Artiste lyrique : Michael Spyres (30%)

Déjà lauréat de nos trophées il y a 5 ans, Michael Spyres remonte en 2021 sur la première marche du podium, l’insigne des arts et des lettres à la boutonnière, le front ceint sur scène des lauriers de plusieurs récitals triomphaux, d’un Don Ottavio salzbourgeois déniaisé et d’un Fidelio parisien « qui à chaque note vous coll[ait] le frisson ». Au disque, le récital Bariténor qualifié ici-même de « très emballant » et la version intégrale de Mitridate (dont on reparlera plus bas), parachèvent le portrait d’un chanteur qui semble avoir fait sien le conseil donné par Diaghilev au jeune Cocteau : « étonnez-moi ».

• Lise Davidsen (12%)
• Asmik Grigorian (16%)
• Nadine Sierra (14%)
• Ludovic Tézier (28%)

Etoile montante : Alexandra Marcellier (29%)

Il a suffi d’une Butterfly pour propulser Alexandra Marcellier sous le feu des projecteurs. D’une ou plutôt de deux. A Saint-Etienne d’abord, début novembre, où l’on a assisté médusé à « l’éclosion d’un magnifique papillon ». A Monte-Carlo ensuite, lorsque la jeune soprano française – elle est née à Perpignan au début des années 1990 – a remplacé au pied levé et avec le même succès Aleksandra Kurzak souffrante. Un récital parisien, il y a quelques semaines, l’installait « un peu plus près des étoiles ». On attend la suite avec impatience.

• Amina Edris (12%)
• Pene Pati (25%)
• Andrè Schuen (6%)
• Jonathan Tetelman (28%)

Production : Glass : Akhnaten – Nice (26%)

Plus qu’une production dont il faut saluer chacune des composantes artistiques, scéniques, musicales, la nomination d’Akhnaten récompense l’audace – « Jamais on n’avait entendu un tel répertoire à Nice » – et au-delà, la renaissance d’une institution lyrique qui, après avoir traversé plusieurs zones de turbulence, semble sous l’impulsion de son nouveau directeur, Bertrand Rossi, renouer avec son passé prestigieux.

• Campra : Idoménée – Lille (18%)
• Rimski-Korsakov : Le Coq d’or – Aix-en-Provence/Lyon (16%)
• Strauss : Elektra – Toulouse (18%)
• Wagner : Tristan und Isolde – Munich (22%)

Renaissance : Verdi : Stiffelio – Strasbourg (33%)

Cette catégorie, nouvellement introduite au sein de nos trophées annuels, a suscité de vives discussions au sein de la rédaction. Qu’entend-on exactement par « Renaissance » ? Distinguer la création scénique moderne en France d’un opéra injustement négligé de Giuseppe Verdi répond à la question.

• Bizet : Djamileh / Saint-Saens, La Princesse jaune – Tours (11%)
• Enescu : Œdipe – Paris, Bastille (18%)
• Haendel :Oreste – Paris, TCE (12%)
• Offenbach : La Vie parisienne – Rouen (26%)

Création : Philippe Hersant : Les Eclairs – Paris, Opéra-Comique (32%)

Premier théâtre d’Europe prétendument éclairé à l’électricité, l’Opéra Comique se devait d’accueillir une création consacrée au courant alternatif et à son inventeur. Si la musique de ce « drame joyeux en quatre actes » composé par Philippe Hersant sur un livret de Jean Echenoz a pu ne pas répondre à certaines attentes, la « douce lumière qui illumine chaque personnage de l’intérieur » a emporté l’adhésion du plus grand nombre.

• Kris Defoort : The Time of our Singing – Bruxelles (10%)
• Zad Moultaka : Hémon – Strasbourg (15 %)
• Kaija Saariaho : Innocence – Aix-en-Provence (31%)
• Philip Venables : Denis & Katya – Montpellier (12%)

CD, intégrale : Mozart : Mitridate, re di Ponto, Erato (27%)

A quelque chose malheur est bon. En raison de la pandémie, la tournée de Mitridate initialement prévue par Marc Minkowski s’est muée en session d’enregistrement avec pour résultat un « équilibre global entre le plateau vocal et la qualité de la direction, entre l’intensité dramatique et la pure performance vocale » qu’aucune version n’avait jusqu’à présent atteint.

• Bellini : Il pirata, Prima Classics (26%)
• Lecocq : La Fille de Madame Angot, PBZ (15%)
• Salieri : Armida, Aparté (9%)
• Rameau : Les Indes Galantes, Château de Versailles Spectacles (23%)

CD, autres (récital, mélodie, musique sacrée, etc.) : Lea Desandre : Amazone, Erato (35%)

Coup d’essai, coup de maître pour le premier récital chez Erato de Lea Desandre et de l’ensemble Jupiter. « Un fil rouge original et d’une certaine modernité, des pépites inouïes, Cecilia Bartoli, Véronique Gens et William Christie en guest stars : le luxe des moyens déployés a de quoi impressionner ». La preuve avec ce trophée décerné à une large majorité relative.

