De fait, répondront les organisateurs, l’association loi 1901 VociHARMONIE a pour vocation de faire la promotion de jeunes chanteurs et musiciens professionnels, et de mettre à la portée du plus grand nombre les œuvres importantes du passé. Il était d’ailleurs prévu un récitant-narrateur qui finalement n’est pas intervenu, ce qui est certainement une bonne chose. En revanche l’absence de certains moments musicaux, comme le prélude du dernier acte, brouille l’action en la réduisant considérablement, ce qui ne doit pas aider le néophyte à s’y retrouver. Enfin, les harmonies délicates composées par Massenet sont quasi absentes, malgré le talent des quatre musiciens, et tout particulièrement de Jean-Michel Kim au piano, placés sous la direction efficace de Philippe Hui. N’aurait-il pas fallu prévoir, à tout le moins, un second violon ?

Aurore Daubrun et Daniel Gàlvez-Vallejo © Photo Jean-Marcel Humbert

Le rôle-titre est tenu par Daniel Gàlvez-Vallejo. En dehors des qualités musicales de l’interprète, dont la technique vocale est parfaite, le personnage dévie forcément vers l’homme mur amoureux d’une jeune femme, d’autant que le timbre de la voix a une assise barytonante grandissante qui se rapproche de la version pour baryton créée par Massenet au début du XX^e siècle pour Mattia Battistini. Et si les notes aigues sont bien là et magnifiques, elles sont toutes données en force. Pas de voix de tête ni de raffinements à la Vanzo ou Kraus, rien donc ici d’élégiaque, la caractérisation du personnage s’en ressent, qui est souvent torturé de façon très sonore…

La Charlotte d’Aurore Daubrun est forcément tributaire de son partenaire, et si elle a tous les atouts indispensables – beau mezzo, voix chaude et expressive, puissance –, elle campe un personnage dur essayant de se sortir d’une situation inextricable. Après tout, pourquoi pas ? Mais on a été plus habitués à une Charlotte parfois autoritaire, mais toujours maternelle et toute de douceur. On retrouve plus de tradition avec la Sophie de Clémence Olivier, absolument parfaite dans ce rôle où elle déploie sans effort son joli soprano et sa joie de chanter, et avec Tristan Poirier qui n’innove pas non plus dans le rôle un peu formaté d’Albert. À noter la jolie intervention de Nathalie Rougon et Julie Lempernesse, montrant avec Clémence Olivier que le fameux « Noël Noël Noël » peut gagner en musicalité et perdre son côté un peu horripilant.

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Le concert de ce soir constitue un lourd challenge, tant la partition présente de difficultés. Pourtant,  malgré nombre d’imperfections, on passe une excellente soirée, du fait de la lisibilité et de la clarté du propos musical. Bien sûr, l’orchestre sous la direction de Léonard Ganvert a connu des problèmes, et quelques pains, ici et là, on fait sourire. Mais il s’agit d’un orchestre de jeunes – voire très jeunes – élèves de conservatoires, alors il faut surtout parler de performance. Les chœurs de VociHarmonie auraient encore à travailler l’articulation, mais ils tiennent leur place avec assurance.

Gautier Joubert (Oroveso), Clémence Olivier (Adalgisa) et Catherine Manandaza (Norma) © Photo Jean-Marcel Humbert

Quant aux solistes, il y a les jeunes et les vétérans. De la première catégorie se dégagent Clémence Olivier, que l’on a jusqu’à présent plus souvent entendue dans Offenbach où elle fait merveille, et qui s’attaque avec aplomb à la version soprano du rôle d’Adalgisa. A l’opposé total des lourdes mezzo, elle apporte au rôle sa frêle silhouette et sa voix fraîche et musicale, qui se marie parfaitement avec celle de Norma, mais est parfois simplement emportée dans le flot de décibels émis par les deux rôles principaux. Il en ressort une personnification sensible et émouvante de la jeune prêtresse, rarement perceptible à ce point sur scène. L’Oroveso de Gautier Joubert, dont c’est la première apparition en tant que soliste, est encore brut de décoffrage, mais quelle belle voix pleine de promesses, à suivre avec intérêt. Les petites interventions de Julie Lempernesse (Clotilde) sont fort bien venues.

