Bordeaux - Ville - Forum Opéra

Concert-hommage à Béatrice Uria-Monzon – Bordeaux

Thierry Verger — Thu, 24 Sep 2026 04:01:52 +0000

Un an déjà et un peu plus. C’était en juillet 2025 et nous apprenions la disparition de Béatrice Uria-Monzon.
Après l’effroi, il y eut le temps des hommages, venus de partout. Les voix se sont multipliées, les écrits ont afflué, comme pour conjurer cette sinistre nouvelle. Puis le moment fut venu de se recentrer sur le chant qui était – presque – toute sa vie. Anglet a tenté l’expérience, Bordeaux ne pouvait pas ne pas apporter sa pierre au piédestal que notre mémoire de tant de rôles dresse immanquablement à la fière Béatrice.
Car c’est un peu à Bordeaux que tout avait commencé pour elle. Après la découverte du chant dans la chorale du lycée Saint-Jean de Lectoure, sous la houlette d’un professeur qui la marquera, elle intègre le Conservatoire de Bordeaux avant le CNIPAL à Marseille puis l’Ecole d’art lyrique de l’Opéra de Paris. Et puis la suite, que l’on connait.
Bordeaux, ville où les bases ont été posées – et même si sa carrière internationale l’entraînera bien loin des bords de la Garonne, elle saura y revenir, notamment pour le spectacle qu’Alain Duault avait conçu et monté pour elle : Maria Callas, une passion, un destin, où elle osera le pari fou de chanter une dizaine des grands airs de la diva.
C’est aussi un pari difficile qu’a tenté Emmanuel Hondré, le directeur de l’Opéra de Bordeaux, de réunir pour une soirée une dizaine de chanteurs de bien des horizons et de toutes les générations ; certains l’ont connue, d’autres côtoyée, pour tous elle demeure une figure d’exemple ; certains n’ont pas pu se libérer (Karine Deshayes), d’autres qui étaient annoncés n’ont pu être présents (Alexandre Duhamel ou Clémentine Margaine), mais l’essentiel était que le public fût là et partage des moments où les sourires devaient parfois résister aux larmes. Notamment quand Lionel Sarrazin a conclu son « Ô Isis und Osiris » d’un hommage émouvant à celle qui a partagé sa vie de longues années.
On retiendra aussi les mots sobres et justes d’Emmanuel Hondré et de Judith Chaine (France-Musique), qui a présenté les deux parties du spectacle, ainsi que ceux, en fin de concert, de l’amie de longue date, Delphine Haidan.
Et puis enfin la musique. Nous ne sommes pas sûr d’avoir tout compris dans l’agencement ou le choix des pièces, notamment orchestrales ; certes l’Ouverture des Maîtres chanteurs de Nuremberg fut une belle entame, mais les extraits (Prélude, Sérénade, Marche et danses bohémienne de La jeune fille de Perth étaient pour le moins dispensables).
Pour les chanteurs la difficulté dans ce genre de récital c’est de monter sur scène à froid, au risque de manquer l’entame. Ce soir Jean-Sébastien Bou a le souffle un peu court pour « Di provenza il mar, il suol » (La traviata) malgré un timbre chaleureux et Sophie Koch est en difficulté (souffle bruyant, vibrato large) tout au long du difficile « Lorsque je t’ai vu soudain » (Le Roi d’Ys), même si la Barcarolle des Contes d’Hoffmann lui offre une planche de salut.
Merci à Eve-Maud Hubeaux d’avoir remplacé au pied levé Clémentine Margaine. Son « Habanera » est toute de séduction et d’aisance et donne envie d’en savoir plus sur ce rôle, Florian Sempey tout juste rentré de Vienne où il a fait ses débuts dans Le nozze di Figaro a été un Toréador séducteur et plein d’allant, on n’en attendait pas moins.
Alexandra Marcellier a brillé dans un rôle qui est un peu son fétiche : Cio-Cio-San qu’elle a déjà proposé avec bonheur sur plusieurs scènes. Le duo du premier acte avec le Pinkerton de Julien Henric a emporté le public, à juste titre. C’est que tous les deux font la paire ; quelques menus décalages n’entameront pas la superbe impression que nous a faite ce duo d’amour, qui fut du reste le plus beau moment de la soirée. Réussite due aussi au Pinkerton ô combien charmeur de Julien Henric (que les Parisiens viennent de voir dans Hamlet). La voix est claire, parfois solaire, la puissance est là et aussi un cantabile comme on les aime. Henric confirmera cette belle première impression dans « La fleur que tu m’avais donnée », articulation parfaite, souffle bien maîtrisé, bref un véritable moment de grâce qui nous donne vraiment envie d’entendre plus avant ce ténor lyonnais décidément bien prometteur.
Enfin Philippe Bach, à la tête d’un Orchestre National de Bordeaux Aquitaine en bonne forme a su donner une cohésion à cette soirée toute de confetti à la mémoire de Béatrice Uria-Monzon.

