Le plus intéressant est la mise à l’écart du clergé d’Amon thébain par le pharaon, devenu l’intermédiaire direct avec le nouveau dieu. Il se trouve ainsi seul détenteur des pouvoirs temporel et spirituel, mais crée en même temps un noyau de résistance religieuse de ce clergé qui va conspirer à sa perte. Alors que l’Aïda de Verdi se débattait également dans un contexte de lutte d’influence entre le clergé et le pharaon, sur un sujet imaginé par l’égyptologue Auguste Mariette, chez Philip Glass ce sont des textes antiques qui constituent en eux-mêmes la trame de l’œuvre, qu’aucune intrigue amoureuse ne sous-tend. Et si Verdi avait tenté, plutôt infructueusement, de recréer une musique antique, Philip Glass propose essentiellement une atmosphère basée sur une musique « minimaliste » ou « répétitive », d’une infinie subtilité, dans la forme de longues mélopées qui sont certainement plus évocatrices de ce que l’on peut imaginer de la musique égyptienne antique.

On se trouve en présence d’une œuvre faite d’une succession de tableaux plus que d’une action véritable, qui s’apparente donc plus à un oratorio qu’à un véritable opéra, dont les sources historiques sont essentiellement issues du livre controversé Œdipe et Akhenaton, mythe et histoire (1967) du psychiatre Immanuel Velikovsky, que Glass souhaitait voir participer au livret, ce que sa mort empêcha. Néanmoins prévue pour être jouée sur scène, avec décors et costumes, elle trouve dans l’exécution en concert une force et un intérêt qui paraissent curieusement décuplés par rapport aux représentations scéniques, sans doute du fait que l’attention des spectateurs se concentre sur les parties musicales et vocales.

L’œuvre, créée en France à Strasbourg en 2002, est souvent représentée à travers le monde (en ce moment même au Liceu de Barcelone). Le chef Léo Warynski dirigeait déjà en 2020 la production de l’Opéra de Nice (captation vidéo sans public à cause du covid), puis à nouveau la reprise de 2021 toujours à Nice, dont on retrouve ce soir pratiquement la même distribution. Sa direction a gagné en unité, dans une sorte de sérénité menant à l’envoûtement quasi hypnotique des spectateurs, qui n’empêche pas une dynamique forte dans les moments importants. L’orchestre de Nice, maintenant bien rodé à ce type de musique, fait merveille (tout particulièrement les percussions et les cuivres), de même que les chœurs, d’une grande précision et aux sonorités bien étudiées.

Le plateau des solistes est dominé par la haute stature toute de noir vêtue du contre-ténor sopraniste martiniquais Fabrice Di Falco, dont l’interprétation est saisissante dès sa première intervention. Ce chanteur à l’activité et au répertoire protéiformes conserve une voix d’une puissance et d’une souplesse infinies, rendant particulièrement impressionnante son incarnation du pharaon hérétique, dont la quête idéaliste a certainement des résonnances contemporaines. Son « Hymne au soleil », en particulier, est d’une totale perfection et son duo avec son épouse Néfertiti d’une grande douceur. Cette dernière est interprétée par Julie Robard-Gendre, longue robe rouge vif là où l’on aurait plutôt attendu un bleu pâle qui aurait évoqué sa fameuse coiffure du buste de Berlin. Cette mezzo, qui chante aussi bien Mozart qu’Offenbach, est tout à fait à son aise dans ce rôle, avec une voix riche en harmoniques se mariant parfaitement bien avec celle de son partenaire. Enfin, on a plaisir à retrouver Patrizia Ciofi dans le rôle de la reine mère Tiyi, qu’elle personnifie à merveille couverte de bijoux scintillants, dans une robe du dernier chic. Mais chose plus importante encore, elle apporte grâce à ses aigus parfaitement émis et projetés, une légèreté équilibrant l’ensemble des principaux rôles.