Moins de surprises du côté des deux personnages centraux. Daniel Gàlvez-Vallejo campe un Pollione pour une fois digne d’intérêt, avec une grande intelligence du texte et une belle qualité musicale. Sa voix légèrement barytonnante, d’une technique vocale exceptionnelle, le range d’emblée dans les meilleurs titulaires d’un rôle où ont brillé Corelli et Vickers. Catherine Manandaza, enfin, est Norma. Elle en a toutes les interrogations, les scrupules, l’autorité et la véhémence, elle a la voix du rôle, puissante et sans passage, avec de beaux son filés et de très jolies notes piquées dans le duo avec Adalgisa. Mais en même temps, sa technique est imprévisible, et parfois en délicatesse avec la justesse, ce qui ne fait d’ailleurs qu’ajouter à la fragilité d’un personnage souvent interprété d’un bloc, comme un roc. Les voix de tous les interprètes ont de plus l’intérêt de se marier parfaitement entre elles.

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Rendu à nouveau populaire par les fameuses représentations de 1979 à l’Opéra Comique, le Choufleuri d’Offenbach est depuis régulièrement joué, avec des fortunes diverses, sur les scènes les plus variées. Il se devait donc d’être invité au festival Offenbach d’Étretat. Son metteur en scène Yves Coudray, souhaitant innover par rapport aux nombreuses autres productions récentes de l’œuvre, a décidé de transposer l’action, qui se déroulait à l’origine le 24 janvier 1833, en l’année 1939. Monsieur Choufleuri devient ainsi un obscur fabricant de gaines pour dames, et c’est pour amplifier la publicité de son produit qu’il tente de faire venir à son domicile une clientèle huppée susceptible d’en assurer la promotion. Pour attirer tout ce beau monde, il organise une soirée où doivent se produire trois artistes ayant mis leur art du chant au service de carrières cinématographiques pour le moins contrastées : Lily Pons, Tino Rossi et Ezio Pinza. La veine comique d’Offenbach ainsi transposée, non seulement ne perd rien de sa fraîcheur, mais gagne encore en drôlerie, d’autant que toute l’adaptation est faite avec tact et doigté, sans la moindre faute de goût, servie par une distribution de haute volée très joliment habillée par Majan Pochard. La mise en scène, particulièrement inventive et enlevée, entraîne la troupe – et le public – dans un tourbillon de franche gaieté.

Clémence Olivier (Ernestine), Lionel Peintre (M. Choufleuri) et Marc Larcher (Chrysodule Babylas) © Photo Jean-Marcel Humbert

Lionel Peintre, dont on connaît le goût pour les personnages hauts en couleurs, est un Choufleuri étonnant de naturel. Son autorité vocale et scénique lui permet de camper un homme d’affaires ni vraiment suffisant, ni vraiment ridicule, mais totalement dépassé par la machine qu’il a lui-même mise en route, l’obligeant dès lors à se laisser mener par le fil des évènements (trio « Babylas, Babylas, Babylas »). Sa voix puissante et nuancée à la fois fait merveille dans le trio italien de la grande parodie de bel canto (« Italia la bella ») où Offenbach se moquant du grand Opéra excelle comme à son habitude, tandis que gestes exagérés et yeux exorbités montrent à la fois le désarroi du personnage entraîné par l’action, et le plaisir évident qu’il finit par prendre dans le rôle de vedette lyrico-cinématographique qu’on lui fait jouer à son corps défendant.

Le couple d’amoureux formé par Clémence Olivier et Marc Larcher est tout à fait dans la tradition des jeunes gens sympathiques que la tyrannie des pères tente de séparer. Mais ici, comme chez Labiche, tout se termine bien. Clémence Olivier est une habituée des rôles d’Offenbach et du festival d’Étretat, et si sa voix légère et harmonieuse ne peut bien évidemment concurrencer les trilles hypersoniques de Lily Pons, elle campe une délicieuse Ernestine, parfaitement bien en situation (couplets « J’étais vraiment très ignorante »). Quant à Marc Larcher, dont on suit la belle carrière nationale, il campe un Chrysodule Babylas particulièrement convaincant (duo « Pedro possède une guitare »), jusqu’à une imitation fort bien chantée et amusante du jeune Tino Rossi.

