28.08.2025
Philippe Herreweghe et l’art mnémotechnique.
Il ouvre la partition et il nous montre comment il s’y prend.

26.08.2025
Leo Nucci : Le baryton au coeur d’or
Il y a quinze ans, l’immense artiste nous disait la crainte que s’amenuise le sentiment d’humanité. 

18.08.2025
Annick Massis : entend bien devenir « une vieille joyeuse ».
Réflexion subtile sur le temps qui passe.

10.08.2025
Sandrine Piau : « tant qu’on peut voir le visage d’un enfant dans celui d’un adulte, on est sauvé »
Quand la soprano française parle à la manière de Maeterlinck

09.08.2025
Hugues Cuenod à 103 ans « 60 ans de carrière « sans voix ni technique »
Il avait pris l’habitude de dire « comment voulez-vous que je perde ma voix, je n’en ai jamais eue »

08.08.2025
Angel Blue : « L’opéra n’a pas besoin du black-face »
La polémique a deux ans, Angel Blue a depuis conquis Vérone.

06.08.2025
Alberto Zedda : « Rossini permet de trouver des réponses esthétiques à des questionnements éthiques »
Et en bonus, une réflexion sur Rossini et Mantegna.
Comme cet incroyable artiste nous manque.

04.08.2025
Dominique Visse et son affriolant manteau de vison
Un jeune homme a l’ondoyante coiffure, dans la nuit, un manteau de vison. Qui sait, sur un malentendu ?

31.07.2025
Sébastien Daucé : Ce moment où les artisans devinrent artistes
Nous avons le plaisir d’échanger avec le jeune fondateur de l’ensemble Correspondance depuis de longues années. 

30.07.2025
Marcello Giordani : de la brièveté de la vie
L’immense ténor se confiait à nous quelques jours avant de disparaître à la surprise générale.

29.07.2025
Sonya Yoncheva : “Une chanteuse a le droit d’avoir une famille, une courtisane d’aspirer à l’amour”
Plaidoyer pour la liberté des femmes à travers leurs conditions.

21.07.2025
Cecilia Bartoli : Autoportrait vocal chromesthésique
Nous rencontrions la diva romaine au Plaza Athénée 

20.07.2025
Kazushi Ono tente l’abolition de la parole face à la partition du Turandot
Nous avons rencontré Kazushi Ono en 2019.

14/07/2025
Thomas Hampson au sujet des masterclass rugueuses de Frau Schwarzkopf : « Elle n’était pas un dragon »
Nous avons rencontré Thomas Hampson en 2015.

14/07/2025
Sir Antonio Pappano : « Puccini était-il un dandy patenté ? »
Retrouvez l’interview complète

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 Janvier 2019

Avec deux productions polémiques et les premières suppositions concernant son nouveau directeur, l’Opéra de Paris inaugure sa 350^e année avec fracas. Le retour sur scène des Troyens, revus et corrigés par Dmitri Tcherniakov et dirigés par Philippe Jordan, ne s’est pas contenté des huées du soir de la première : il a ébranlé durant tout le mois de janvier la lyricosphère qui a adoré le détester. Sans déchaîner autant les passions, le Primo omicidio de Scarlatti à la sauce Castellucci a lui aussi provoqué son lot de réactions mitigées. Un début d’année chargé aussi bien à Garnier qu’à Bastille – dont le bâtiment fêtait sa trentième année d’existence –, bientôt suivi par le feuilleton à rebondissements de la nomination d’Alexander Neef.
Un vieux monsieur de 350 ans, l’Opéra de Paris ?

Février 2019

Si le mois de février a vu sur scène les très rares Finta pazza et Divisione del mondo, ou encore les récitals remarqués de Yusif Eyvazov et Vivica Genaux, ce ne sont pas les spectacles qui ont le plus retenu l’attention des lecteurs de notre site. Ils passeraient presque inaperçus alors que Jonas Kaufmann domine l’actualité avec deux brèves en quelques jours, annonçant l’acte III de Tristan pour 2020 et faisant entendre sa maîtrise de la voix de tête dans la Barcarolle des Contes d’Hoffmann ! A ses côtés, les espoirs d’entendre Anna Netrebko à Bordeaux et à Paris, les adieux d’Edita Gruberova à Lucia et les diverses annulations de Bryan Hymel : l’actualité lyrique revêt bien des formes, et ne se limite décidément pas à des comptes rendus et à des interviews.
La preuve – s’il en fallait une – qu’à l’opéra le spectacle n’est pas seulement dans la salle…

Mars 2019

Que de ténors pour un seul mois ! Et quels ténors ! Mars guette fébrilement la présence de Jonas Kaufmann dans La Forza del destino à Londres et s’inquiète pour sa santé ; Roberto Alagna montre des signes de fatigue dans Otello à Bastille et Aleksandrs Antonenko se voit contraint de renoncer à Samson à New York… Chanter chaque jour à l’opéra ? « Mais le gosier le plus flexible / Ne peut résister à cela ! » nous rappelle Saint-Phar dans Le Postillon de Lonjumeau. Tout auréolé de gloire, le ténor n’en est pas moins un homme : notre empathie et notre bienveillance devraient être à la hauteur de l’admiration que nous leur portons. Heureusement, de belles nouvelles viennent aussi parsemer le mois : le triomphe de Javier Camarena en Tonio au Metropolitan, le retour sur cette même scène de Gregory Kunde après douze ans d’absence, et même un nouveau-né dans la famille Kaufmann !
Décidément… On ne peut pas résister à un ut !