Les autres personnages historiques sont bien défendus par d’excellents chanteurs,  notamment Frédéric Cornille (Horemheb), Frédéric Diquero (le grand prêtre d’Amon) et Vincent Le Texier (Aÿ). Seul bémol à ce concert d’une très grande qualité, le rôle parlé du scribe qui commente l’action en anglais a été confié à la danseuse, chorégraphe et metteuse en scène de cette production à Nice, Lucinda Childs, qui transforme un texte important en une espèce de logorrhée insipide et surtout difficilement audible, là où un(e) acteur(trice) et diseur(seuse) professionnel(le) aurait pu donner une meilleure articulation, et pourquoi pas en français ? Mais peut-être a-t-elle été desservie par une sonorisation médiocre, et peut-être aussi cette manière de dire est-elle liée au style musical, et à une volonté du compositeur qu’elle connaît bien, puisqu’elle travaille avec lui depuis 1976 ?

La fin de l’œuvre mêle les spectres des personnages historiques aux hordes de touristes inattentifs envahissant les sites archéologiques. Ayons en complément une pensée pour l’un des fils d’Akhenaton absent de l’opéra de Philip Glass, qui lui a préféré six de ses filles : Toutankhaton, qui après la mort de son père met fin au culte d’Aton, restaure le culte thébain d’Amon et règne brièvement sous un nom universellement connu aujourd’hui, Toutankhamon…

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Artiste lyrique : Michael Spyres (30%)

Déjà lauréat de nos trophées il y a 5 ans, Michael Spyres remonte en 2021 sur la première marche du podium, l’insigne des arts et des lettres à la boutonnière, le front ceint sur scène des lauriers de plusieurs récitals triomphaux, d’un Don Ottavio salzbourgeois déniaisé et d’un Fidelio parisien « qui à chaque note vous coll[ait] le frisson ». Au disque, le récital Bariténor qualifié ici-même de « très emballant » et la version intégrale de Mitridate (dont on reparlera plus bas), parachèvent le portrait d’un chanteur qui semble avoir fait sien le conseil donné par Diaghilev au jeune Cocteau : « étonnez-moi ».

• Lise Davidsen (12%)
• Asmik Grigorian (16%)
• Nadine Sierra (14%)
• Ludovic Tézier (28%)

Etoile montante : Alexandra Marcellier (29%)

Il a suffi d’une Butterfly pour propulser Alexandra Marcellier sous le feu des projecteurs. D’une ou plutôt de deux. A Saint-Etienne d’abord, début novembre, où l’on a assisté médusé à « l’éclosion d’un magnifique papillon ». A Monte-Carlo ensuite, lorsque la jeune soprano française – elle est née à Perpignan au début des années 1990 – a remplacé au pied levé et avec le même succès Aleksandra Kurzak souffrante. Un récital parisien, il y a quelques semaines, l’installait « un peu plus près des étoiles ». On attend la suite avec impatience.

• Amina Edris (12%)
• Pene Pati (25%)
• Andrè Schuen (6%)
• Jonathan Tetelman (28%)

Production : Glass : Akhnaten – Nice (26%)

Plus qu’une production dont il faut saluer chacune des composantes artistiques, scéniques, musicales, la nomination d’Akhnaten récompense l’audace – « Jamais on n’avait entendu un tel répertoire à Nice » – et au-delà, la renaissance d’une institution lyrique qui, après avoir traversé plusieurs zones de turbulence, semble sous l’impulsion de son nouveau directeur, Bertrand Rossi, renouer avec son passé prestigieux.

• Campra : Idoménée – Lille (18%)
• Rimski-Korsakov : Le Coq d’or – Aix-en-Provence/Lyon (16%)
• Strauss : Elektra – Toulouse (18%)
• Wagner : Tristan und Isolde – Munich (22%)

Renaissance : Verdi : Stiffelio – Strasbourg (33%)

Cette catégorie, nouvellement introduite au sein de nos trophées annuels, a suscité de vives discussions au sein de la rédaction. Qu’entend-on exactement par « Renaissance » ? Distinguer la création scénique moderne en France d’un opéra injustement négligé de Giuseppe Verdi répond à la question.