Alors qu’à l’origine c’étaient les bévues autant que l’accent du domestique belge de Monsieur Choufleuri, Petermann, qui faisaient rire le public, c’est ce soir l’égyptomanie qui prend le relais, interprète oblige. Joseph Kauzman, chanteur originaire du Caire dont on remarque depuis quelques années avec intérêt les prises de rôles, chante et joue avec talent un Petermann désopilant de naïveté réelle ou feinte. Il faut dire que le kilt écossais, le pantalon « qui gratte », le parler égyptien censé être de l’anglais et les couplets très joliment chantés « En naissant, chaque créature… », offrent mille possibilités qu’il exploite très habilement.

Tandis que le rôle de Choufleuri avait été créé par Désiré, l’un des acteurs fétiches d’Offenbach, celui de Madame Balandard était un rôle travesti créé par un autre des acteurs préférés du compositeur, Léonce. Edwige Bourdy, dont on souligne à chacune de ses apparitions l’extrême talent, ne chausse pas les bottes de son illustre prédécesseur, mais crée un personnage haut en couleurs, mêlant les attitudes « à la » Yvette Guilbert à des mimiques inénarrables. Elle est accompagnée par Pierre Méchanick (Monsieur Balandard), dont la haute stature renforce le côté improbable du couple, qui chante néanmoins à l’unisson et fort drôlement sa partie (trio avec Peterman « Le plaisir nous invite »). Philippe Hui dirige parfaitement un petit orchestre d’excellents musiciens. Un spectacle jubilatoire et délicieux que l’on espère voir bientôt à Paris et en tournée, mais qui mériterait de se voir adjoindre un lever de rideau : l’œuvre d’Offenbach n’en manque pas !

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Le thème choisi cette année est celui des militaires, nombreux et fort diversement traités dans le répertoire lyrique en général, et par Offenbach en particulier, de Pépito (1853) à Belle Lurette (1880), en passant par les célébrissimes Grande Duchesse de Gerolstein et Fille du Tambour-Major. Le choix de réunir Dragonette (1857) et Fleurette (1872) est particulièrement judicieux, car ces deux pièces en un acte constituent un condensé de l’art du compositeur, montrant sa facilité à passer de moments comiques à d’autres plus dramatiques, ou même sentimentaux, sans négliger pour autant une créativité musicale débridée. Car il ne s’agit pas « d’œuvrettes » : on y trouve, en ferment ou en résumé, tout l’esprit d’Offenbach, et des moments annonçant une fois de plus Les Contes d’Hoffmann.

Le parti pris de la mise en scène d’Yves Coudray consiste à retrouver l’esprit de l’époque de la création, tout en permettant aux interprètes un jeu plus contemporain. Le résultat est aussi irrésistible que désopilant : la perfection des mouvements, des expressions et des ensembles ainsi que des petits ballets que dansent les personnages entraînent les spectateurs dans la folie hautement maîtrisée d’un rythme d’enfer. Les moyens financiers sont limités ? Qu’à cela ne tiennent, Yves Coudray a créé une scénographie faite de toiles blanches devant lesquelles sont plantés des accessoires, lit de campagne, billot, sièges, table dressée, ou sur lesquelles sont peints les éléments de décors, cheminée, portes et fenêtre. Et pourtant les portes grincent, les verrous claquent, les sonnettes tintent par la grâce de la voix des interprètes, ajoutant encore au délire ambiant. Pas une once de vulgarité dans tout cela, traité en finesse, avec un art consommé de la scène. Autre atout de ces astucieux décors réalisés par Michel Ronvaux, ils mettent en valeur les beaux costumes de ce décorateur de talent, qui mêle avec bonheur reconstitution historique et clin d’œil contemporain. Un régal pour les yeux.