Avril 2019

Avril voit la France sous le coup de l’émotion après l’incendie qui a ravagé Notre-Dame de Paris, nous rappelant que les chefs-d’œuvre du passé eux aussi sont fragiles et en péril. Un rappel également qu’il convient de saisir la beauté lorsqu’elle nous vient : une Semiramide fabuleuse enregistrée par Mark Elder, le retour du Postillon de Lonjumeau salle Favart, une Damnation de Faust à l’affiche éblouissante, le duo Bernheim et Sierra à Bordeaux, un premier des Grieux superlatif pour Juan Diego Flórez, un Reinoud van Mechelen stupéfiant d’émotion en Evangéliste… Avril est le triomphe de la voix, qui vient mettre un peu de baume au cœur des auditeurs.
Pour mieux sécher mes pleurs, que ta voix parle encore…

Mai 2019

C’est en mai 1999 que Camille De Rijck inaugurait un site qui, s’il a évolué par sa forme au gré des mutations d’internet, demeure un repère favori des lyricomanes. Riche de multiples métamorphoses et de rédacteurs passionnés qui ont donné de leur temps et de leur plume tout au long de ces deux décennies d’existence ; riche de comptes-rendus, brèves et dossiers en tous genres ; riche enfin de lecteurs qui permettent à Forum Opéra de poursuivre son chemin avec toujours plus de succès. Un grand merci à tous !
Nous n’avons encore que vingt ans… mais sommes prêts à continuer vingt ans de plus ! La preuve ? Nos rédacteurs n’ont pas cessé de parcourir l’Europe : une belle Walkyrie napolitaine, le Chénier londonien de Roberto Alagna, une Femme sans ombre viennoise à la formidable distribution ou un Vaisseau fantôme berlinois… L’aventure se poursuit !

Juin 2019

Il n’en est pas fini des anniversaires pour 2019, loin de là : un 20 juin il y a 200 ans naissait notre Jacques Offenbach national… à Cologne ! L’occasion de (ré)entendre les chefs d’œuvre du roi de l’opérette mais aussi des raretés : Les voyages de MM. Dunanan père et fils, Maître Peronilla, Pomme d’Api, ou encore le retour de Madame Favart à l’Opéra Comique ont réjoui les oreilles des auditeurs en ce bicentenaire. Autant de bulles de champagne distillées tout au long de l’année, accompagnées d’un dossier consacré au compositeur mettant en lumière son goût éclectique pour la légèreté et le sérieux, le burlesque et l’héroïque, la tradition et la parodie, et toutes les formes d’entre-deux.
Un anniversaire dignement fêté, mais assombri par la disparition de Franco Zeffirelli, metteur en scène de légende dont les productions n’ont pas fini d’occuper la scène.

Juillet 2019

L’été revient comme chaque année avec son lot de festivals, dont certains sortent l’opéra de la salle de concert – et de son confort. Un décor enchanteur ne suffit certes pas à adoucir les exigences du public, ce dont le festival d’Aix-en-Provence a fait les frais avec un Requiem de Mozart et une Tosca dont les mises en scène ont provoqué des critiques véhémentes. Mais l’extérieur et le ciel étoilé ont évidemment leur magie, comme en témoignent un très beau Guillaume Tell à Orange, un Rigoletto à Bregenz avec sa marionnette monumentale, ou encore des Noces de Figaro au cœur des jardins de l’Alhambra. Difficile malgré tout d’éviter les caprices météorologiques, comme lorsque l’orage s’invite au milieu des Indes Galantes : en juillet, la nature reprend ses droits sur l’opéra !

Août 2019

Dans la série des anniversaires – on vous l’avait dit, 2019 fut une année festive ! – citons également les 150 ans de la mort d’Hector Berlioz. Si les hommages ont été nombreux, le mois d’août a connu deux soirées mémorables – un Benvenuto Cellini dirigé par John Eliot Gardiner offrant une leçon de chant berliozien en la personne de Michael Spyres, et un Roméo et Juliette sous la baguette inspirée de Valery Gergiev – ainsi que la parution d’une Damnation de Faust dirigée par Simon Rattle et d’une Mort de Cléopâtre où éclot le talent de Lucile Richardot. Un mois faste donc, qui offre plusieurs versions de référence à la discographie.
« Mais révère en ton cœur et garde en ta mémoire / Et d’Enée et d’Hector les exemples de gloire » écrivait Berlioz : les artistes étrangers rendent en tout cas un bel hommage à un génie français en attendant, qui sait, son entrée au Panthéon ?

Septembre 2019

Tout pluriséculaire qu’il est, l’opéra n’a pas oublié en ce mois de septembre de plonger à pieds joints dans la modernité. Avec une Traviata à l’ère des réseaux sociaux, des Indes Galantes à la sauce voguing, un Don Carlos en hôpital psychiatrique et un Idoménée transposé comme il se doit, les metteurs en scène nous rappellent – s’il en était besoin – à quel point l’opéra peut être brûlant d’actualité et miroir de notre temps. Que cela plaise ou déplaise, l’art lyrique ne semble pas avoir épuisé l’intérêt que les metteurs en scène lui portent – et c’est au moins une bonne nouvelle. Mais il se révèle aussi de son temps lorsqu’il est frappé par les débats qui agitent le monde contemporain, tels que les accusations portées à l’encontre de Placido Domingo, entraînant le chanteur à renoncer à se produire sur le sol américain dans Macbeth. L’opéra, un art définitivement 2.0.

Octobre 2019

Il est des mois où le sort semble s’acharner : octobre est de ceux-là, voyant disparaître trois grands noms de la scène lyrique. Le décès de Jessye Norman a ému la planète comme rarement lorsqu’une grande voix s’éteint. De la Marseillaise, la mort de Didon, les gospels enflammés ou son Elisabeth chez Wagner, chacun choisira sa madeleine. Nous ont quittés également Rolando Panerai – formidable Taddeo au disque auprès de l’Italienne de Teresa Berganza – et Marcello Giordani, ténor aux moyens éblouissants.
C’est sans conteste toujours une grande tristesse de perdre ces figures qui, au fil des concerts et des enregistrements, ont accompagné d’une manière ou d’une autre des moments de notre vie. Octobre fut donc, en quelque sorte, le mois des souvenirs et du temps qui passe.

