) avec un seul passage en France : Massimiliano dans I Masnadieri en version de concert à Marseille le 8 février 2026 (annoncé dans Norma au Théâtre des Champs-Elysées le 8 janvier prochain, il sera finalement remplacé par George Andguladze).

* Sa formation à l’Accademia Rossiniana de Pesaro date seulement de 2021

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Dans cette production, datée de 1995, Séville est une fête. Franco Zeffirelli n’a ménagé ni les décors – reproduction des lieux de l’action à la rondelle de chorizo près –, ni les costumes – plusieurs tenues pour chacun des protagonistes, à l’exception de Micaëla, condamnée à sa sempiternelle natte blonde et robe bleue –, ni les danseurs, ni les figurants. C’est qu’il faut occuper un plateau équivalent à environ un tiers d’un terrain de football. Tout ce petit monde s’égaye en un mouvement incessant qui ne doit rien au hasard. Derrière la manière dont chacun des protagonistes se détache de la foule sans qu’on ait à le chercher du regard, se devine la main experte du metteur en scène. Éventail, castagnettes, sombreros cordobés, traje de flamenca, habits de lumière : tout participe à la représentation d’une Espagne d’Epinal – et plus largement à une version stéréotypée de Carmen : l’opéra de Bizet en mondiovision, tel que figé dans la mémoire collective, avec le choix des récitatifs mis en musique par Guiraud, des profils vocaux conformes à la norme établie – grande voix de mezzo-soprano pour Carmen –, une approche standardisée que des interprétations récentes ont montré possible de renouveler – comment ne pas penser à Béatrice Uria-Monzon, trop tôt disparue cet été.

© Fondazione Arena di Verona

Aigul Akhmetshina ne cherche d’ailleurs pas à emprunter des chemins alternatifs ; au contraire, elle s’inscrit dans la tradition qui veut la gitane altière, bras en l’air, poing sur la hanche et jupe relevée sur le genou. La proposition est recevable car elle s’appuie sur d’authentique moyens vocaux : un timbre titrant à plus de 15 degrés : capiteux, rond, fruité ; une ligne longue tracée d’un geste souple, une projection confortable emplissant sans mal l’espace – pourtant vaste – des Arènes. La tragédienne virevoltant sur scène avec une aisance dépourvue de vulgarité n’a rien à envier à la chanteuse. Comment alors ne pas s’étonner qu’en dépit de son jeune âge – moins de 30 ans –, la mezzo-soprano russe figure parmi les titulaires incontournables du rôle sur les plus grandes scènes, New York en tête. Que fait Paris ? La question se pose avec encore plus de pertinence si on examine l’intégralité de la distribution (ainsi que celle des autres ouvrages à l’affiche des Arènes cet été). Vérone accueille les meilleurs chanteurs de la planète, la plupart peu – pour ne pas dire pas – invité en France. C’est vrai d’Erwin Schrott, une des plus belles voix de baryton du circuit international, irrésistible de sex-appeal dans Escamillo, même si toujours enclin au cabotinage avec des notes saillantes tenues au-delà du raisonnable, et quelques ricanements glissés çà et là au gré de sa désinvolte fantaisie. C’est vrai de Marieangela Sicilia, révélée dans La Juive à Turin en 2023. La soprano italienne éperonne la trop sage Micaëla d’aigus acérés dont la précision, n’entame ni l’aplomb, ni la pureté d’émission. C’est vrai dans une moindre mesure de Francesco Meli. Les éclats de Don José s’avèrent obstacles difficiles à franchir pour un ténor d’essence lyrique – l’affrontement avec Escamillo et les exhortations adressées à Carmen au troisième acte manquent de flamme. Mais le chanteur s’épanouit dans la demi-teinte, lors du duo avec Micaela puis dans une « fleur que tu m’avais jetée » tout en nuances. Son expérience du rôle, la conscience de ses moyens et la gestion de ses ressources lui permettent aussi de surmonter les tensions de la scène finale. Autre avantage à porter à son crédit – comme à celui des trois autres protagonistes –, une prononciation française plus que correcte pour des interprètes d’origine étrangère.