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PURCELL, Didon et Énée – Bordeaux

Catherine Jordy — Tue, 22 Sep 2026 07:00:03 +0000

Trois dates de représentations pour le nouvel opéra proposé au Grand Théâtre de Bordeaux, c’est bien peu… Car la belle réussite qu’est cette Didon et Énée fait partie du type de spectacles qu’on aimerait qu’un grand nombre de spectateurs puisse découvrir, en particulier des néophytes, dont on imagine qu’ils ne pourront que ressortir émerveillés et amateurs d’opéra après cette expérience féerique et vivifiante. Heureusement, il s’agit d’une coproduction destinée à beaucoup voyager, entre autres à Limoges et à Tourcoing, et qui a été chroniquée en janvier dernier à Clermont-Ferrand. L’œuvre très courte de Purcell est ici agrémentée de textes issus de Macbeth, de The Tempest et de Richard III de William Shakespeare ainsi que Le Virgile Travesti de Paul Scarron, en alternant, à la façon des masks, les moments chantés en langue originale anglaise et les saynètes parlées, ici en français. À l’époque, l’opéra en miniature avait été composé pour une institution de jeunes filles : l’originalité consiste à reprendre la distribution d’origine exclusivement féminine, avec six chanteuses toutes lauréates du 28^e Concours international de Chant de Clermont-Ferrand en 2025. Les voix s’harmonisent parfaitement et la belle idée gît dans la manière d’entrelacer les tenants et les aboutissants de la création scénique. C’est-à-dire que les musiciens, chanteurs, acteurs, danseurs et techniciens sont tous sur le pont et l’on a parfois du mal à savoir qui fait quoi, les musiciens devenant tour à tour acteurs et chanteurs, trois dames évoluent ensemble en chantant et l’une d’elle se met à danser comme la professionnelle qu’elle est, ce qui enchante et impressionne vivement, le tout dans un rythme effréné où l’on n’a guère le temps de s’ennuyer. Les décors pourraient sembler très désuets au regard des moyens actuels, mais ils sont en fait un magnifique hommage au théâtre élisabéthain, en faux carton-pâte ou tréteaux qui cachent une machinerie complexe. Le dispositif ne manque pas d’épater le spectateur, les protagonistes virevoltant sur scène achevant de magnifier l’ensemble. On ne peut que saluer le travail d’ensemble du metteur en scène en scène, scénographe, costumier, comédien et danseur (excusez du peu) Pierre Lebon et de toute son équipe.

^{© Yann Cabello}

Tout est concentré, tant dans l’œuvre synthèse de Purcell que dans le dispositif scénique. Sur une tournette, on découvre un bâtiment en arc de cercle composé d’une sorte de balcon/colonnade, puis d’un temple/palais et d’une tour/phare, dans une esthétique oscillant entre Antiquité, baroque et contemporanéité. Devant ce mur, une structure en demi-cercle qui cache l’orchestre ou sert de gradins puis d’escalier menant au temple lorsqu’on la pousse et la fait circuler, masquant ou dévoilant le clavecin lui-même mobile. À l’arrière, trois voiles surmontées de haubans, dont l’éclairage savant suffira à évoquer la tempête du prologue avec beaucoup d’efficacité, le contexte intime de l’habitation de Didon, l’ambiance sombre de la grotte des enchanteresses vouées à détruire l’histoire d’amour trop parfaite et la taverne où résonnent les chansons à boire. Enfarinés et vêtus de noir, blanc et gris, les neuf musiciens, six chanteuses ainsi que les trois comédiens et danseurs donnent l’impression constante d’être une foule nombreuse, pour notre grand plaisir. Un technicien arrive soudain, portant un mat qu’il plante au beau milieu de la scène, aidé par des musiciens qui s’en vont planter des haubans aux extrémités. Le technicien s’avère être un danseur funambule qui va hisser une voile avec des gestes d’une dextérité et d’une poésie folles. Entre songe et réalité, pantomime et théâtre, le déroulement du drame ponctué de séquences humoristiques se fait avec une précision doublée d’une fantaisie qui s’adresse au plus large public. On en redemande. Les costumes, très seyants, titillent l’imaginaire et la mémoire : on pense à certains classiques du muet, aux marins de Fassbinder ou à ceux de Billy Budd, avec des clins d’œil aussi bien vers Molière que Shakespeare. On oscille constamment entre foisonnement et simplicité avec délectation.

^{@ Yann Cabello}

La distribution est de très belle qualité et tout à fait équilibrée. Les musiciens de l’Ensemble Les Surprises, en particulier, surprennent par leur sens du jeu théâtral et leur capacité à endosser tous les rôles, sans compter qu’ils jouent sans partition… À peine regrette-t-on de devoir tendre l’oreille pour profiter de tous les textes insérés dans l’œuvre par le chef Louis-Noël Bestion de Camboulas et des musiciens ou du metteur en scène puisque l’on n’a pas sonorisé – et l’on s’en réjouit – les comédiens dont la diction est parfois plus naturelle qu’apprêtée. Merveilleusement mise en valeur par ses partenaires, ses costumes et un port de reine qui paraît naturel, Blandine de Sansal est une Didon toute de noblesse et de sensibilité empreinte de mélancolie. Son grand air « When I am laid in earth » est saisissant de beauté et de maîtrise. Le somptueux legato la met, et nous avec, en état de grâce dont on se souviendra. Grace Durham incarne un Énée assez éloigné du fantasme du héros grec, ce qui correspond bien à la réalité d’un personnage qui obéit aux ordres plutôt qu’à son cœur. Mais la scène de l’évocation des ruines de Troie et du naufrage lui permettent de conférer de la noblesse au demi-dieu troyen. Les quatre interprètes des dames et sorcières offrent un somptueux contrepoint, voix ductiles, juvéniles et amples, convaincantes également quand elles abordent les rôles du Marin, d’un esprit ou de Belinda. On congratulera donc conjointement Clara Penalva, Louise Bourgeat, Eugénie Lefebvre et Juliette Gauthier au même titre que l’ensemble de la troupe, qui salue d’ailleurs en groupe et reprend une chanson à boire après la mort de Didon, ce qui ne manque pas de réjouir et combler encore davantage le public… Magique !