Novembre 2019

En moins d’une semaine, l’actualité de notre site s’est trouvée bousculée par deux spectacles aux propositions dramaturgiques diamétralement opposées, et qui ont déchaîné les passions des lecteurs. D’un côté des Noces de Figaro vues par le cinéaste James Gray, partisanes d’un classicisme et d’une tradition comme on n’en voit plus guère sur nos scènes ; de l’autre un Prince Igor par Barrie Kosky, résolument ancré dans le monde contemporain et assumant un propos politique. Nous voici à une époque charnière pour les metteurs en scène, mus par leur désir de réinvention mais se heurtant aux résistances d’une partie du public. Si la question n’est pas tout à fait nouvelle, le hasard de la programmation des scènes parisiennes a pourtant fait surgir à cette occasion un débat d’une rare violence sur notre forum.
Après prima la musica ou prime le parole et après la querelle des Bouffons, peut-être la mise en scène sera-t-elle le sujet de la nouvelle grande querelle de l’opéra ?

Décembre 2019

Grèves obligent, la vie musicale s’est vue perturbée et ralentie en ce mois de décembre. Annulations en série – notamment à l’Opéra de Paris –, salles moins remplies, inquiétudes et attente ont été le lot de cette fin d’année, assombrie également par le décès du ténor Peter Schreier, fervent interprète de Bach aussi bien que de Mozart et de Lieder.

Heureusement, de magnifiques spectacles viennent illuminer ces temps troublés : un Fortunio plein de poésie à l’Opéra Comique, un Pirata à Madrid au casting éblouissant, le triomphe de Jonas Kaufmann dans Die tote Stadt à Munich… Quant aux malheureux lyricomanes immobilisés loin des salles de concert, ils ont pu se consoler en retrouvant, au DVD, L’Enlèvement au sérail mythique de Giorgio Strehler et en lisant les lettres de Maria Callas rassemblées par Tom Volf.

En attendant de voir ce que l’année 2020 nous réserve, belle fin d’année à tous !

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Né le 25 janvier 1963 à Augusta, une petite ville de la côte est de la Sicile, Marcello Guagliardo, est  le cadet d’une fratrie de quatre garçons élevés au sein d’une famille modeste. Sa mère, Santina, est femme au foyer, et son père Michele, un ancien gardien de prison reconverti en patron de station-service. Alors qu’à l’âge de 19 ans, il entre dans la vie active comme employé de banque, une situation qui ne le réjouit guère, Marcello se voit encouragé par son père à poursuivre sur la voie du chant, une passion qui a toujours été sienne depuis ses plus jeunes années. «Mon père aimait l’opéra, il m’a entendu chanter tout le temps quand j’étais enfant. Peut-être a-t-il toujours rêvé qu’un de ses fils devienne artiste ».

Le futur ténor quitte donc la banque pour la scène, et étudie le chant à Catane puis à compter de 1983 à Milan avec Nino Carta. S’il disait admirer beaucoup à cette époque Aureliano Pertile, pour son chant habité, certes techniquement imparfait, mais pétri d’émotions humaines, il écoutait surtout Nicolai Gedda pour l’élégance du style et la diction impeccable. Il s’en inspirera d’ailleurs pour chanter les répertoires étrangers, notamment français. Marcello Giordani s’y distinguera par la clarté de sa diction alors que paradoxalement il ne maitrisait pas notre langue. Il en comprenait néanmoins « l’’essence poétique et raffinée ». L’artiste, lui-même auteur, passait son temps libre à écrire des poésies.

C’est au festival dei Due Mondi de Spoletto, en 1986, qu’il se fait remarquer en Duc de Mantoue pour les qualités qui deviendront sa signature, la puissance de la projection et la luminosité d’aigus claironnants.  Il commence alors à chanter dans toute l’Europe, ce qui le conduira sur la prestigieuse scène de la Scala en 1988 où il interprète Rodolfe de La Bohème. Suite à ses débuts Milanais, il est appelé sur le continent américain et toujours en 1988, Il y fait ses débuts en chantant Nadir dans Les Pêcheurs de Perles à l’Opéra de Portland en Oregon. 1988 est une année faste pour le ténor sur le plan artistique mais aussi personnel. C’est l’année où il rencontre Wilma Ahrens, au festival de Lucerne, qu’il épousera deux ans plus tard et dont il aura deux fils, Michele et Guerardo.

Il faut alors comprendre qu’à l’aube de cette carrière prometteuse, Marcello Giordani chante comme il respire en quasi autodidacte. N’ayant pas de formation de conservatoire, ne jouant pas d’instruments de musique, le manque de base technique va rapidement se faire sentir. « La voix de ténor devrait être comme un rayon de soleil et cela exigeait au contraire de moi des efforts considérables qui n’étaient pas naturels car je n’avais pas la technique »  confiait-il au Los Angeles Times en 1998.  Le ténor a alors commencé un nouveau programme d’entraînement, sous la direction du professeur William Schuman, qui a véritablement sauvé son talent naturel. C’est donc un tout nouveau Marcello Giordani qui fait ses débuts, en été 1993, dans L’Elisir d’Amore de Donizetti à New York, dans le cadre de la série de concerts-opéras organisée par le Met dans les grands parcs de la ville. Son interprétation de « Una furtiva lagrima », le fait remarquer par la presse et notamment par Alex Ross du New York Times qui souligne « une voix naturelle à l’émotion pure ». Deux ans plus tard, il fait ses débuts au Lincoln Center dans La Bohème de Zeffirelli. Il s’installe alors rapidement dans le rôle de l’amant ardent des œuvres italiennes, mais aussi en interprétant Lensky de Eugene Onegin. Il brille également dans le répertoire français dans La Damnation de Faust de Berlioz, dans une magnifique version des Troyens en version concert et dans Le Cid de Massenet. Mais c’est en Benvenuto Cellini qu’il suscite l’enthousiaste de la critique qui le propulse au rang des stars du Met. Il devient alors un habitué des transmissions en direct diffusées dans les cinémas. Il n’y aura en effet pas une saison, entre 2006 et 2013, dans les salles obscures, où le nom de Marcello Giordani n’apparaîtra pas. 