Ce n’est malheureusement pas le cas des seconds rôles dont aucun ne se détache véritablement. Le chœur s’exprime aussi dans un espéranto peu compatible avec la langue de Meilhac et Halèvy. Quelques décalages nuisent à la scène de liesse du quatrième acte. La direction de Francesco Ivan Ciampa se conforme à cette vision traditionnelle de l’opéra de Bizet – de bon niveau mais sans surprise.

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La deuxième partie est placée sous le signe de Puccini. Du binôme formé par les chanteurs, c’est Marina Rebeka qui tire son épingle du jeu, héritant des rôles les plus éclatants et spectaculaires. Superbe Cio-Cio San, toute de noblesse dans sa naïveté de jeune fille d’où émane une dignité majestueuse, la jeune femme tient la dragée haute à son Pinkerton en veste rouge sang dont la séduction, un peu trop arrogante, manque peut-être un chouia de profondeur. La diva est encore plus impressionnante en Manon, qui mène, comme il se doit, avec panache et force son Des Grieux par le bout du nez. L’amoureux exalté reste cependant quelque peu en retrait devant l’abattage de la belle tentatrice. N’empêche que l’« Addio fiorito asil » de Pinkerton avait été sublime, quoique toujours aussi bref. Voilà, le récital est déjà terminé… On reste perplexe devant ce programme qui met bien peu en valeur le ténor idolâtré dont le public attend des étincelles.

Mais c’était sans compter sur d’éventuels rappels… De fait, dans la nuit véronaise, c’est maintenant que commence le feu d’artifice car le chanteur va nous propulser dans les étoiles. C’est près de trois quarts d’heure de bonus qui nous sont offerts et cette fois-ci, Jonas Kaufmann se réserve les plus beaux rôles. Toujours en compagnie des héros pucciniens, on commence par Cavaradossi qui hésite entre deux beautés dissemblables, tout en se déclarant fou d’amour pour Tosca. On se doute de ce qui va suivre : « E lucevan le stelle », bien sûr, sous le ciel constellé de Vérone (euh non, pas vraiment, seules quelques étoiles et les lueurs des avions sont visibles). Mais on est spécialiste des éclairages dans les Arènes et c’est une véritable couronne étoilée saupoudrant les gradins qui sublime la supplique en tous points déchirante du condamné aux mains tremblantes, l’un des moments les plus magiques de la soirée. Avant cela, Marina Rebeka nous a gratifiés d’un superbe « Vissi d’arte » poignant à force de beauté dans le legato et de longueur dans le souffle. Après Tosca et un extrait de la Fanciulla del West où le ténor déploie des trésors de musicalité et de puissance quasi féline, on continue avec une Bohème enchanteresse. La soprano lettone, dans sa robe pailletée idoine, use de toute sa légèreté dans les aigus et de son charme culminant dans des notes élevées voluptueuses et sensuelles, ensorcelante Musette, avant que le couple de chanteurs ne minaude dans la fin du duo d’amour de Mimi et Rodolfo, en apesanteur, avec avantage sonore pour la belle soprano. C’est Jonas Kaufmann toutefois qui conclut, avec un prévisible « Nessun dorma » dont on se doute bien qu’il va faire se liquéfier l’amphithéâtre. À cela près que le dernier « vincerò » ne dure qu’un court instant, ponctué par un geste désinvolte du ténor, tout sourire, ce qui attendrit le public mais apparemment pas mon voisin, dont les « Nein ! » continus dominent les applaudissements nourris. Le voisin se penche en avant pour murmurer quelque chose à un compagnon qui répond distinctement, en allemand : « Mais il n’y a que lui qui puisse faire ça ! ». On ne saura jamais ce que le beau Jonas est le seul à savoir faire, mais l’enthousiasme est à son comble. C’est le moment idéal pour terminer en beauté avec l’indémodable Nel Blu dipinto di blu. Mon voisin continue ses « Nein » avec force, mais le reste du public chante « Volare » en chœur. Comment résister ? Jonas Kaufmann peut revenir l’année prochaine en solo, c’est une valeur sûre, les Arènes seront à nouveau pleines, on en prend le pari. Ah, au fait, Marina Rebeka est la seule à avoir reçu un immense bouquet. En revanche, pas sûr que les auditeurs se souviennent de son nom, mais de sa performance, très certainement. Merveilleux faire-valoir, elle n’en est pas moins une authentique diva, tout là-haut dans les étoiles. Ce serait quand même la moindre des choses de mettre son nom sur l’affiche.