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Récital Juan Diego Flórez – Bordeaux

Thierry Verger — Sun, 21 Jun 2026 04:00:00 +0000

S’il y a bien une chose qu’on n’enlèvera jamais à Juan Diego Flórez, c’est son amour inconditionnel du récital, sa gourmandise même, dès qu’il s’agit de se retrouver seul en scène avec un pianiste, un orchestre ou une guitare et sa seule voix pour charmer le public.
Entre sa Bohème viennoise de la fin d’année 2025 et les Pêcheurs de perles qu’il donnait encore le mois dernier toujours à Vienne, le ténor s’est produit en récital avec son pianiste Vincenzo Scalera à Milan, au Carnegie Hall, à Santa Barbara, Los Angeles, San Diego, Miami, Saragosse, Madrid, Séville, Barcelone, Prague, et Graz, excusons du peu.
Le 15 juin il était à Zurich et ce soir il clôt (provisoirement) à l’auditorium du Cours Georges Clémenceau de Bordeaux cette impressionnante série, avant d’aligner dans quelques jours à Londres cinq représentations de La Fille du régiment.
Les programmes varient selon les lieux, mais proposent toujours une pérégrination en compagnie des compositeurs avec lesquels Flórez est familier. Ce soir ce sera Mozart, Rossini, Boieldieu, Massenet, Gounod, Verdi, parmi d’autres.
Ce qu’on n’enlèvera pas non plus à Flórez, c’est la générosité dans les programmes qu’il propose. Deux heures dix de spectacle, entracte compris, avec seulement trois interludes dévolus au piano de Vincenzo Scalera (un piano qui aura apporté une large contribution au succès de la soirée par sa parfaite adéquation, acquise de longue date il est vrai, à la ligne de chant du ténor), tout cela nous change de certains récitals où les « à-côtés » prennent malheureusement largement le dessus.
Ce soir par exemple, Flórez parachève son opération de séduction auprès du public bordelais dans un bis dopé aux tubes de l’opéra ou de la chanson. Il n’y a plus guère de récital aujourd’hui ou le ténor péruvien ne ressort sa guitare ; s’il ne le fait pas dans le programme officiel, il le réserve pour les « encore » : ce sera le cas ce soir pour trois tubes (ou scies, c’est selon !), diablement bien réussis : « Bésame Mucho », « El Día Que Me Quieras» et l’inévitable « Cucurrucucu Paloma », avant d’enchaîner sur les neuf contre-ut de « Pour mon âme », sans doute son bis préféré, et de terminer en beauté avec Granada.
Avant cela, Flórez avait navigué en des eaux plus ou moins paisibles, tantôt donnant la pleine mesure d’un cantabile envoûtant (« La lontananza », péché de vieillesse de Rossini), tantôt faisant montre d’aigus toujours aussi insolents et purs (« Ah, lève-toi, soleil ! »), ou bien devant lutter pour la justesse (« Pourquoi me réveiller ? ») ou la simplicité des ornements (« Se all’impero, amici Dei ! » extrait de La Clemenza di Tito). Il avait en effet choisi Mozart pour commencer le récital (le terrible air de concert « Misero ! o sogno, o son desto ? » ), mise en bouche qui s’est avérée plus compliquée que l’on pourrait l’imaginer.
Il ressort de ce spectacle que la voix de celui qui est maintenant quinquagénaire mais qui a toujours des allures de jeune et beau ténébreux, prend une certaine épaisseur et pourrait l’inviter à entrevoir quelques rôles plus dramatiques. Cela dit, la clarté de l’émission, la perfection de la technique (même si le souffle ce soir nous a semblé écourté) et l’envoûtante beauté du timbre, qui demeure inaltérable, laisse à Juan Diego Flórez la perspective ouverte vers de belles et longues années de chant, pour le plus grand plaisir de ses admirateurs, et il en compte beaucoup à Bordeaux !