• Bizet : Djamileh / Saint-Saens, La Princesse jaune – Tours (11%)
• Enescu : Œdipe – Paris, Bastille (18%)
• Haendel :Oreste – Paris, TCE (12%)
• Offenbach : La Vie parisienne – Rouen (26%)

Création : Philippe Hersant : Les Eclairs – Paris, Opéra-Comique (32%)

Premier théâtre d’Europe prétendument éclairé à l’électricité, l’Opéra Comique se devait d’accueillir une création consacrée au courant alternatif et à son inventeur. Si la musique de ce « drame joyeux en quatre actes » composé par Philippe Hersant sur un livret de Jean Echenoz a pu ne pas répondre à certaines attentes, la « douce lumière qui illumine chaque personnage de l’intérieur » a emporté l’adhésion du plus grand nombre.

• Kris Defoort : The Time of our Singing – Bruxelles (10%)
• Zad Moultaka : Hémon – Strasbourg (15 %)
• Kaija Saariaho : Innocence – Aix-en-Provence (31%)
• Philip Venables : Denis & Katya – Montpellier (12%)

CD, intégrale : Mozart : Mitridate, re di Ponto, Erato (27%)

A quelque chose malheur est bon. En raison de la pandémie, la tournée de Mitridate initialement prévue par Marc Minkowski s’est muée en session d’enregistrement avec pour résultat un « équilibre global entre le plateau vocal et la qualité de la direction, entre l’intensité dramatique et la pure performance vocale » qu’aucune version n’avait jusqu’à présent atteint.

• Bellini : Il pirata, Prima Classics (26%)
• Lecocq : La Fille de Madame Angot, PBZ (15%)
• Salieri : Armida, Aparté (9%)
• Rameau : Les Indes Galantes, Château de Versailles Spectacles (23%)

CD, autres (récital, mélodie, musique sacrée, etc.) : Lea Desandre : Amazone, Erato (35%)

Coup d’essai, coup de maître pour le premier récital chez Erato de Lea Desandre et de l’ensemble Jupiter. « Un fil rouge original et d’une certaine modernité, des pépites inouïes, Cecilia Bartoli, Véronique Gens et William Christie en guest stars : le luxe des moyens déployés a de quoi impressionner ». La preuve avec ce trophée décerné à une large majorité relative.

• Emiliano Gonzalez Toro : Soleil noir, Naive (12%)
• Anna Netrebko : Amata dalle Tenebre, DG (23%)
• Christian Gerhaher : Schumann, Alle Lieder, Sony (17%)
• Reinoud Van Mechelen : Jéliote, haute-contre de Rameau, Alpha (13%)

DVD : Rameau : Les Boréades, Erato (27%)

« Jamais représenté, ni même édité du vivant du compositeur, révélé au public en version de concert en 1964, et mis en scène pour la première fois à Aix-en-Provence en 1982 » ( !), l’ultime chef-d’œuvre de Rameau à Dijon en 2019 conjuguait au superlatif mise en scène, distribution et direction musicale. L’édition en DVD de sa captation, » entrecroisant habilement plans d’ensemble et détails de jeu, avec de surcroit une belle prise de son, large et détaillée à la fois », effectivement s’imposait.

• Alfano : Risurrezione, Dynamic (7%)
• Lully : Atys, Naxos (18%)
• Rimski-Korsakov : Sadko, BelAir Classiques (25%)
• Beethoven : Fidelio, Unitel (23%)

Livre : Saint-Saens, un esprit libre, catalogue de l’exposition, BnF (34%)

Le catalogue de l’exposition « Saint-Saëns, un esprit libre » aurait pu arguer de sa reliure luxueuse et de sa richesse iconographique pour se contenter de jouer les « beaux livres », à la façon de ce que l’on dénomme Outre-Manche un coffee table book. La qualité des textes rassemblés par Marie-Gabrielle Soret, la commissaire de l’exposition, le pose en référence.

• Nicolas Bacri : Notes étrangères et autres écrits sur la musique, L’Harmattan (9%)
• Alexandre Dratwicki : Bons Baisers de Rome, PBZ (20%)
• Jérôme Bastianelli : Federico Mompou, Actes Sud (11%)
• Hervé Lacombe : Histoire de l’Opéra Français, Du Roi-Soleil à la Révolution, Fayard (26%)

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Bousculant les traditions lyriques niçoises, faisant voler en éclat les a priori, enjambant les réticences, Bertrand Rossi a programmé cet ouvrage. Jamais on n’avait entendu un tel répertoire à Nice. Résultat : un formidable spectacle. Le triomphe du pharaon.