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De plus, ce soir, c’est le ciel lui-même qui s’est mis de la partie pour magnifier le spectacle. Dans la journée, la pluie s’est déjà invitée et l’orage menace avant le début de la représentation. Heureusement, les éclairs sont lointains et muets, se contentant de mettre efficacement un accent lumineux aux moments appropriés du drame, comme fait tout exprès. On en vient à remercier le ciel de nous offrir un tel travail de dramaturgie sans verser des seaux d’eau qui auraient suspendu inopinément ce beau spectacle. Encore plus saisissant, un vent fort se lève, qui aide à disperser les rubans et confettis dorés de la fête, en sublimes nébuleuses effilochées. On se met cependant à craindre que les cadres ne s’abattent réellement sur les chanteurs, mais tout est bien accroché et encore mieux encadré. Par chance, le vent souffle dans la bonne direction et fait office de porte-voix, ramenant les sons vers le public, pour un confort d’écoute optimal. On n’ose imaginer ce qu’aurait produit l’effet inverse…

Servis par une mise en scène lisible, les chanteurs évoluent apparemment très à l’aise. La belle Angel Blue parvient sans peine à entrer dans son rôle et nous émouvoir jusqu’aux larmes. La puissante de projection de la soprano est formidable, la longueur de souffle et le nuancier subtil n’en étant que plus appréciables. Curieusement, quand la jeune femme se met à tousser au dernier acte, une bonne partie du public lui emboîte le pas. Il est vrai que vers minuit, il fait un tout petit peu frisquet en comparaison avec les grosses chaleurs passées, mais tout de même, pas de quoi s’être enrhumé aussi vite. Cela ne rend la performance de l’Américaine que plus admirable. À ses côtés, Enea Scala, s’il ne parvient pas à rendre son personnage aussi sympathique et touchant que sa partenaire, se révèle tout de même un Alfredo bouillant, généreux de sentiments, amant ardent, jaloux flamboyant et repenti sincère. On retiendra surtout les coups d’éclats traduits par des aigus joliment projetés et un superbe legato qui confère la dignité qui pourrait autrement cruellement manquer au personnage. Quand bien même les choix de mise en scène le desservent en accentuant le caractère proprement inhumain du père égoïste et monstrueux (accentués par des gestes de colère à peine retenus quand il n’obtient pas immédiatement la reddition de la pauvre Violetta), Giorgio Germont est merveilleusement campé par un Luca Salsi au sommet de son art. Il parvient à donner au fur et à mesure de la chair et beaucoup de noblesse à son personnage. Puissance, longueur de souffle, beauté du chant, on se délecte à l’entendre. Les autres rôles sont irréprochables, soutenus par des chœurs en grande forme.

À la tête de l’orchestre, Speranza Scappucci ne manque pas d’impressionner par son efficacité. Puisqu’elle a une large formation en éventail devant elle, chœurs compris, sa gestuelle se fait ample et large. On la sent intensément concentrée, attentive aux moindres détails. De fait, elle mène littéralement son petit monde à la baguette, de telle sorte que le résultat est une conduite excellente, fluide, nette, propre, mais bien mieux que cela : très intense et impeccablement maîtrisée. Un vrai beau moment. Seul regret : avoir raté Ludovic Tézier, qui sera Giorgio Germont pour la dernière, le 2 août prochain.

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L’auteur a voulu faire de cette production un « Nabucco atomique ». Et selon ses termes :
« Deux opposés s’attirent et se repoussent tout au long de l’œuvre, jusqu’à atteindre un point de répulsion maximale et de division, puis aboutissent à la synthèse du finale, où les deux opposés sont à nouveau réunis. La métaphore est celle des interactions entre les particules atomiques : la matière naît de l’union de particules atomiques, mais l’humanité a découvert comment les séparer, provoquant une destruction totale (c’est le principe de la bombe atomique). Le progrès technologique rend tout possible, et Nabucco n’hésite pas à utiliser sa supériorité contre les vaincus, même au prix de conséquences dramatiques : la leçon de ce chef-d’œuvre est que la rationalité, pour être bien intentionnée, ne peut ignorer la spiritualité ».