• Emiliano Gonzalez Toro : Soleil noir, Naive (12%)
• Anna Netrebko : Amata dalle Tenebre, DG (23%)
• Christian Gerhaher : Schumann, Alle Lieder, Sony (17%)
• Reinoud Van Mechelen : Jéliote, haute-contre de Rameau, Alpha (13%)

DVD : Rameau : Les Boréades, Erato (27%)

« Jamais représenté, ni même édité du vivant du compositeur, révélé au public en version de concert en 1964, et mis en scène pour la première fois à Aix-en-Provence en 1982 » ( !), l’ultime chef-d’œuvre de Rameau à Dijon en 2019 conjuguait au superlatif mise en scène, distribution et direction musicale. L’édition en DVD de sa captation, » entrecroisant habilement plans d’ensemble et détails de jeu, avec de surcroit une belle prise de son, large et détaillée à la fois », effectivement s’imposait.

• Alfano : Risurrezione, Dynamic (7%)
• Lully : Atys, Naxos (18%)
• Rimski-Korsakov : Sadko, BelAir Classiques (25%)
• Beethoven : Fidelio, Unitel (23%)

Livre : Saint-Saens, un esprit libre, catalogue de l’exposition, BnF (34%)

Le catalogue de l’exposition « Saint-Saëns, un esprit libre » aurait pu arguer de sa reliure luxueuse et de sa richesse iconographique pour se contenter de jouer les « beaux livres », à la façon de ce que l’on dénomme Outre-Manche un coffee table book. La qualité des textes rassemblés par Marie-Gabrielle Soret, la commissaire de l’exposition, le pose en référence.

• Nicolas Bacri : Notes étrangères et autres écrits sur la musique, L’Harmattan (9%)
• Alexandre Dratwicki : Bons Baisers de Rome, PBZ (20%)
• Jérôme Bastianelli : Federico Mompou, Actes Sud (11%)
• Hervé Lacombe : Histoire de l’Opéra Français, Du Roi-Soleil à la Révolution, Fayard (26%)

L’article Trophées 2021 : les lauréats est apparu en premier sur Forum Opéra.

La Bibliothèque nationale de France et l’Opéra national de Paris en ont confié la responsabilité à Marie-Gabrielle Soret, que nos lecteurs ont eu le bonheur de rencontrer en décembre dernier (Saint-Saëns, le retour en grâce).

Son titre – « Saint-Saëns, un esprit libre » – résume parfaitement le personnage, que l’on connaît davantage depuis que le fonds dieppois (14 000 lettres, 600 partitions, 600 livres) est numérisé pour en faciliter l’accès. Le beau livre-catalogue vient d’être publié, qui nous rend impatient de découvrir l’exposition. Comme attendu, riche d’une iconographie exceptionnelle, reproduite et commentée, il est introduit par la Commissaire de l’exposition, intime du compositeur et de son œuvre. Parmi les contributions, l’amateur de théâtre lyrique retiendra particulièrement celle de Mathias Auclair, directeur du Département de la musique de la BnF. Intitulée « Saint-Saëns à l’opéra », qui nous rappelle qu’à côté de Samson et Dalila, ce furent 12 ouvrages lyriques qu’acheva le compositeur. On sourit à la lecture d’une citation : « Les opéras ! Quand on ne les joue pas, c’est terrible ! Quand on les joue, c’est encore pis… »  Partitions, correspondances, décors, costumes, l’exposition rassemble des trésors, le plus souvent enfouis dans les fonds de la Ville de Dieppe et dans ceux de la BnF.

Autour de l’exposition, un concert-conférence est programmé à l’auditorium Colbert de la BnF-Richelieu (le 11 mai), un colloque (« Saint-Saëns d’un siècle à l’autre : héritage, réception, interprétation ») se déroulera le 8 octobre à la BnF-François Mitterrand, suivi naturellement d’un concert. Lien : https://www.bnf.fr/fr/agenda/saint-saens-un-esprit-libre.

Ce beau livre-catalogue, comme celui évoqué ci-dessous, a vocation à faire partie des incontournables références, par la qualité des informations, de l’iconographie comme par les contributions dues aux chercheurs les plus sûrs.

—————————-

Camille Saint-Saëns, écrits sur la musique et les musiciens, 1870-1921

L’ouvrage, apprécié dès sa parution par le cercle restreint des spécialistes, mérite une large diffusion, d’autant plus que sa clarté, sa lecture, aisée, le mettent à la portée de tout mélomane curieux. On imagine difficilement l’abondance et la richesse des écrits de Saint-Saëns, publiés de son vivant. Certes on en connaissait les six petits volumes où il avait rassemblé, organisé et remanié des textes épars, mais la masse de documents qu’il nous a légués éclaire singulièrement la connaissance de la vie musicale des cinquante ans qui chevauchent le tournant du XXe S. Cette somme, monument d’érudition, a été réalisée avec une exigence que n’aurait pas reniée le compositeur.