Pendant deux heures et demie, le public s’est laissé envahir par un assaut de notes répétées – des notes répétées jusqu’au vertige, jusqu’à l’obsession, jusqu’à l’hypnose, jusqu’à l’envoûtement. Cette musique est faite de petits intervalles de tierces et de secondes, modulant par demi-tons, jouant sur la confrontation entre rythmes binaires et ternaires. La partition commence par une répétition des notes de l’arpège la, do, mi et s’achève, au bout de deux heures et demie, sur un retour à la simple note la. La boucle est bouclée.

La grande chorégraphe américaine Lucinda Childs a assuré une mise en scène, belle, moderne, esthétique. Elle a procédé par tableaux successifs, le livret n’offrant ni intrigue, ni narration mais seulement une succession d’épisodes. Autour des personnages, elle a déployé un tournoiement de danseurs et d’images vidéos. Le vidéaste Etienne Guiol joue un rôle clé dans ce spectacle.

En plus d’être metteure en scène, Lucinda Childs assume le rôle de récitante. On voit épisodiquement apparaître son beau visage sur un écran géant.

Elle raconte l’histoire de ce pharaon qui s’est voué au culte unique du dieu du soleil, mais dont les prêtres et le peuple se rebellent et le poussent à sa perte.

A un moment, le plateau circulaire de la scène se soulève, s’incline, pivote. Ce cercle symbolise le soleil et l’éternité qui est sans début ni fin. C’est alors qu’apparaît le pharaon et que s’élève la voix fascinante de son magnifique interprète, le contre-ténor Fabrice di Falco. Un frisson parcourt la salle.

Akhnaten et Nefertiti (Photo Opéra de Nice)

La distribution est de premier ordre : Patrizia Ciofi (rôle de la mère, la reine Tye), aux beaux aigus, au vibrato tout en rondeur, Julie Robard-Gendre (l’épouse, la reine Nefertiti) à la voix chaude, à l’expression lyrique. Comme Fabrice Di Falco, ces dames arrivent à faire passer une émotion humaine au sein d’une musique mathématique.

Les autres protagonistes n’en font pas moins : Frédéric Diquéro, puissant en grand prêtre, Vincent Le Texier, voix grave et solennelle, Joan Martin-Royo, robuste jusqu’aux profondeurs de sa tessiture.

Philipp Glass a supprimé les violons dans l’orchestre. Au début, l’absence de cordes aiguës nous intrigue. Puis on s’habitue. Le jeune chef Léo Warynsky entraîne d’une main sûre les musiciens dans les méandres de cette musique insolite. Tenant son Glass à pleines mains, il est souverain au dessus de son orchestre. 

Et c’est ainsi qu’on a assisté, à NIce, à la double célébration de l’Egypte antique et de l’opéra moderne.

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Hans Abrahamsen, La Reine des neiges, Opéra national du Rhin, 15 septembre – 3 octobre 2021 (plus d’informations)

Après le succès mondial de son Let me tell you, Hans Abrahamsen transforme l’essai vocal avec La Reine des neiges, d’après le célèbre conte d’Andersen. Créé en 2019 à l’Opéra de Copenhague, le spectacle est donné jusqu’au 3 octobre à l’Opéra national du Rhin (Strasbourg et Mulhouse). Les quelques images disponibles sur le site de la maison laissent deviner une mise en scène poétique et sensible, à l’image de la musique délicate du compositeur danois. [Alexandre Jamar]

Philip Glass, Akhnaten, Opéra Nice Côte d’Azur, 12 – 16 novembre 2021 (plus d’informations)

Créé à Stuttgart en 1984, Akhnaten (comprendre : Akhenaton) permet à Philip Glass de clore une trilogie d’opéras consacrés à des figures qui changèrent le monde, à la suite d’Einstein on the Beach et de Satyagraha (sur la vie de Gandhi). Vingt ans après la première française de l’œuvre à Strasbourg, Nice relève le gant, avec une impressionnante distribution réunissant notamment, autour de Fabrice Di Falco dans le rôle-titre, Patrizia Ciofi et Vincent Le Texier. Eminente figure du minimalisme, la chorégraphe Lucinda Childs a accepté de mettre en scène ce qui s’annonce déjà comme un des événements de la saison lyrique française. [Clement Taillia]