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VERDI, Requiem – Bordeaux

Thierry Verger — Sun, 21 Jun 2026 03:59:00 +0000

C’est le Chœur de l’Opéra National de Bordeaux dirigé par Salvatore Caputo qui est à l’honneur dans les deux œuvres proposées à l’auditorium : une pièce pour chœur a cappella de Sofia Avramidou, suivie du Requiem de Verdi dans la réduction réalisée par Michael Betzner-Brandt.
Ce dernier est un chef de chœur allemand, enseignant et pianiste, qui s’est fixé pour mission de populariser et vulgariser le chant choral ( il a notamment créé en Allemagne les chorales « Ich kann nicht singen » – « Je ne sais pas chanter » à destination de ceux qui sont mélomanes mais pas particulièrement musiciens).
Parmi ses nombreuses réalisations, il composa, en 2013, une réduction du Requiem de Verdi pour chœur, piano, cor, contrebasse, marimba, grande caisse et timbales. L’absence de grand orchestre (et l’on sait combien il peut être imposant dans cette pièce) va permettre au chœur de donner sa pleine mesure.
Ce n’est pas la première fois que Salvatore Caputo s’intéresse à des versions autres que l’original de la messe des morts de Verdi. L’Auditorium de Bordeaux avait accueilli cette pièce dans la version dite « de Terezín » à l’occasion d’un temps fort « Résistances » le 5 janvier 2025. L’événement était dirigé à l’époque par Salvatore Caputo et s’inscrivait dans une commémoration des résistances durant la Seconde Guerre mondiale. Il s’agissait de reproduire les exécutions du Requiem organisées par les prisonniers du ghetto de Terezín (Theresienstadt) sous la direction de Rafael Schächter (compositeur roumain) : Schächter avait réduit la pièce à une durée d’exécution d’une heure : seulement deux pianos, des choristes professionnels pour tenir les quatre parties solistes et plus de 100 prisonniers pour assurer le chœur. Tous, Schächter compris, avaient ensuite été déportés à Auschwitz et exterminés.

Le Requiem version Michael Betzner-Brandt est donné sans aucune coupure et on s’en réjouira. Les 37 choristes dont 20 femmes ont été remarquablement préparés à cette partition exigeante et où ils se retrouvent en première ligne, de par l’absence d’un orchestre complet. L’amplitude est réelle, et la division des voix bien définie dans l’ensemble (le Dies Irae représentant toutefois une vraie difficulté).
Et puis nous retiendrons les quatre solistes. Le quatuor vocal est ce soir de tout premier plan. Antoine Foulon fait bien chanter la basse ; l’articulation est parfaite – la projection souffre un peu dans l’équilibre avec les trois autres solistes.
Yu Shao possède le ténor idoine pour venir à bout sans coup férir de l’Ingemisco.
Ce sont toutefois les deux voix féminines qu’il faut particulièrement honorer. Lucie Emeraude tient le soprano avec une vaillance à toute épreuve (le Libera me, terriblement exigeant et qui plus est positionné en fin de parcours, est exemplaire). Outre la technique maîtrisée, elle délivre quelques aigus filés du plus bel effet. Un nom à suivre.
Et que dire de celui de Lauriane Trégan-Marcuz qui possède un alto splendide. Graves servis sur un plateau, timbre sévère à souhait qui laisse entrevoir la possibilité de grands rôles dramatiques verdiens (Il trovatore ou La forza del destino), qu’elle commence du reste à aborder.

Le concert avait commencé avec une création mondiale d’une pièce pour chœur d’hommes et de femmes a cappella. Actuellement en résidence à l’Opéra National de Bordeaux, Sofia Avramidou (compositrice et chanteuse grecque installée à Paris, formée à Thessalonique, Rome et à l’IRCAM, elle a été distinguée par de nombreux prix internationaux) propose une courte pièce vocale (d’une durée d’exécution de moins de dix minutes) devant augurer un diptyque – intitulée La Prière. Elle puise sa source littéraire dans le poème « Le Monstre » d’Agota Kristof (1935-2011). Ce sont les contrastes qui prédominent : voix filées du chœur, répétitions, scansions et voix parlées soulignent le texte de cette prière œcuménique, dans une métaphore à la résonance on ne peut plus actuelle, on pourra en juger. Le texte dit en effet : « Dieu unique de notre monde unique / Dieu éternel de notre monde éternel / Viens à notre aide. / Nous sommes devenus faibles et vulnérables / Nous nous prosternons dans la poussière / Relève tes enfants / Notre douleur est grande / Oh ! Nous avons besoin de Toi / Dieu unique de notre monde unique / Dieu éternel de notre monde éternel. »
La fin de la pièce, toute empreinte de lyrisme, en opposition complète avec le chanté-parlé des premières mesures, est du plus bel effet. Attendons la fin du diptyque pour juger définitivement.

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Bordeaux 2026-27, en attendant mieux ?

Christophe Rizoud — Thu, 28 May 2026 08:07:37 +0000

A Bordeaux, l’ambition d’un « opéra citoyen », davantage ouvert sur la ville, les quartiers et de nouveaux publics, continue de guider la politique culturelle engagée ces dernières années. Cette orientation se reflète de nouveau en 2026-27.

En marge d’une programmation éclectique, la saison comptera quatre grands titres à proprement parler : Didon et Enée, Carmen, Macbeth et La Fiancée du tsar. Les affiches misent davantage sur la cohérence artistique que sur l’accumulation de grandes vedettes internationales. Parmi les distributions, on remarque cependant le premier ( ?) Don José de Julien Henric, la présence de Jérôme Boutillier en Escamillo ainsi que celle de Catherine Hunold et Mathias Vidal dans La Fiancée du tsar. A défaut, il reste à espérer de belles révélations.

En parallèle, l’institution poursuit le développement de formats plus diversifiés – et économiques : un Requiem de Mozart mis en scène par Stefan Braunschweig, Lucia di Lammermoor en version de concert avec Nadine Sierra, une adaptation participative de La Fille du régiment, ou encore Fantasio d’Offenbach sous une forme légère pour piano et chœur, pensée dans une logique de sobriété de production.

Plusieurs récitals prestigieux se chargent de rehausser la saison — Pene Pati, Pretty Yende, Sabine Devieilhe, Julie Fuchs… — ainsi qu’un hommage très attendu à Béatrice Uria-Monzon.