De fait, les deux opposés ressemblent, en guise de décor, à une balle de tennis éclatée qui attend d’être refermée ou éventuellement à deux oreilles ou des rognons en rotation. Vient enfin le point d’orgue : l’explosion atomique qui, effectivement, doit certainement réveiller tout le quartier et se traduit par un beau champignon. On a envie de paraphraser Le Nôtre qui aurait dit à Louis XIV à propos de la colonnade très minérale de Mansart dans les jardins de Versailles : « Sire, […] il vous a servi un plat de son métier ». En fait, on peut surtout regretter une mise à distance des personnages (parfois difficiles à repérer, noyés dans la masse), des mouvements de foule frénétiques et pas toujours lisibles et une trop grande abstraction au regard de l’œuvre de Verdi. En dépit de cela, force est de s’incliner devant la richesse des costumes, l’attraction produite par les combats (spadassins à l’esthétique inspirée des récents Dune et plus lointaines Star Wars) et la fascination du déploiement de l’armée des figurants (plusieurs centaines). Cela dit, l’entreprise se révèle payante, puisque les Arènes sont quasiment pleines, les applaudissements nourris témoignant de ce que le public semble majoritairement vivement apprécier le spectacle. Ne crachons donc pas dans la soupe.

Il faut cependant avouer que fort heureusement tout cela est merveilleusement bien chanté. Si la mise en scène ne permet pas nécessairement d’entrer avec facilité et évidence dans la psychologie des personnages, les chanteurs parviennent sans peine à en restituer les nuances infinies et profondément humaines. Amartuvshin Enkhbat en particulier, merveilleux interprète de Nabucco, émeut très fortement. Force et autorité, doute et humilité, tous ces affects sont puissamment incarnés. La voix est pleine, belle et digne des plus excellents barytons verdiens. Dans le rôle écrasant d’Abigaille, Maria José Siri se montre impériale. Plénitude de la voix, sonorité dans les arènes exemplaire, capacité à se glisser dans toutes les subtilités de l’évolution de la personnalité de l’héroïne, la soprano est à son aise. Le baryton-basse Christian Van Horn confère beaucoup de noblesse à Zaccaria, avec une ligne de chant sûre et élégante. Son « Vieni o Levita ! » est à se pâmer. Les autres interprètes sont à la hauteur, à commencer par Anna Werle, délicate et stylée Fenena, tout comme Galeano Salas, fougueux Ismaele.

À la baguette, Pinchas Steinberg connaît son affaire et tout semble couler de source, malgré quelques tous petits décalages. Les chœurs, déployés astucieusement dans les vastes arènes, achèvent de magnifier l’ensemble. Un regret : avoir raté l’interprétation d’Anna Netrebko, programmée pour trois soirées. Autant elle a renoncé à reprendre « pour raisons personnelles », son Aida de cristal (où elle avait pour partenaire celui dont elle s’est séparée l’année dernière), autant elle a souhaité participer à cette nouvelle production de Stefano Poda, dont elle semble apprécier tout particulièrement le travail.

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Lieu : L’amphithéâtre romain datant du début du 1^er siècle après J.-C. pouvait accueillir jusqu’à 30 000 spectateurs. Il est l’un des plus vastes et les mieux conservés. Les arènes accueillent aujourd’hui un public occupant près de 22 000 places. Les plus grands artistes s’y produisent dans des opéras le plus souvent issus du répertoire populaire (Aida, Traviata, Nabucco, Carmen, Tosca, Turandot, Le Barbier de Séville…).

Dates : De la mi-juin à début septembre de chaque année, depuis 1913.

Sites Web : https://www.arena.it/

Année de création : 10 août 1913.