Georg Friedrich Haendel, Partenope, Madrid, Teatro Real, 13 – 23 nov. 2021 (plus d’informations)

En 2009, Partenope dans la mise en scène de Christopher Alden recevait le Prix Laurence Olivier de la meilleure production lyrique. A défaut de surprise, sa reprise à Madrid cette saison s’impose en raison d’une double distribution d’où se détachent certains chanteurs best in class – comme aurait dit Haendel à Londres lors de la création de l’opéra en février 1730 –, Franco Fagioli (en Arsace) n’étant pas le moindre [Christophe Rizoud]

Luigi Cherubini, Lo sposo di tre e il marito di nessuna, Maggio musicale fiorentino, 22 janvier – 8 février 2022 (plus d’informations)

Une nouvelle saison, c’est aussi l’occasion de découvrir une rareté passée au travers des radars lyriques depuis des décennies. Le Maggio florentin s’est ingénié à aller déterrer le seul opéra bouffe de Luigi Cherubini. Exit Médée et les tragédies, place aux héros hauts en couleurs de la commedia dell’arte ! Diego Fasolis dirige une jeune distribution qui comprend des talents déjà confirmés comme Mattia Olivieri. Une parfait excuse, au passage, pour retourner aux Offices ! [Yannick Boussaert]

Benjamin Britten, Peter Grimes, Wiener Staatsoper, 26 janvier – 8 février 2022 (plus d’informations)

Britten ne reçoit pas toujours les faveurs des programmateurs qu’il devrait. Qu’à cela ne tienne ! Il suffit que Jonas Kaufmann fasse sien le rôle de Peter Grimes pour que le titre devienne un événement. Entouré de Lise Davidsen et de Bryn Terfel, la série viennoise se transforme même en must de la saison 2021-22. N’oubliez pas la petite chaise pliable en prévision des longues heures de queue pour les places debout… [Yannick Boussaert]

Jules Massenet, Thaïs, Milan, Teatro alla Scala, 10 février – 2 mars 2022 (plus d’informations)

Monte-Carlo en début d’année faisait carton plein ; nul doute que Milan, dans une mise en scène d’Olivier Py, renouvelera l’exploit : Marina Rebeka et Ludovic Tézier, l’un et l’autre au sommet de leur art, dans Thaïs, un opéra qui leur offre, ensemble ou séparément, d’innombrables occasions de faire des étincelles. Est-il nécessaire, pour convaincre, d’en écrire plus ? [Christophe Rizoud]

Christoph Willibald Gluck, Iphigénie en Tauride, Opéra de Rouen Normandie, 25 février – 1er mars 2022 (plus d’informations)

Quand la mezzo française numéro un, fraîchement auréolée d’un nouveau succès à Pesaro, s’apprête à ajouter un rôle iconique à son répertoire, c’est un petit événement en soi. Rendez-vous dans la médiévale et impressionniste Rouen pour suivre Karine Deshayes donner vie à l’un des deux Iphigénie de Gluck. [Yannick Boussaert]

Leonard Bernstein, A quiet Place, Opéra national de Paris, 7 – 30 mars 2022 (plus d’informations)

Une première à l’Opéra de Paris d’un ouvrage d’un compositeur de premier plan ne saurait passer inaperçue. Ultime œuvre scénique de Leonard Bernstein, A Quiet Place benéficie pour cette création parisienne d’une affiche prestigieuse où se disputent les noms de Krzysztof Warlikowski (mise en scène), Kent Nagano (direction musicale) et, parmi les interprètes, Patricia Petibon. The – quiet – place to be en mars prochain, assurément ! [Christophe Rizoud]

Trilogie Mozart / Da Ponte, Opéra national de Bordeaux, 20 mai – 6 juin 2022 (plus d’informations)