La riche introduction de Marie-Gabrielle Soret lui permet d’expliciter sa démarche comme ses choix (435 textes retenus pour leur pertinence). On devient ainsi témoin d’une vie et d’une carrière exceptionnelles par la personnalité du compositeur au caractère bien trempé, farouchement indépendant, comme par sa longévité. En sept périodes couvrant les années de 1870 à sa disparition, en 1921, on suit ainsi l’évolution de sa pensée, complexe. Saint-Saëns est évidemment au cœur de l’ouvrage, avec toute la galerie de ses contemporains, que les notes de bas de page renseignent, comme les œuvres citées. La bibliographie, proche des quarante pages, détaille les sources, très nombreuses. La correspondance, pléthorique, principalement conservée au Château-Musée de Dieppe, est mise à profit. Tout autant que ses publications, dans une centaine de périodiques, qui nous rappellent la vitalité de la presse, stimulée par sa libéralisation.

On y croise compositeurs, interprètes, directeurs de salles, critiques, mais aussi célébrités en tous genres, amis intimes… toute l’activité foisonnante de ce temps retrouve vie à nos yeux. Tout ce qui s’écrit et se joue est passé au crible, et le lyricomane y trouvera un miel abondant et savoureux. Ses textes, trop souvent ignorés, constituent un trésor, qui éclairent toutes les productions de son temps sous leur jour le plus cru. De Rossini à Verdi, en passant par Liszt, Wagner, Gounod, Bizet et tant d’autres, on y fréquente les grands comme les humbles (l’index des noms et des œuvres comporte plus de 30 pages). On mesure avec le recul combien étaient justes l’oreille du musicien et le regard critique du musicologue, la production musicale de six siècles étant passée au crible. Il me faut l’avouer : lorsque je me plonge dans la lecture de telle lettre, de tel article, j’ai grand-peine à ne pas poursuivre, tant le bonheur m’envahit. C’est tout ce que je vous souhaite.

L’article Saint-Saëns – Un esprit libre est apparu en premier sur Forum Opéra.

Il faut en effet distinguer entre « opéra en France » et « opéra en français », car longtemps les Italiens eurent, assez logiquement, la mainmise sur le genre qu’ils avaient créé. Il n’est donc pas étonnant que les rapports entre France et Italie aient été choisi comme fil conducteur de l’exposition présentée par la BnF et l’Opéra de Paris pour célébrer le 350^e anniversaire de la seconde institution. Si l’on fête les lettres patentes du 28 juin 1669, par lesquelles Louis XIV autorisait la création d’un établissement imitant l’exemple italien donné par « ces académies dans lesquelles il se fait des représentations en musique », le premier opéra en français date de 1659, avec la Pastorale d’Issy, musique de Cambert, livret de Perrin. C’est d’ailleurs un poète – le fameux Perrin – et non un compositeur qui bénéficie des susdites lettres patentes, et qui avait dressé une longue liste des défauts italiens qu’il conviendrait d’éviter pour instaurer l’opéra français. On s’étonne d’ailleurs que nul n’ait encore tenté de nous faire entendre les opéras de Cambert, son Ariane et Bacchus ou sa Pomone, résultats de ce « processus d’hybridation » par lequel notre pays s’efforça de concevoir, sur des vers français, des œuvres musicales ressemblant à ce qui se créait de l’autre côté des Alpes. Evidemment, le monopole de Perrin, fortement concurrencé par la Musique du Roi, fut de très courte durée et Lully, cet Italien devenu Français, s’empressa de supplanter son rival. Cambert, dépité, s’en ira fonder à Londres la Royal Academy of Music en 1674.

Voilà ce que raconte, entre autres choses, le catalogue somptueusement illustré qui accompagne l’exposition commémorative. Rédigé par une dizaine de spécialistes, il s’attarde également sur certains aspects plus particuliers, comme l’orchestre ou le corps de ballet, l’art du décor ou celui du costume (on notera que ce dernier domaine est le seul qui échappa toujours à l’influence italienne, la supériorité de la France ayant de longue date été reconnue en matière de mode et de vêtement).