Brillant tenor lyrique, l’artiste quitte pourtant peu à peu ces rivages pour s’arrimer à ceux du lirico spinto puccinien. Il décide ensuite d’aborder des rôles dramatiques Verdiens comme Radames et Manrico, et sans doute ces choix artistiques ne furent pas toujours très heureux. Les dernières années, depuis son abandon d’Enée après la première représentation des Troyens  au Met en janvier 2013, ont été quelque peu contrastées. Mais malgré des arabesques fluctuantes, le ténor nous a offert encore de très belles parenthèses avec cette Francesca da Rimini dans la représentation en direct du 25 mars 2013 et ses interprétations de Calaf et de Cavaradossi sur toutes les scènes européennes. « Le principe ignoto » est devenu un rôle important pour Marcello Giordani après sa brillante performance lors de la reprise de la production de Franco Zefirelli au Met en 2009. Son Calaf est moins un homme de pouvoir (comme Franco Corelli pouvait le personnifier) ​​qu’un jeune héros romantique. L’artiste éclairait plus l’homme et les oscillations de son âme que le prince qui veut retrouver une terre et un trône. Son « Non piangere Liù » était d’une grande sensibilité et illustrait toutes les contradictions du personnage entre l’attachement à sa vie passée et à l’attrait irrésistible des promesses futures. Quant à son Mario, et je songe à celui de la représentation du théâtre antique de Taormina au côté de Martina Serafin et Renato Bruson en 2008, il avait toutes les couleurs et les nuances requises. Sa caractérisation du personnage était aussi particulièrement pertinente. Son Mario portait des opinions politiques, mais il n’était pas un intellectuel. C’était un personnage typiquement italien, une personnalité instinctive qui agissait et réagissait au gré des évènements. 

Malgré tous ses succès à l’opéra, sa performance la plus mémorable pourrait bien avoir été un concert, celui donné au Carnegie Hall le 9 mars 2002 avec l’Opera Orchestra of New York dirigé par son chef fondateur, Eve Queler. Marcello Giordani y chantait alors son répertoire de prédilection de ténor lyrique et distillait généreusement des perles d’une voix lumineuse : Adriana Lecouvreur, La Gioconda de Ponchielli, Les Huguenots et L’Africaine de Meyerbeer. Mais c’est avec Guillaume Tell de Rossini. Il bisse alors «Amis, amis, secondez ma vengeance»  devant un parterre de mélomanes américains en transe, comme s’il avait marqué le touchdown décisif au Superbowl. Ce sont des images qui laissent une empreinte indélébile dans les esprits. Quand un artiste suscite une telle fièvre, une telle ferveur, c’est qu’il a fait entrer la lumière. Et on a alors rétrospectivement peine à croire que le colosse sicilien s’en soit finalement allé. 

Discographie sélective

-Albums solo

-Tenor arias, Arias from Rossini, Donizetti, Bellini, Pacini, Bizet, Verdi, Mascagni (2003) 1 CD NAXOS DDD 8.557269

-Sicilia Bella (2003) 1CD VAI

-Ti voglio bene Italian & Neapolitan Love Songs (2010) 1 CD IN CANTO

Intégrales

Benvenuto Cellini, in James Levine Celabrating 40 years at The Met (200, 2 CD Metropolitan Opera Edition

Jerusalem (2001) 3C PHILIPS 462613

DVD/Blue Ray

Madame Butterfly 2004, Arena di Verona, 1 DVD TDK

La Boheme (2005) 1 DVD Zürich Opernhaus Live

La Gioconda (2006), Teatro Teatro Massimo “V. Bellini” di Catania , 1 DVD Kicco Classics,

La forza del destino (2007), Teatro comunale di Firenze, 2 DVD TDK

Tosca (2008) teatro antico di Taormina, 1 DVD Pan Dream

Manon Lescaut (2009), 1DVD EMI Classics/The Met opera HD Live

Madame Butterfly (2011) 2DVD Sony Classical/The Met Opera HD Live

Simon Boccanegra (2011) 2DVD Sony Classical/The Met Opera HD Live

Turandot (2011) 1DVD Sony DECCA/The Met Opera HD Live

La Fanciulla del West 2DVD Sony Deutch Gramophon/The Met Opera HD Live

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© Opéra royal de Wallonie

Elle doit hélas compter avec des chanteurs qui ne privilégient pas vraiment l’art de la scène. Mis à part un Scarpia qui joue le jeu à fond et révèle un instinct scénique exceptionnel, les artistes se laissent peu diriger, portent la main sur leur coeur mettent le genou en terre ou lèvent les yeux vers le ciel à la moindre occasion. Du coup, le théâtre de grand-père menace plus d’une fois de revenir, et de mettre à néant les efforts de la régisseuse, à l’exception notable de l’acte II, où Scarpia occupe une place centrale, et semble communiquer son sens de la gestique à ses partenaires.

Scarpia, qui en plus d’être le meilleur acteur de la distribution, se paye le luxe d’être le grand triomphateur vocal de la soirée. Elia Fabbian surprend d’abord. Son « Un tal bachano in chiesa » est jeté comme un coup de fouet, sans moelleux, sans aucun des « trucs » qu’y mettent ses collègues pour déjà révéler les possibilités de leurs voix. Il continue sur sa lancée avec une deuxième moitié du premier acte donnée avec une extrême sécheresse, sans jamais allonger la note, avec un refus obstiné du bel canto. On a connu des titulaires du rôle plus enjôleurs, on en a rarement vu de plus féroces. La voix, d’une noirceur extrême, se veut l’exact reflet de l’âme. Puisque le personnage est maléfique, son timbre sera effrayant. Une impression qui se confirme ensuite : le baryton prend possession de la scène avec une gourmandise perverse, et le plaisir qu’il prend à torturer Cavaradossi et à pousser Tosca dans ses derniers retranchements est audible. Certes, les décalages avec la fosse sont nombreux, le chef Gianluigi Gelmetti ayant tendance à allonger la ligne quand il peut faire plus « lyrique ». Mais Fabbian reste fidèle à sa conception et ne verse jamais dans le joli ou l’anecdotique.

Aussi satisfaisante sur le plan vocal mais plus placide scéniquement, Tiziana Caruso pourrait bien devenir une des grandes titulaires du rôle. Elle en a l’étoffe. La voix est belle et charnue, et elle affronte avec la même vaillance les effusions lyriques de son duo avec Mario que les cris d’horreur face au supplice de son amant. Elle ne détimbre jamais, gère l’effort sur le long terme, et offre un « Vissi d’arte » parfait de justesse et d’émotion, avant d’enchainer sur un acte III où elle ne montre aucun signe de fatigue. Chapeau !