Les opéras de la trilogie Mozart  / Da Ponte – Le nozze di Figaro, Don Giovanni, Cosi fan tutte – envisagés par le tandem Ivan Alexandre / Marc Minkowski, non comme trois chefs d’œuvres distincts mais comme un tout, une saga lyrique où l’on suivrait d’un ouvrage à l’autre les tribulations des mêmes personnages sous différents visages : une expérience à tenter avec d’autant plus d’intérêt qu’elle s’accompagne de prises de rôles significatives, Alexandre Duhamel en Don Giovanni puis en Don Alfonso, pour n’en citer qu’un.  [Christophe Rizoud]  

Giacomo Meyerbeer, Les Huguenots, Bruxelles, La Monnaie, 12 juin – 2 juillet 2022 (plus d’informations)

2011 fut une année splendide pour le Théâtre de la Monnaie. L’institution bruxelloise reçut en effet du jury de la revue allemande Opernwelt le prestigieux prix de la meilleure maison d’opéra tandis que l’une de ses productions phares, Les Huguenots mis en scène par Olivier Py, recevait celui du meilleur spectacle de l’année. Cette rare reprise affichera l’enthousiasmant Enea Scala dans le rôle particulièrement difficile de Raoul de Nangis. Pour une fois que l’histoire repasse les plats, le rendez-vous est à ne pas manquer. [Jean Michel Pennetier]

Et en bonus…

Giacomo Puccini, Turandot, Rome, Accademia Nazionale di Santa Cecilia, 12 mars 2022 (plus d’informations)

Après Tristan à Munich et bientôt Peter Grimes à Vienne, Jonas Kaufmann effectuera une nouvelle prise de rôle à Rome avec une Turandot en version concert qui se fera dans la foulée d’un enregistrement pour Warner. Le ténor allemand sera particulièrement bien entouré, avec les débuts dans le rôle-titre de Sondra Radvanovsky et la Liù d’Ermonela Jaho. Les forces de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia seront confiées à Antonio Pappano. [Jean Michel Pennetier]

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Mettre en scène un opéra de Glass n’est pas chose aisée, puisque le livret ne propose pas d’intrigue ni de véritable narration à proprement parler. Akhnaten, tout comme les deux autres opéras de la trilogie dont il fait partie, axée autour des figures historiques célèbres, aborde le règne du célèbre Pharaon, connu pour avoir tenté, pendant une décennie, d’instaurer un monothéisme autour de Râ, dieu du soleil. L’approche de Lucinda Childs est, heureusement, éminemment symbolique. Le décor du scénographe Bruno de Lavenère présente au centre de la scène un immense disque couleur de feu, inclinable à volonté et pivotant sur lui-même, et sur lequel les personnages principaux évoluent. Au fond de la scène, des vidéos, signées Etienne Guiol, montrent tantôt d’étranges motifs, des figures fantomatiques dansantes ou encore des images rappelant la symbolique égyptienne antique, à grand renfort de hiéroglyphes ou de scarabées géants.

Si ce dispositif a l’avantage d’être non seulement symboliquement bien pensé – le disque représentant le soleil qu’Akhénaton vénère –, il est aussi particulièrement esthétique, le disque s’embrasant parfois d’un néon blanc de tout son pourtour, créant une atmosphère irréelle, sublimée par les jeux de lumière de David Debrinay. Les costumes de Bruno de Lavenère font référence à la période historique telle qu’on peut l’imaginer, tout en restant très sobre, ce qui s’insère avec cohérence au sein de cette approche somme toute assez minimale. Les chorégraphies des danseuses et danseurs, de même que la gestuelle des chanteurs, sont également minimalistes, rappelant parfois l’approche Bob Wilson. Toutefois, revers de la médaille, la direction d’acteurs en pâtit : la plupart du temps malheureusement, les chanteurs sont bien trop statiques. « The Window of Appearances » présente les trois rôles titres alignés tout du long ; « Akhnaten and Nefertiti » montre les chanteurs alternativement l’un devant l’autre puis face à face, sans qu’aucune tension dramatique n’émerge. Pire encore, le pinacle de l’opéra, « Hymn », arrive à ennuyer le spectateur, Akhnaten se contentant de tourner en rond sur son disque. Il en ressort une forme de pauvreté, ou peut-être, d’inaboutissement.