La partie musicale est supervisée par Philippe Hui, qui a réalisé d’astucieuses et agréables réductions orchestrales, et dirige avec autorité un excellent quatuor à vent augmenté d’un piano avec une très jolie intervention de violon. L’ensemble fort bien étudié crée un agréable équilibre entre les voix et l’accompagnement musical. Le rythme est endiablé, et l’esprit offenbachien parfaitement respecté. Comme toujours se mêlent une création originale avec des pastiches soit des grands anciens : dans Dragonette, La Fille du Régiment (1840) avec ses situations, ses rataplans et son « Salut à la France », soit de lui-même dans Fleurette, où les Taratatata rappellent les notes piquées répétées de Fritz dans La Grande Duchesse de Gerolstein.

Pierre Méchanick, Franck Leguérinel et Yves Coudray
© Festival Offenbach d’Etretat / Jean-Marcel Humbert

Tout près des lignes ennemies, Dragonette endosse l’uniforme et se fait passer pour Julien, son frère jumeau, que l’on croit déserteur alors qu’il est allé chercher du renfort. À partir de ce maigre argument, les librettistes on brodé sur les situations militaires en les parsemant de bons mots (« Je vois un nuage de feu, je ferais mieux de prendre un parapluie ») et surtout ont créé des personnages hauts en couleurs dont le metteur en scène a accentué avec raison le côté caricatural. Deux couples improbables se font et se défont au fil de l’action : le sous-officier Lambert en pincerait bien pour Fleurette, tandis que la cantinière Madame Shabraque est écartelée entre le soldat Tytire (qui courtise Fleurette) et l’improbable Julien. La vie militaire est joliment rendue, avec tous ses poncifs, mais deux chanteurs-acteurs concentrent tout particulièrement l’attention : Yves Coudray en Tytire, impayable visage lunaire effaré, faisant penser à un mélange de Sapeur Camember (1890) et de Harry Langdon ; et Pierre Méchanick, spécialiste du comique troupier, campant ici une extraordinaire Madame Shabraque, sorte de matrone à la Dubout sautant sur tout ce qui bouge. Franck Leguérinel apporte plus de mesure dans le rôle de Lambert, et Clémence Olivier est une charmante Dragonette.

Franck Leguérinel, Marc Larcher et Laetitia Volcey
© Festival Offenbach d’Etretat / Jean-Marcel Humbert

Jeune couturière enlevée par le concierge Binet afin de lui faire changer les mesures d’un uniforme de tambour pour une dame espérant devenir la prochaine favorite de Louis XV, Fleurette est un personnage plus affirmé. L’arrivée de son fiancé Jolicœur, fort jaloux trompette de la Garde, rend la situation encore plus confuse. L’œuvre est, au niveau de sa date de composition, proche de Pomme d’Api, avec un peu les mêmes idées, mais transposées dans une situation et une époque très différentes. On y retrouve tout un menu avec soupe au potiron (« J’ai l’estomac dans les talons »), une scène de repas avec le vin qui pétille, et pour le côté militaire un irrésistible Taratatatata et un air du Ramplanplanplanplan. Musicalement, le sommet est atteint avec l’irrésistible trio ou Jolicœur  (excellent Marc Larcher) chante en voix de tête, embrouillant Binet qui ne sait plus qui est qui. Bien que victime des circonstances, Fleurette navigue entre inconscience et volonté délibérée. Laetitia Volcey, vocalement irréprochable, endosse le rôle avec une autorité souriante et un abattage certain. Et Franck Leguérinel crée la silhouette absolument désopilante d’un vieux barbon, dans la plus grande tradition, avec d’irrésistibles poses et expressions et, bien sûr, la voix idéale du rôle.

C’est un régal de voir tous ces excellents interprètes chanter, danser, jouer la comédie avec un entrain aussi communicatif. Ces deux petits bijoux, sertis par des orfèvres en la matière, sont à découvrir absolument : courrez voir leur reprise au Vingtième Théâtre (Paris 20^e) les 18, 20 et 21 mars 2015, et au Théâtre Impérial de Compiègne le 28 mai 2015. Autre reprise, la désopilante Île de Tulipatan (Festival d’Etretat 2013) au Vingtième Théâtre les 22 et 26 mars 2015.

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