Le cas de Marcello Giordani est plus problématique. Son « Recondita armonia » fait craindre le pire : la justesse est aléatoire, le vibrato affreux et les aigus passés en force. Certes, le charisme d’un artiste qui fit les beaux soirs du Met et de la Scala est intact, et il remplit sans peine tout le volume de l’opéra de Liège, jusqu’aux derniers rangs du troisième balcon. Mais à quel prix, en termes de ligne, d’enlaidissement dans l’effort, voire de fausseté. Le deuxième acte le montre plus assuré, encore que ses « Vittoria ! » déçoivent. Le troisième nous fait d’abord croire à une totale déconfiture, avec un « E lucevan le stelle » chanté en falsetto (!) et pris par en-dessous, avant que le ténor ne se ressaisisse par miracle et nous offre un dernier duo avec Tosca digne des riches heures de son passé. Etrange animal en vérité, bien difficile à évaluer sur le long terme, et auquel on accordera le bénéfice du doute d’un soir « sans ».

Tous les petits rôles sont bien tenus, avec une mention particulière pour le Sacristain finement dessiné de Laurent Kubla et le Geôlier incroyablement charbonneux de Pierre Gathier. Les choeurs et la maitrise de l’opéra royal de Wallonie sont heureux de briller de tous leurs feux, et l’orchestre maison, sous la baguette attentive de Gianluigi Gelmetti, se tire plutôt bien des pièges d’une écriture torrentielle. Certes, on n’aura pas ici tous les arrière-fonds qu’y mettaient un Sinopoli, un Karajan ou un Colin Davis, mais la qualité des textures et la vigueur des rythmes sont bien là.

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Le dyptique pose également quelque soucis à Alexander Joel. Dans Mascagni, le chef ne parvient pas à se départir d’un certain symphonisme où l’Orchestre de la Suisse Romande brille et chatoie — mention toute particulière aux violoncelles et aux cuivres — mais peine à dessiner la tension et les crescendos que le drame exige. Problème réglé dès les premières mesures d’I Pagliacci dont les lignes plus épurées et les pastiches conviennent parfaitement au chef et à la formation. Le chef soutient le plateau à chaque instant avec lyrisme.

© Carole Parodi
 

Les distributions réunies par l’opéra de Genève achèvent de faire pencher la balance en faveur du deuxième opéra. Marcello Giordani chante avec les muscles qu’on lui connaît, ce qui convient parfaitement au Turiddu souhaité par Emma Dante. Melody Louledjian (Lola), encore un peu verte, ne déploie pas encore toutes les séductions vocales souhaitées. Si Stefania Toczyska est parfois chahutée par les changements de registres de Mama Lucia, sa composition scénique n’appelle que des éloges. Oksana Volkova délivre une performance en demi-teinte. Son timbre épais et son ample tessiture conviennent au format vocal requis. Pourtant le duo avec Turiddu la met progressivement à la peine. Outre un italien clairement perfectible, il lui manque encore l’endurance. De tous, c’est finalement l’Alfio de Roman Burdenko, jovial et claironnant, noir et menaçant qui emporte tous les suffrages.

Le programmateur fait bien les choses et le même interprète pourra réitérer dès le Prologue de Paillasse, cette fois avec un bel aplomb dans la vis comica. Migran Agadshanyan (Taddeo) badine ce qu’il faut dans sa romance, suffisamment solaire et cabotine pour être juste. Silvio bénéficie du beau métal sombre et du jeu de bellâtre de Markus Werba. Le duo s’en trouve d’autant plus brûlant que Nino Machaidze effectue une prise de rôle parfaite en Nedda. La tessiture du rôle lui va comme un gant et la soprano géorgienne ose nuances, demi-teintes et piani. La chair de la voix et ses qualités vibrionnantes, parfois agaçantes dans d’autres emplois, lui permettent ici de varier les couleurs et les expressions pour coller sans mauvais goût à l’écriture vériste. Enfin, Diego Torre fait chavirer la salle. Voilà un Canio à l’aise en scène, au timbre gorgé de soleil, pas avare de nuance et prodigue en décibel quand il le faut ! Fort de toutes ces qualités, le ténor mexicain se consume dans le rôle, sans abuser d’accents véristes faciles mais bien au contraire en jouant sur tous les plans dramatiques.

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 © Lorraine Wauters

Pourtant, au retour du premier entracte la soirée prend une autre ampleur. Le mérite en revient avant tout à Anna Pirozzi. La soprano italienne, en prise de rôle, compose un portrait très réussi de la jeune insouciante, légère, vénale et passionnée. « In quelle trine morbide » sur un fil piano, joliment orné, déclenche les premiers applaudissements francs de la salle. Le tempérament de la chanteuse, l’insolence de ses aigus, l’épaisseur du timbre et la longueur de souffle lui autorisent ensuite tous les climax comme toutes les demi-teintes. Seul son grand air du dernier acte reste une démonstration technique et manque encore d’abandon, ce qui est d’autant plus surprenant que tout le rôle est déjà chanté avec naturel et intensité.

Dans son sillage, Speranza Scapucci charpente son orchestre avec une toute autre profondeur et parvient, dans le même temps, à maintenir une vitesse d’exécution globale rapide, sans décalage et surtout en parfait respect de la balance avec le plateau. Malgré des cuivres sans brillant et une petite harmonie peu précise, des couleurs et de beaux phrasés lyriques font leur apparition dès le grand du duo du deuxième acte. Le final haletant de celui-ci finit de placer tous les acteurs sur une belle trajectoire que viendront confirmer un prélude du troisième acte très dramatique et un dernier acte tout en pathos.