Certains regrettent une programmation moins spectaculaire qu’à d’autres périodes de l’histoire récente de l’institution. Question de budget ? Assurément. De volonté politique aussi. La promesse de rupture brandie par la nouvelle équipe municipale sera-t-elle suivi d’effets ?

Plus de détails sur La nouvelle saison 2026/2027 | Opéra National de Bordeaux

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HOLMÈS, La Montagne noire – Bordeaux

Christian Peter — Thu, 21 May 2026 06:37:30 +0000

D’origine anglo-irlandaise, Augusta Holmès montre très tôt des dispositions pour la musique. Dès son plus jeune âge, elle étudie le piano et le chant avec d’éminents professeurs de l’époque, avant de devenir l’élève de César Franck. Parallèlement, elle fréquente divers salons dans lesquels elle croise Ambroise Thomas, Charles Gounod, Camille Saint-Saëns et même Rossini. En 1869, elle rencontre Richard Wagner pour qui elle nourrit une grande admiration. Comme lui, elle mettra un point d’honneur à écrire elle-même les livrets de ses opéras et adoptera l’usage des leitmotivs. En 1876, elle compose sa première symphonie et devient au fil du temps l’une des rares compositrices à écrire avec succès des œuvres d’une grande ampleur, saluées par la critique. Pour la voix, elle signe une centaine de mélodies et quatre opéras dont seul le dernier connaîtra les honneurs de la scène : La Montagne noire est créé à l’Opéra de Paris en 1895 avec un succès mitigé, notamment de la part des critiques. L’ouvrage ne sera jamais repris avant les représentations de Dortmund en 2024, également sous l’égide du Palazetto Bru Zane.

L’action se situe au milieu du dix-septième siècle dans un village du Monténégro, alors en lutte contre l’invasion ottomane. Aslar et Mirko, deux guerriers revenus vainqueurs d’une bataille, sont liés par une amitié fraternelle indéfectible. Ils ramènent avec eux une prisonnière, Yamina, dont Mirko ne va pas tarder à s’éprendre. Les deux amants décident de fuir le village. Aslar les retrouve et incite Mirko à se repentir. Les deux hommes s’invectivent tandis que Yamina blesse Aslar. Quelque temps plus tard, Aslar, soucieux de l’honneur de son ami qui a quitté sa fiancée, sa mère et sa patrie le retrouve dans un jardin luxuriant en Turquie, se livrant aux plaisirs du vin et de la chair. Après avoir tenté en vain de l’arracher à ses vices, pour le sauver de l’infamie il le tue avant de tomber, victime d’une balle perdue.

Ce livret qui comporte des thèmes récurrents dans l’opéra du dix-neuvième siècle, comme le conflit entre l’amour et l’honneur, la passion qui trouble la raison, le patriotisme, la trahison, pour efficace qu’il soit, n’est pas exempt de maladresses comme les atermoiements répétés de Mirko ou la redondance entre la fin de l’acte trois et le début du quatre.

La musique, puissante et sensuelle, est influencée par celle des compositeurs qu’Augusta Holmès a côtoyés ou admirés, en particulier Saint-Saëns et Massenet.

Sur la scène de l’auditorium de Bordeaux, Dominique Pitoiset montre une répétition de l’ouvrage avec côté cour, des portants où sont accrochés des costumes et côtés jardin un salle de maquillage avec ses miroirs. Petit à petit l’intrigue prends le dessus et après l’entracte c’est un spectacle achevé qui nous est proposé.

©FredericDesmesure

Côté masculin, la distribution est d’un niveau artistique élevé. Doté d’une voix homogène et d’un grave profond, Guilhem Worms est un Père Sava sobre et bienveillant dont on regrette que ses interventions soient si brèves. Julien Henric possède un timbre agréable, un aigu aisé et claironnant mais son bas medium et son grave demeurent confidentiels notamment dans les passages où l’orchestre se déchaîne. Tassis Chritoyannis incarne admirablement ce guerrier obstiné, qui veut coûte que coûte, sauver son ami du déshonneur, quitte à y perdre la vie. Son interprétation à la fois vigoureuse et bouleversante capte durablement l’attention. Tous trois possèdent une diction exemplaire.

Côté féminin, Hélène Carpentier est une Héléna touchante et résignée en particulier dans son duo du deuxième acte avec Mirko. Cependant, son timbre frais et juvénile n’est pas exempt de dureté dans les aigus forte. Marie-Andrée Bouchard-Lesieur possède une voix ample et chaleureuse qui convient tout à fait à ce personnage de mère aimante et de patriote intransigeante à la fois. Enfin, dotée d’un puissant tempérament et d’une ampleur vocale impressionnante, Aude Extremo parvient à exprimer avec bonheur tous les affects de son personnage. Elle campe une Yamina à mi-chemin entre Dalila et Ortrud, tour à tour ensorceleuse et sensuelle, notamment dans son air de du deux « Près des flots d’une mer bleue », haineuse et vindicatrice lors de ses imprécations émaillées d’aigus tranchants, après le duo entre son amant et sa fiancée.

Il convient de saluer également les excellentes interventions des chœurs, remarquablement préparés par Salvatore Caputo.