Principe fondateur : Les Arènes de Vérone étaient depuis longtemps le théâtre de spectacles variés, y compris d’opéra, comme une grande chorégraphie en 1822 avec un prélude lyrique sur la musique de Rossini et une première saison lyrique en 1856. Mais ce sont des spectacles de cirques qui se donnent principalement avant les véritables débuts du festival Arena di Verona, le 10 août 1913, pour fêter le centenaire de la naissance de Verdi, avec une Aida légendaire, dont la mise en scène mythique est régulièrement reprise depuis 1982. Dès lors, le festival se tient tous les ans sans interruptions (excepté de brèves suspensions durant les deux dernières guerres mondiales et la pandémie de 2020).

Dirigeants : Cecilia Gasdia et Stefano Trespidi.

Répertoire : Les opéras italiens, et tout particulièrement ceux de Verdi, Puccini et Rossini, se taillent la part du lion. Carmen, l’opéra le plus joué au monde, occupe une place de choix dans un festival qui doit attirer chaque soir près de 20 000 personnes. Des soirées de récital accueillent les chanteurs les plus célèbres, lyriques (Placido Domingo, Jonas Kaufmann, Anna Netrebko…) ou populaires (Zucchero, Paolo Conte, Adriano Celentano) mais également des stars de la danse comme Roberto Bolle ou des concerts exceptionnels donnés par l’orchestre de la Scala.

Dates marquantes : Aida, 1913.
En 1947, Maria Callas y fait ses débuts italiens dans La Gioconda de Ponchielli.
Franco Zeffirelli a monté plusieurs productions mythiques pour le festival, dont une Carmen en 1995 ou une Turandot qui remplissent année après année les Arènes.
100e anniversaire, en 2023, avec une Aida dite de cristal, Stefano Poda, 2023.
Concert de célébration de l’entrée de l’opéra italien au Patrimoine immatériel de l’humanité de l’Unesco, 7 juin 2024.
Anniversaire, en 2024, de l’Aida de 1913 et de la reprise de Gianfranco de Bosio.

Meilleures places : Si l’on est prêt à casser sa tirelire, les meilleures places sont les Poltronissima Platinum, mais il faut éviter les tout premiers rangs trop à droite ou à gauche, si l’on ne veut pas souffrir d’un curieux effet de stéréo désynchronisée. Dans des tarifs plus raisonnables, on peut se satisfaire de tout ce qui est Poltrona. Le premier secteur « Verdi » est encore très bien. Plus haut, il est utile de penser à s’équiper d’un coussin.

Acoustique : L’acoustique est remarquable. Les nuits sont souvent encore très chaudes dans une Vérone où l’été est caniculaire, avec une petite brise agréable et en principe le vent n’est pas un problème pour apprécier l’orchestre et les voix.

Tarifs : De 22 à 365 euros, la gamme de prix est large. Il est conseillé de réserver le plus tôt possible, car depuis la fin de la pandémie, nombre de spectacles affichent complets. On peut acquérir ses billets pour l’année suivante dès le mois de septembre.

Anecdotes : Plutôt que des anecdotes en surnombre, parlons des traditions : celle d’allumer des bougies dans les gradins supérieurs, qui semble s’être complètement perdue, ce qui est bien dommage, car le spectacle était grandiose et valait les applaudissements des spectateurs privilégiés occupant les sièges du bas. Dans les gradins, il était d’usage de venir tôt pour avoir les meilleures places et l’on dînait sur place, victuailles tirées du sac. Cette tradition se perd également. Un figurant en costume rappelant l’opéra du jour s’avance, sous les applaudissements, au bord de la scène et fait vibrer un gong pour prévenir de la reprise du spectacle après la pause, tradition qui perdure. Pour les anecdotes, rappelons que Maria Callas a fait ses débuts italiens dans la ville de Roméo et Juliette et y a rencontré Giovanni Battista Meneghini, son futur époux. Pour Ludovic Tézier, habitué des lieux en baryton-Verdi d’exception : « Quand vous rentrez dans l’arène, avec ce public immense en face de vous, on a un sentiment d’humilité, on a l’impression d’être tout petit, mais en même temps on se sent comme un gladiateur qui va au combat car il y a une énergie exceptionnelle qui émane de cet endroit ».

Le bémol : Même si l’été est très chaud à Vérone, la pluie peut être au rendez-vous et le spectacle s’arrêter bien plus tôt que prévu…

Le dièse : Pour l’ambiance, un festival à avoir fréquenté au moins une fois dans sa vie !