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1. Les trous de mémoire de Monterrat Caballe

Montserrat Caballé était connue pour ne jamais apprendre ses rôles. Au San Carlo de Naples, Jean-Philippe Lafont en Assur retrouvait Montserrat  en Sémiramide. Dans le fameux duo, chaque fois qu’il tentait de se rapprocher d’elle, elle disparaissait sans raison et montait jusqu’au fond de la scène. Elle ne le regardait même plus, semblant très absorbée par le décor néo-antique. Le baryton se décida à la suivre et se rendit compte que derrière chaque colonne du décor se tenait un sbire qui lui montrait la partition ! Lafont aurait du se douter de quelque chose puisque chantant avec elle Demofoonte à Rome, quelques mois auparavant, il n’avait pas manqué de la féliciter : « Vraiment, Montserrat, tes pianissimi sont magnifiques. Comment fais-tu ? ».  Elle lui avait répliqué : « Mon chéri, hi, hi, hi, si je chante plus fort, je n’entends plus le souffleur !  »  [Roselyne Bachelot]

2. Petites phrases assassines entre divas

Les divas ne sont pas tendres entre elles, c’est bien connu, Sans remonter au crêpage de chignon entre la Cuzzoni et la Bordoni à Londres au 18^e siècle, Christa Ludwig dans ses mémoires (Ma voix et moi, Éditions Les Belles Lettres) en apporte une nouvelle preuve. Au début des années soixante, peu de temps avant son retrait des scènes, la soprano Zinka Milanov voyait d’un mauvais œil la jeune Renata Tebaldi empiéter sur ses plates-bandes. Lorsqu’elle apprit que sa cadette s’était cassé la jambe dans Tosca en sautant du haut du château Saint-Ange, elle constata simplement : « J’ai toujours su qu’elle ne pouvait pas chanter Tosca ! ». [Christophe Rizoud]

3. Une longue minute de silence

C’était à Garnier, en 1975. Sous Lieberman, un « festival » permanent d’opéra permettait d’entendre les plus grandes voix du monde. Ce soir, dans La Force du destin, Arroyo, Domingo, Talvela, Bacquier, et, dans le rôle de Preziosilla, Fiorenza Cossotto. Julius Rudel dirige à une vitesse un peu inhabituelle, et la scène des bohémiens du deuxième acte arrive peut-être plus rapidement qu’à l’habitude. Tout se déroule à la perfection, et rien ne laisse présager un incident rarissime : soudain le chef reste les bras en l’air, tout s’arrête dans un ensemble parfait, pas un choriste ne laisse échapper une note de plus, les spectateurs médusés retiennent leur souffle, le chef croise les bras, pas de Preziosilla ! Que se passe-t-il ? Grève surprise ? Indisposition de la cantatrice ? Accident en coulisse ? C’est long une minute de silence dans ces conditions… La Cossotto entre enfin en scène, un titi du poulailler crie : « et ta montre ? », elle réplique en faisant un geste exprimant qu’elle n’y était pour rien, lance son « Viva la Guerra » a capella, et tout le monde suit, la représentation reprend son cours comme si de rien n’était… [Jean-Marcel Humbert]

4. Une Bohème comme sur des roulettes

A Garnier, les proportions du plateau sont impressionnantes. Non moins impressionnant, Luciano Pavarotti y chante le rôle de Rodolfo dans La Bohème. A la fin de l’opéra, lorsque Mimi meurt sur son lit, il doit traverser le plateau pour venir enlacer celle qu’il aime alors qu’elle exhale son dernier souffle. L’expérience a dû être d’autant plus éprouvante pour la soprano phtisique que, non contente de voir charger sur elle un ténor aussi imposant que Big Luciano, les accessoiristes avaient trouvé plus commode d’équiper le lit de roulettes, lequel ne manqua pas d’accompagner le couple dans la coulisse avant même que l’orchestre n’ait sonné le dernier accord. Ce fut un final expéditif ! [Guillaume Saintagne]

5. Le meurtrier aux abonnés absents

Franck Ferrari, dont l’absence marque encore nos scènes, était un séducteur… au point parfois d’en oublier son métier ! Un soir d’avril 2012, une représentation de Cavalleria Rusticana à l’Opéra Bastille. La brièveté de ce drame en un acte ne semble pas pouvoir tolérer l’invraisemblance théâtrale. Et pourtant ! Alors que Turridu (alias Marcello Giordani) attendait sans broncher son meurtrier Alfio (Franck Ferrari), celui-ci oublia tout simplement d’entrer sur scène, tout occupé qu’il était à conter fleurette en coulisses. Marcello Giordani, ce grand acteur, resta assis sur sa chaise en feignant une demie crise cardiaque, tandis que retentissait le cri « Hanno ammazzato Turriddu ! ». Voilà un final qui tombe un peu à plat. [Maximilien Hondermarck]

6. Un Rodolfo peut en cacher un autre

Tout ça ne serait jamais arrivé si Jaime Aragall ne s’était pas laissé pousser la barbe ! A la représentation de La Bohème du 11 juillet 1986, au Palais Garnier, un homme âgé était heureux : debout à l’avant-scène, il hurlait son bonheur aux saluts. Dans sa voix devenue rauque, on sentait poindre des larmes. « Bravo Luciano ! » cria-t-il jusqu’à complète extinction des lumières. Personne ne songea à le détromper : Pavarotti avait certes chanté Rodolfo sur cette même scène, mais c’était quelques semaines auparavant. Hilare, le ténor espagnol lui lançait néanmoins des baisers dans le plus pur style du tenorissimo, ce qui le mettait au comble de l’extase. Sans doute aujourd’hui disparu, le vieil homme sera mort en emportant le souvenir merveilleux de cette soirée où Pavarotti chanta pour lui seul. [Jean Michel Pennetier]