D’autres questions sont d’autant plus pertinentes qu’elles sont au cœur des choix de programmation d’une institution comme le Centre de musique baroque de Versailles. Nous connaissons aujourd’hui mieux ces parodies d’opéra qui proliféraient aux XVIIe et XVIIIe siècles, grâce aux spectacles de marionnettes qui ont été récemment présentés avec succès, la désormais omniprésente Platée constituant « le paradigme de ce premier âge d’or de la parodie d’opéra ». La question des révisions d’opéras « anciens » est elle aussi un point sur lequel nous en avons beaucoup appris ces dernières années, avec le Persée de 1770 ou l’Armide de 1776, ces réécritures de tragédies en musique de Lully commandées par la direction de l’Opéra de Paris. Relire l’histoire de l’Académie royale à travers les controverses esthétiques, c’est aussi un bon moyen d’éclairer les relations entre France et Italie, l’histoire de l’art lyrique dans notre pays étant une succession de périodes où l’opéra italien fut tantôt porté aux nues, tantôt voué aux gémonies, adoré par les uns, haï par les autres.

Cette première exposition (une seconde est prévue, consacrée au XIXe siècle) se termine sur une succession de secousses, musicales ou non : la « révoltion gluckiste », qui « fait s’écrouler comme un château de cartes le répertoire entier de l’Opéra de Paris », l’incendie de 1781, et la Révolution tout court, lors de laquelle il fut heureusement décider de conserver un établissement qui attirait à Paris toutes sortes de riches touristes et générait de nombreux emplois…

Un unique reproche à adresser à ce magnifique ouvrage : les doubles pages consacrées à tel ou tel élément de détail (« Sommeils français et italiens dans la tragédie en musique lullyste », « La querelle des pantomimes : un autre débat franco-italien », etc.) sont imprimées en gris moyen sur gris clair ou puce, ce qui n’est vraiment pas très lisible.

L’article Un air d'Italie. L'Opéra de Paris de Louis XIV à la Révolution est apparu en premier sur Forum Opéra.

Laurence Decobert et David Hennebelle évoquent d’abord les trois voyages de Mozart en France, rendez-vous manqué sur le plan lyrique. En 1778, il est question d’un opéra sur les amours d’Alexandre et de Roxane : « Si seulement cette maudite langue française n’était pas si misérable pour la musique ! C’est abominable », écrit alors Mozart dans une lettre à son père. Il ne résultera rien de ce beau projet, et il faut attendre 1793 pour que Paris présente Le Mariage de Figaro, arrangé par Beaumarchais qui a rétabli ses dialogues parlés à la place des récitatifs. Comme le relate Jean Gribenski, l’œuvre, jugée trop longue, est retirée de l’affiche au bout de six représentations. Grand succès, en revanche, pour Les Mystères d’Isis, étrange adaptation de La Flûte enchantée donnée de 1801 jusqu’en 1827, et que le Palazzetto Bru-Zane nous a permis de redécouvrir il y a quelques années. En 1805 viendra un Don Juan transposé à Naples pour se terminer par une éruption du Vésuve. En parallèle, rappelle Céline Frigau Manning, le Théâtre Italien propose les opéras de Mozart en version originale. Originalité cependant toute relative, puisque les distributions incluent notamment un Don Giovanni ténor, le fameux Manuel García. Plus tard, Adolphe Nourrit s’appropriera lui aussi le personnage, en version française.

Jean-Michel Vinciguerra retrace la naissance d’un mythe mozartien dans la première moitié du XIX^e siècle, à travers les écrits de Stendhal ou Balzac, mythe qui s’élabore malgré les avatars que continuent à connaître les partitions, à l’heure où Pauline Viardot transforme le manuscrit de Don Giovanni en Graal que l’on adore à genoux dans son salon. Cécile Reynaud présente ce fascinant collectionneur que fut Charles Malherbe, archiviste de l’Opéra, grâce auquel la France possède notamment 85 pages de Mitridate.

Mathias Auclair évoque  les spectacles parisiens, de la fin du XVIII^e siècle à nos jours, avec un arrêt inévitable sur Les Noces montées par Strehler en 1973. Simon Hatab rappelle comment Christoph Marthaler, Michael Haneke, Luc Bondy, et quelques autres ont cherché à réinventer Mozart à Paris, jusqu’à Anne Teresa de Keersmaeker. Notre consœur Elizabeth Giuliani se penche sur les manifestations françaises du culte mozartien et relate dans ses grandes lignes l’histoire du festival d’Aix.

Outre une interview où Cecilia Bartoli avoue qu’elle rêverait de pouvoir interpréter Don Giovanni, ce beau volume offre plusieurs annexes documentaires, dont une précieuse « Liste des principales représentations des opéras de Mozart à Paris » où l’on déplore diverses coquilles (« Teresa Sitch Randall », « Julia Barady »…), et où les heures glorieuses du Théâtre des Amandiers, bien qu’extra muros, auraient peut-être pu être mentionnées (Lucio Silla dans la production Chéreau en 1984, le Così de Luc Bondy en 1986).

L’article Mozart, une passion française est apparu en premier sur Forum Opéra.