Accessibilité : À des prix très attractifs pour l’usager et son accompagnateur, certaines places sont accessibles aux personnes à mobilité réduite.

Toilettes : Elles sont nombreuses et facilement accessibles.

Bon à savoir : Mesdames et Messieurs, si vous souhaitez assister à un spectacle en talons aiguilles, mieux vaut être accompagné afin de pouvoir s’appuyer sur le bras ou l’épaule d’un chaperon, sans quoi la chute peut être brutale (et c’est du vécu). Par ailleurs, si vous arrivez avec une gourde ou une bouteille, des fruits et divers autres appareils qui pourraient être considérés comme dangereux, ils vous seront inévitablement confisqués à l’entrée. Pas de panique, vous pourrez les récupérer à la sortie. Mais dans l’intervalle, si vous souhaitez vous désaltérer, par exemple, il vous faudra acheter vos bouteilles à l’intérieur (les boissons à bulles sont également servies dans du plastique). Ceux qui essaient de limiter leur consommation auront des palpitations en pensant aux 417.354 spectateurs ayant assisté à au moins une représentation en 2024 et au nombre de bouteilles équivalentes. Autre détail qui pourrait avoir son importance : les files d’attente pour les taxis à la sortie sont impressionnantes ; encore une raison supplémentaire pour dormir sur place, non loin du théâtre.

Accès : Le train est le moyen le plus commode (et le plus écologique) pour arriver aux Arènes. La station Porta Nuova (entre Milan et Venise) est à 20 minutes à pied au sud ou à 10 minutes en transports en commun. En voiture, l’accès se fait par l’autoroute A4, sortie à Verona Sud, avec des parkings à proximité des Arènes. L’aéroport Valerio Catullo se trouve à 10 kilomètres de la ville (service de navette à partir de Porta Nuova, entre autres).

Points d’intérêt touristique proches : Ce n’est pas ce qui manque ! À Vérone, les amoureux de l’art visiteront le château de Castelvecchio et son superbe musée, prendront une carte pour découvrir les principales églises dont San Zeno, pour Mantegna, Sant’Anastasia, pour Pisanello, Santa Maria in Organo pour les sublimes stalles du chœur de Giovanni da Verona, entre autres trésors. Deux à trois jours ne seront pas de trop pour découvrir les différents quartiers de la ville (la cité des Scaliger et les tombeaux gothiques, les merveilleux jardins de la Villa Giusti, la Veronetta et les monuments romains, la piazza delle Erbe, etc.). On peut envisager de se rendre également au lac de Garde, situé à 25 km à l’ouest de Vérone et y découvrir entre autres le très beau village de Sermione. Vicence et Mantoue sont toutes les deux à une heure de train de Vérone.

Boutique : Il est possible de trouver de nombreux objets dans les boutiques autour des Arènes. À l’intérieur, avant le début de la représentation et à chaque entracte, de jeunes employés vous proposent eau, nourriture, programmes, coussins ou éventails. Près des portes d’entrées centrales, au parterre, des stands proposent produits dérivés, cartes postales, livres et programmes.

Où se restaurer ? On peut acheter à boire et à manger dans l’enceinte des arènes. Avant le spectacle qui ne commence qu’à 21h en soirée, il est pourtant loisible de manger à son goût dans toute la ville et en particulier aux environs proches du théâtre, notamment sur la Piazza Brà, aux portes des Arènes. Après le spectacle, qui peut aisément s’achever largement après minuit, on peut encore prendre un verre et se restaurer dans les alentours des Arènes, les rues étant toujours très animées.

Où dormir ? Le parc hôtelier est important dans la ville et ses alentours. Un petit conseil : pour mieux profiter de Vérone, mieux vaut séjourner à l’intérieur de l’ancienne enceinte romaine, car les hôtels au-delà des murailles se situent dans des zones qui évoquent souvent des friches peu accueillantes, surtout après minuit. L’idéal est de se trouver un hôtel à proximité des Arènes, comme l’Hotel Verona, idéalement situé à équidistance entre la gare et les Arènes, ou d’autres établissements au nord, dans la boucle de l’Adige.

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