7. Les problèmes gastriques de Deborah Voigt

Si Deborah Voigt tient sa place aux côtés de Maria Callas parmi les chanteuses ayant réussi à perdre un maximum de poids en un minimum de temps, tous ses problèmes ne se sont pas envolés  avec le demi-quintal dont elle s’est délestée. En mars 2008, amincie et au faîte de sa gloire sur les scènes américaines, la soprano chante Isolde sur la scène du Met, à New-York. Le premier acte passe. Le second commence, mais Voigt ne se sent pas très bien quand commence son long duo avec Tristan, ce soir chanté par un Gary Lehman remplaçant Ben Heppner, lui-même souffrant. Les premières répliques sont à peine échangées qu’Isolde quitte la scène précipitamment et se réfugie en coulisses, anticipant quelque peu sur la fin tragiquement prématurée de son idylle. L’orchestre s’arrête, le rideau tombe rapidement et quelques minutes d’incompréhension s’installent, bientôt dissipée par une explication remarquablement franche des causes de l’incident : Deborah Voigt, annonce-t-on devant le rideau, souffre de problèmes gastriques ! Ainsi éclairé, le public peut se replonger dans les mystères métaphysiques de « O sink hernieder, Nacht der Liebe » grâce à Janice Baird, appelée en renfort et qui portera la représentation à son terme. Tout est bien qui finit bien donc et, comme le ridicule ne tue pas, Deborah Voigt, dûment rétablie par une cure de riz blanc, reviendra en pleine forme lors de la représentation suivante ! [Clément Taillia]

8. Perfides louanges

Dame Felicity Lott rappelle dans son livre de souvenirs écrit avec Olivier Bellamy (Il nous faut de l’amour) que les compliments recèlent parfois bien des perfidies (volontaires ou non). Elle raconte ainsi qu’à l’issue d’une représentation de la Flûte Enchantée dans laquelle elle chantait Pamina, une spectatrice enthousiaste (qui se trouvait être la femme du directeur de la Royal Academy), vient la féliciter, lui affirmant « c’était merveilleux ». Felicity Lott, flattée, la remercie, quand la même charmante personne lui répond : « Pas vous, la Reine de la Nuit! ».  [Antoine Brunetto]

9. Quand le public est bon enfant

Dans une production du Barbiere di Siviglia de Rossini au Metropolitan Opera, la mise en scène prévoyait chez Bartolo la présence d’un violon dans son étui. Au deuxième acte, pendant la leçon de musique qu’Almaviva donne à Rosina, l’apparition inopportune de Basilio sensé être malade suscite la coalition de Figaro et des amoureux pour le pousser à se retirer, par tous les moyens. Et c’est ainsi que l’instrument de musique dans son étui devenait un projectile dont Sonia Ganassi se servait contre Basilio. Mauvaise communication auprès d’un interprète venu à la rescousse et qui n’avait pas participé aux répétitions ? Maladresse de la lanceuse ? Maladresse du receveur ? L’étui prit son vol…et frappa Samuel Ramey entre les deux yeux ! Le spectacle doit continuer, mais comment garder son sérieux devant l’air ébahi de la victime et le franc amusement des partenaires ? Heureusement la situation avait amusé le public, qui comprit le trouble de Rosina et se mit à applaudir à tout rompre…ce qui lui permit de reprendre le contrôle et la représentation se poursuivit dans la bonne humeur.

C’est à Toulouse, toujours dans le même titre, que la même interprète fut dans l’incapacité de poursuivre la scène où Figaro révèle à Rosine qu’elle est la bien-aimée de « son cousin », ce qui ne fait que confirmer ce qu’elle espérait et supposait. Elle doit dire : « Je suis donc…Tu ne me trompes pas ? Je suis donc la bienheureuse…etc ». Et comme bien souvent des partenaires malicieux profitent de ces situations sémantiques pour glisser un commentaire, le sien lui souffla, après le premier « je suis », une obscénité telle qu’elle fut dans l’incapacité de continuer, partagée entre le fou-rire et la colère. Et comme à New-York, le public la sauva en lui permettant, par des applaudissements, de reprendre le contrôle.

Dans le même genre, à Marseille, le grand prêtre Oroe avait manifestement grand peine à garder son sérieux dans une scène dramatique où il affrontait Assur. Intrigué, nous avons cherché à comprendre : en fait ce dernier, tournant à demi le dos au public, susurrait des obscénités à son partenaire…Mêmes causes, mêmes effets ! [Maurice Salles]

10. Les petits coins de Bayreuth

Plusieurs histoires authentiques liées aux débuts du Neues Bayreuth se rattachent à la personnalité haute en couleurs du chef Hans Knappertsbusch. Celui-ci avait été, dans l’immédiat après-guerre, été recruté par les frères Wagner pour être le garant d’une forme de continuité avec la tradition et représenter « l’école allemande » de direction d’orchestre sur la colline sacrée. Pour la réouverture, à l’été 1951, il devait ainsi diriger le premier des deux Rings, les six représentations de Parsifal, et la moitié des représentations des Maîtres chanteurs de Nurenberg. Mais à côté de la tradition, le cahier des charges prévoyait qu’une large place soit laissée à la modernité, condition sine qua non de la réouverture. Ce furent, bien sûr, les mises en scène révolutionnaires de Wieland Wagner. Ce fut aussi la décision d’inviter Herbert von Karajan à diriger à Bayreuth, en lui confiant le second Ring et l’autre moitié des représentations des Maîtres chanteurs.

Comme on pouvait s’y attendre, les tensions ne tardèrent pas à apparaître entre les deux chefs que tout opposait, dans leurs personnalités comme dans leurs méthodes de travail: le « vieux Kna » (63 ans), qui fonctionnait à l’inspiration (i.e. sans beaucoup répéter…), et travaillait à l’ancienne, ne supportait pas le jeune Karajan, de 20 ans son cadet, figure montante de la scène musicale, ambitieux et arriviste, travailleur acharné et chantre de la modernité. Parmi ses (nombreuses) prétentions, Karajan avait ainsi exigé de bénéficier au sein du Festspielhaus, de toilettes privatives, contrairement aux usages ancestraux du lieu. Les frères Wagner étaient à ce point désireux de s’attacher ses services qu’ils firent droit à sa demande : dans le couloir réservé aux chefs, un écriteau fut ainsi apposé sur la porte d’une des toilettes. Il portait, en majuscules d’imprimerie, la mention suivante : «Toilettes réservées au maestro von Karajan ». Hans Knappertsbusch fut, on s’en doute, particulièrement outré lorsqu’il découvrit la chose. Plutôt que d’en faire un esclandre, et parce qu’il savait être facétieux, il rajouta donc à la main sur l’écriteau, la mention suivante « et aux autres trous du cul », mettant ainsi définitivement les rieurs de son côté.