Pierre Dumoussaud s’empare de la partition avec fougue et un enthousiasme communicatif. Aussi à son aise dans les nombreux passages martiaux que dans les scènes élégiaques, il tire de l’Orchestre National de Bordeaux Aquitaine des sonorités chatoyantes. Sa direction en tout point rigoureuse et exemplaire lui a valu un grand succès au salut final.

La partition est conforme à celle de la création avec le rétablissement de certaines coupures (l’ouverture) mais sans le deuxième tableau de l’acte quatre. Le Palazetto Bru Zane devrait faire paraître une intégrale de l’ouvrage courant 2027 dans la collection « Opéras français ».

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Reconduction de Joseph Swensen à la tête de l’ONBA

La Rédaction — Sat, 25 Apr 2026 08:22:32 +0000

Le chef et compositeur américain a pris le poste de directeur musical de l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine au début de la saison 2024-25 succédant à Paul Daniel (de 2013 à 2021). Il est reconduit pour 3 ans à compter de la saison 2027-28.

Emmanuel Hondré, directeur général de l’Opéra National de Bordeaux, est heureux d’annoncer la reconduction de Joseph Swensen à la direction musicale de l’ONBA pour 3 ans, à compter de la saison 2027/2028, après 2 années d’une collaboration particulièrement remarquée avec l’orchestre.

Fruit d’une rencontre musicale exceptionnelle et d’une relation qui s’est développée au cours des dix dernières années, Joseph Swensen a pris le poste de directeur musical de l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine au début de la saison 2024-2025, succédant à Paul Daniel (de 2013 à 2021) à la tête de la phalange bordelaise, labellisée orchestre national en 1988.

Parmi les concerts qu’il a dirigés lors de son premier mandat, nombreux sont ceux qui ont marqué le public bordelais : les désormais incontournables Concerts dans la ville, retransmis sur écran dans tout Bordeaux à chaque rentrée de septembre, la Saga Trilogy qui a permis de mettre en résonance trois des concertos qu’il a composé avec des œuvres du répertoire ou le concert Un Américain à Bordeaux avec Lucas Debargue retransmis sur medici.tv pour n’en citer que quelques-uns. 3 premiers enregistrements ont vu le jour : Beethoven Hymne à la joie, Wagner Ring Odyssey, et sa création Saga Trilogy, qui a permis au public de le découvrir en tant que compositeur. 2 autres disques sont d’ores et déjà annoncés : le disque Hafiz/Shéhérazade enregistré lors duconcert du 23 avril durant lequel sera donné en création mondiale la symphonie Hafiz qu’il a composée, et Tableaux d’une exposition, qui sortira chez Alpha Classics à l’automne 2026. Pédagogue particulièrement attentif aux différents enjeux de notre société contemporaine, Joseph Swensen participe également aux actions de médiation de l’ONB : rencontre avec les enfants de l’orchestre Démos, concerts-rencontres au Grand Parc, rencontres de jeunes de la communauté musulmanes bordelaise lors de diners solidaires du ramadan pour évoquer sa nouvelle création Hafiz.

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MOZART, La Flûte enchantée – Bordeaux

Catherine Jordy — Wed, 01 Apr 2026 04:01:00 +0000

L’Opéra de Bordeaux nous propose une bien belle Flûte, en coproduction avec l’Opéra de Beijing, ce qui explique un certain nombre de choix artistiques pour une féerie à destination de publics très différents. La mise en scène de Julien Duval est plutôt épurée, contrastée, avec de superbes tableaux où les costumes, entre oripeaux et haute couture, confèrent originalité et élégance à un plateau sobre et dépouillé, ce qui laisse la part belle à la musique. Entre Orient et Occident, avec des oppositions de matières (grottes minérales ou nature sublimée entre autres par des arbres suspendus à l’envers), de sentiments ou encore de couleurs (de la « haute note jaune » solaire et rayonnante que n’aurait pas reniée Van Gogh à des violets intenses, qu’un Michel Pastoureau associerait à la fois à la royauté, à la spiritualité et au luxe, teintées de mélancolie et de mystère), le spectacle se veut visuellement universel. Dans leur note d’intention, directeur du théâtre, metteur en scène et chef évoquent conjointement les figures complémentaires, le ying et le yang et autres oppositions plus ou moins manichéennes qui se rencontrent, évoluent et parfois fusionnent pour aboutir à quelque chose de différent. Il en résulte une poésie qui correspond bien à l’esprit mozartien, quand bien même certains aspects (le symbolisme franc-maçon, par exemple) auront été laissés de côté. Contrastant fortement avec les espaces dépouillés et abstraits, on retiendra avant tout le travail sur les costumes, pour se souvenir longtemps des robes à col auréole des trois dames, mettant somptueusement en valeur leur ligne et encore davantage leur carnation, ou encore la merveilleuse robe de bal en organdi aux mouvements d’une élégance folle lorsque la Reine de la nuit s’en va, furieuse, cernée de ses épaulettes surmontées de bougies, géniales pièces montées. Les prêtres sont vêtus de robes semblant des abat-jours éclairés de l’intérieur, tout comme ceux des hommes d’armes, robes vitraux spectaculaires. Telle une armée de revenants, le chœur des fidèles de Sarastro apparaît couvert d’éléments végétaux et de sortes de scrofules vertes qui rappellent Louis de Funès dans l’usine de chewing-gum avant que l’on ne comprenne qu’il s’agit de scarabées de toutes les formes, aux couleurs iridescentes, formant un tapis d’insectes mouvant impressionnant. Chaque costume est ainsi une création qui attire l’attention, multipliant les clins d’œil et les références (comme pour le plissé d’où émergent des bras de squelettes dignes à la fois des Histoires de fantômes chinois autant que des yokais des estampes japonaises). Les chorégraphies ainsi que les déplacements des solistes ou des groupes génèrent une grande fluidité aux scènes tout à fait au service de l’œuvre. On ne s’ennuie pas un instant et de nombreuses pistes de réflexion sont proposées à l’œil et à l’esprit.