Indépendamment de tout jugement artistique, on se contentera de relever, en guise d’épilogue que la personnalité de Kna était définitivement plus compatible avec l’esprit des lieux que celle de son collègue. Herbert von Karajan claqua ainsi la porte du Festival dès l’été 1952, tandis que Hans Knappertsbusch y célébra office jusqu’en 1964, année de sa mort. [Julien Marion]

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La scène souvent vide sert d’écrin à un jeu de lumières blafardes balayant les panneaux métalliques qui l’entourent. La chambre de Marguerite à l’acte II prend la forme d’une ridicule maison de poupée autour de laquelle les personnages peinent à accréditer leurs aventures.

La version proposée est cruellement amputée, réduisant l’opéra à quatre actes. Point d’étudiant Wagner donc pas de « chanson du rat », la kermesse tourne court, si bien que la « ronde du veau d’or » arrive comme un cheveu sur la soupe alors que Méphistophélès se trouve seul sur scène. On regrette également l’absence de la page orchestrale de la « nuit de Walpurgis » car, sous la baguette de Leo Hussain, l’orchestre rutile de tous ses feux tout en conservant une grande fluidité dans le discours musical.

Faut-il voir dans le dédoublement du rôle de Faust une volonté de rendre le synopsis plus compréhensible ? Plus prosaïquement cela nous évite de supporter plus longuement le chevrotement artificiel et la diction incompréhensible de Stephan Rügamer. Pour le rôle de Faust rajeuni, l’indisposition du chanteur programmé nous permet d’entendre Marcello Giordani qui le remplace au pied levé en chantant le rôle au bord de la scène tandis qu’un acteur mime le jeu de scène. Outre sa diction parfaite, le ténor nous gratifie d’un chant radieux et pénétrant tandis que ses contre-uts vrillent l’air. A ses côtés la Marguerite de Larissa Krokhina fait pâle figure en dépit de son phrasé délicat et nuancé. L’absence d’emphase et d’emportements vocaux font objectivement cruellement défaut et permettent d’affirmer qu’elle n’a pas la dimension du rôle. Roberto Scandiuzzi incarne un Méphistophélès aux allures de crooner dont les rires sardoniques à souhait et les puissantes accentuations font un interprète idéal. Le Valentin d’Alfredo Daza n’est pas aussi convaincant ; il compense son émission forcée – et pourtant sans rayonnement – par un jeu néanmoins crédible. Katharina Kammerloher en Siebel nous fait entendre son riche timbre de mezzo qui est malheureusement entaché d’une diction désastreuse.

La soirée doit finalement son salut au chœur dont la présence scénique et musicale est à son firmament. De merveilleux tableaux d’immobilité expressive succèdent à des accélérations frénétiques, l’air « Gloire immortelle de nos aïeux » est interprété avec une belle intensité. Enfin de grands moments d’opéra !

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L’imprévu était au rendez-vous, pour cette 551e représentation de Tosca mis en scène par Margarethe Wallmann. Nous attendions Sondra Radvanovski en diva colérique, et c’est Norma Fantini qui est venue, tandis que Marcello Giordani fait annoncer avant le lever de rideau qu’il chantera Mario avec une voix altérée par une méforme passagère ; dans la fosse, le directeur musical Franz Welser-Möst, encore frais de la reprise d’il y a quelques trois mois, remplace Karel Marek Chichon.

Saluons les efforts de notre Tosca de ce soir qui donne beaucoup de sa personne pour rendre moins statique un spectacle qui s’occupe des décors et des costumes davantage que des chanteurs – mais reconnaissons, parce qu’il faut bien être objectif, que son jeu est aux stéréotypes grand-guignolesques ce que son chant est à l’écart de justesse : un hommage permanent. Du côté de son amant, on trouve à la fois plus de retenue expressive (ou de prudence, en cette soirée où il cherche à préserver ses moyens ?) et plus de sensibilité musicale. Mais l’indisposition touche son Mario au cœur, c’est-à-dire au timbre, privé, pour cette fois, de ses couleurs, de sa chaleur et de sa sève. Rien à déplorer du côté de Zeljko Lucic, dont le baryton naturellement chaleureux pare le Scarpia de rondeurs bonhommes inattendues, ni auprès des seconds rôles, tous excellents. Mais d’une Tosca privée des voix immenses et des tempéraments volcaniques prompts à faire rugir le drame, que faut-il attendre ?

Dans cet opéra si richement et savamment orchestré, la réponse s’impose d’elle-même ; et plus encore devant la haute-tenue du travail de Franz Welser-Möst. Comme en mars dernier, le chef sculpte des plans sonores somptueux, cisèle des nuances et suscite des couleurs jamais entendues avant lui. Comme en mars dernier, sa direction a les qualités et les défauts de ces superbes actrices qui savent que la maîtrise de leur plastique et de leur art les dispense du moindre effort pour surprendre ou émouvoir. Mais en mars dernier, sur scène, il y avait Stemme et il y avait Cura : mentionner que, face à deux protagonistes de feu, le chef était de glace, faisait sens. Ce soir, il convient plutôt de souligner tout ce que ce chic et cette musicalité apportent à une soirée où le beau chant, pour des raisons multiples, n’était pas trop au rendez-vous.

Il convient aussi, ce soir, de contempler avec un regard tout neuf le tout vieux spectacle de Wallmann. En certaines circonstances on pourrait être obsédé par ces personnages statiques venus de la nuit des temps ; ce soir, on a des yeux d’enfant devant la profondeur de la cathédrale au I, le faste décadent de l’appartement de Scarpia au II, le ciel étoilé et la statue monumentale qui observent, au III, l’exécution de Mario et le suicide de Tosca. Et l’on se dit que le grandiose des décors, le luxe des costumes (merci, Nicola Benois !) et l’élégance des lumières racontent l’histoire que les personnages se refusent à dévoiler. Il est des théâtralités plus brûlantes, il n’aurait pu y avoir d’écrin plus somptueux que celui que brodent, tout au long de la soirée, et la scène et l’orchestre. Au point que personne, dans un public conquis, ne s’est aperçu qu’il était vide…

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