Le plateau vocal est très satisfaisant, quand bien même plusieurs interprètes ont un fort accent ou une élocution appuyée, voire forcée, dans leur prononciation de l’allemand. Il est vrai que les germanophones ne sont pas majoritaires à Bordeaux. Ils le seront encore moins en Chine et les dialogues parlés ne seront pas une gêne. Il est toutefois à noter que le livret a été adapté pour correspondre à des normes actuelles non discriminatoires, ce qui lisse le propos mais l’amoindrit d’une certaine manière, les dialogues étant raccourcis. La soprano cubano-américaine Elena Villalón est une ravissante et énergique Pamina, courageuse, tourmentée puis triomphante, que l’on suit avec intérêt. Voix brillante et posée, la jeune femme parvient aisément à nous entraîner dans son parcours initiatique tout en coups d’éclats, avec une évidence et une autorité naturelle rassurantes. Le ténor italien Omar Mancini ne laisse pas la même impression ; vulnérable et apparemment poussé dans ses extrémités, son chant manque de relief dans l’émotion. Il apparaît presque plus timoré que Papageno au départ de son périple mais s’affirme tout de même et finit par convaincre. Julia Knecht est une Reine de la nuit toute en nuances dans sa première apparition, sublimée par un décor à la Cocteau, avant de laisser « der hölle Rache » bouillir en aigus éclatants et percutants de furie déchaînée à faire grimper aux rideaux (il y a d’ailleurs beaucoup à dire sur l’art des plissés et des tombers des drapés en tous genres de ce spectacle…). La soprano parvient à construire un personnage des plus intéressants, doté d’une grande brillance et d’une vraie intensité dramatique. Très applaudie, la basse Jean Teitgen nous gratifie de graves caverneux et prend son temps pour développer tout en rondeur et profondeur ses arias, malgré un vibrato bien ample. En poussin virevoltant et faussement maladroit, âme simple au grand cœur, le baryton Thomas Dolié fait fondre (et rire) l’auditoire avec un art consommé et une technique éprouvée : ce Papageno est absolument idéal. En couleur tagada avec fraise en guise de collier, Sofia Kirwan-Baez nous offre comme une friandise une Papagena délicieuse au timbre fruité. Mathias Vidal tire son épingle du jeu en Monostatos et Ugo Rabec, souffrant, n’assure que le rôle parlé, doublé en coulisses par Andoni Etcharren qui se sort mieux que bien du rôle de l’Orateur. Les trois dames, aux timbres bien distincts, s’accordent cependant avec brio (mention spéciale pour Axelle Saint-Cirel, dont on se souvient de la prestation aux Jeux olympiques de 2024). Les autres artistes complètent efficacement la distribution. Obligeant les artistes sur scène à se surpasser dans la projection, le chef Joseph Swensen parvient à restituer avec force et bel équilibre la richesse de la partition mozartienne, à la tête d’un orchestre très en forme. Une bien belle réussite…

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Saison 2026-27 : les programmes

La Rédaction — Fri, 27 Mar 2026 06:41:08 +0000

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Amsterdam
Angers
Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen)
Athènes
Atlanta
Avignon
Barcelone (Liceu)
Bayreuth (Baroque Opera Festival)
Bergame (Festival Donizetti)
Berlin (Komische Oper)
Berlin (Deutsche Oper)
Berlin (Staatsoper)
Berne
Bilbao
Bienne Soleure Theatre Orchestre
Bologne
Bonn
Bordeaux
Boston
Boulogne (Seine Musicale)
Bruxelles (La Monnaie)
Budapest
Caen
Chicago
Clermont-Ferrand
Cologne
Compiègne
Copenhague
Dallas
Dijon
Dortmund
Dresde
Dublin
Erl
Florence
Francfort
Fribourg
Genève (Grand Théâtre)
Genève (La Cité Bleue)
Gênes
Graz
Hambourg
Helsinki
Houston
Karlsruhe (Badisches staatstheater)
Lausanne
Leipzig
Liège
Lille
Limoges
Londres (English National Opera)
Londres (Royal Opera House)
Los Angeles
Lyon
Magdebourg
Maastricht (Opera Zuid)
Madrid
Marseille
Massy
Metz
Milan
Monte-Carlo
Montpellier
Montréal
Munich
Nancy
Nantes
Naples
New York (Metropolitan Opera)
New York (Carnegie Hall)
Nice
Oviedo
Palerme
Paris (Athénée)
Paris (Châtelet)
Paris (Opéra Comique)
Paris (Invalides)
Paris (OnP)
Paris (Philharmonie)
Paris (Radio France)
Paris (TCE)
Parme
Parme (Festival Verdi)
Prague
Philadelphie
Reims
Rennes
Riga
Rome
Rouen
Saint-Etienne
San Francisco
Seattle
Séville
Strasbourg, Mulhouse, Colmar (Opéra national du Rhin)
Tokyo
Toronto
Toulon
Toulouse
Tourcoing
Tours
Trieste
Turin
Valence
Vancouver
Varsovie
Venise
Versailles
Vienne (Staatsoper)
Vienne (Theater an der Wien)
Vienne (Volksoper)
Washington
Wexford (Festival Opera)
Wiesbaden
Zurich

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VERDI, La traviata – Bordeaux

Christophe Rizoud — Sun, 01 Feb 2026 07:20:02 +0000

Proposer La traviata dans une ville où l’opéra est devenu variable d’ajustement budgétaire, c’est ouvrir grandes les fenêtres d’une pièce privée d’oxygène. Le public bordelais, avide d’air lyrique, s’engouffre dans la brèche. Le Grand Théâtre, rendu à ses fonctions premières, affiche complet, du fauteuil de première catégorie au strapontin le plus reculé du paradis. Tout à la joie des retrouvailles, l’indulgence semble de mise. Les applaudissements fusent au tomber du rideau. Il revient au critique de tempérer cet enthousiasme légitime, au risque de jouer les trouble-fêtes.

Créée à Toulouse en 2018 et régulièrement reprise*, la mise en scène de Pierre Rambert s’inscrit dans une démarche avant tout esthétique. Les décors d’Antoine Fontaine structurent l’espace dans une temporalité flottante, entre Second Empire et réminiscences du XXᵉ siècle. Les costumes haute couture de Franck Sorbier prolongent l’impression de luxe. Quelques symboles transgressifs — une poupée, la présence de la mort incarnée par des danseurs grimés en squelettes — viennent troubler la lisibilité de l’ensemble, sans convaincre de leur pertinence – parce que c’est l’usage aujourd’hui ? Afin d’éviter d’être accusé de manquer d’idées (alors qu’il vaut mieux ne pas en avoir qu’en avoir de mauvaises) ? Tout cela est bien joli, mais cruellement dépourvu de théâtre. Les artistes des chœurs, irréprochables au demeurant, sont parqués dans les coins, les chanteurs figés à l’avant-scène comme au bon vieux temps des toiles peintes – l’inverse en quelque sorte de Werther, la semaine dernière à l’Opéra-Comique, où un travail profond sur le geste compensait l’absence de décors et de costumes.

La première Violetta de Federica Guida, jeune soprano italienne dont l’essentiel de la carrière s’est déroulé jusqu’ici de l’autre côté des Alpes, s’inscrit dans la même optique. Belle voix pulpeuse d’une largeur supérieure à ce que suggère la lecture de son parcours — Nanetta dans Falstaff, Musetta dans La Bohème, Oscar dans Un Ballo in maschera… —, homogénéité, projection, médium solide, aigus brillants : autant d’avantages altérés par une fâcheuse propension à l’uniformité expressive, de la courtisane du premier acte à la femme blessée du deuxième, l’une et l’autre chantées à l’identique. Le troisième acte, plus animé, laisse espérer qu’avec le temps la palette d’intentions et de couleurs se développera. Reste à savoir si l’on peut concevoir Traviata sans bagage belcantiste, privée d’effets, en difficulté dès que l’émission se veut piano (« Addio del passato » d’une fragilité involontaire) ou agile (« Sempre libera » aux vocalises imprécises, sans contre mi-bémol pour les fétichistes de la note extrême), la ligne de chant limitée entre mezzo forte et forte ? Mimi, sans doute ; Violetta, difficile.

© Frederic Desmesure

En Alfredo, Julien Behr se montre plus soucieux de nuances, en dépit d’un état de méforme audible : émission en arrière, timbre fibreux, absence d’éclat, cabalette à bout de souffle. Souhaitons que le ténor français retrouve vite les qualités qui ont fait sa réputation pour affronter prochainement Jason, dans Médée au Théâtre des Champs-Élysées.

Des trois protagonistes, Lucas Meachem tire le mieux son épingle du jeu. Son baryton feutré sied aux tempes grisonnantes de Germont père. Même si capable d’éclat et de mordant, sa vraie violence réside non dans le chant mais dans la norme sociale qu’il incarne avec justesse. « Di Provenza il mar » se distingue par un legato parfait, une diction claire, et une émotion sincère sans excès.

Les seconds rôles pâtissent du manque général de caractérisation. Ainsi Flora voudrait plus qu’une robe fendue pour trouver la substance dramatique que le mezzo chaleureux de Marine Chagnon laissait espérer – Verdi, il est vrai, lui concède peu.

Tito Ceccherini dirige l’ouvrage comme un drame intime, sans grands élans héroïques ni rubati démonstratifs. Sobriété, respiration, équilibre et clarté dominent. Ajoutée à l’acoustique du Grand Théâtre, cette recherche d’une texture instrumentale claire, presque chambriste, dessert l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine. Mise à nu, la petite harmonie tire la première phalange d’Aquitaine vers l’orphéon municipal. Après avoir figuré sur la carte de France lyrique comme capitale régionale, Bordeaux doit-elle se satisfaire d’un statut de sous-préfecture ?

* dans nos colonnes, à Bordeaux en 2020 (double distribution) et Toulouse en 2023.

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