© Dominique Jaussein

Musicalement, la performance est réussie. Léo Warynski propose une approche très solide de cet opéra si difficile à jouer, tant la répétition des motifs peut devenir mécanique. Peut-être est-ce pour éviter cet écueil, le chef d’orchestre impose un tempo très rapide, qui ne nous convaincra pas tout à fait, surtout dans les moments plus intimes ou d’autres plus solennels de l’opéra, comme « The Coronation of Akhnaten » qui exigent de savoir prendre son temps. Enfin, l’orchestre a parfois tendance à couvrir quelque peu les chanteurs, comme dans « Funeral of Akhenaten’s father Amenophis III ». L’orchestre de l’Opéra de Nice se plie aisément aux belles inflexions qu’imprime Léo Warynski à la partition et, de même, le Chœur de l’Opéra de Nice témoigne d’une belle musicalité sans perdre en précision. Surprise, certains chanteurs du choeur chantent masqués, parés d’un très beau masque or et noir qui ne nuit pas du tout à la mise en scène, au contraire, le mystère de la période n’en est que redoublé.

Dans le rôle-titre, Fabrice di Falco relève le défi et campe un Akhnaten vocalement très convaincant, aux aigus parfois étonnamment puissants. Pour une prise de rôle, le contreténor témoigne d’une maîtrise remarquable de cette partition si redoutable. En revanche, l’approche scénique est un peu moins réussie, le chanteur ne proposant pas d’évolution de ton, d’émotion ou de posture, alors que l’opéra s’étend pourtant sur de nombreuses années, et même, à la fin, millénaires. En Nefertiti, Julie Robard-Gendre offre une très belle prestation. Ses médiums et ses graves flattent particulièrement l’oreille, tandis que son charisme lui permet de s’approprier pleinement le rôle.  Patrizia Ciofi est une excellente Reine Tye, dont les aigus sont d’un naturel déconcertant et la présence scénique parfaitement adaptée au rôle d’une souveraine.

Enfin, en Amon, Frédéric Diquero a toute l’autorité d’un grand prêtre ; de même, le Horemhab de Joan Martín-Royo déploie la belle stature d’un général, aidé par de beaux et profonds graves. En revanche, l’approche de Vincent Le Texier est étonnamment bien trop agressive pour le rôle d’Aye, qui n’est jamais qu’un conseiller du Pharaon. Lucinda Childs elle-même incarne le rôle parlé d’Amenhotep III et c’est une excellente idée : dotée d’une très belle voix, sa déclamation très sobre apporte une touche supplémentaire de poésie, très conforme à l’esprit originel de l’œuvre.

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L’Opéra de Nice a dû fermer ses portes mais son site Internet reste ouvert au public pour la présentation de la première grande production de la saison 20/21, Akhnaten, de Philip Glass, mis en scène et chorégraphié en visio conférence depuis New-York par Lucinda Childs. 

La technologie avait déjà permis de créer ce spectacle à distance, elle va permettre aussi d’ouvrir en grand le rideau de la scène virtuelle de l’Opéra.
 
La captation a été réalisée le 1er novembre et sera en diffusion à partir du 20 novembre à 16h sur le site de l’Opéra Nice Côte d’Azur https://www.opera-nice.org et sur le site de la Ville de Nice https://cultivez-vous.nice.fr.

Cette production d’Akhnaten ouvrira la saison lyrique 2021/2022 de l’Opéra de Nice. 

Akhenaton fut l’un des pharaons les plus marquants de l’Égypte ancienne. Il réussit à imposer l’un des premiers monothéismes de l’histoire, faisant de Râ, le dieu soleil, la seule et unique divinité de son royaume. 

À partir du livret de Philip Glass, l’Orchestre Philharmonique de Nice dirigé par Léo Warynski jouera Akhnaten accompagné par le Chœur de l’Opéra de Nice dans une chorégraphie et une mise en scène de Lucinda Childs.

Réunissant chant, danse et musique, Akhnaten est un spectacle complet, à voir en famille.
 

Opéra en trois actes 
(avec prologue et épilogue)
 
Livret de Philip Glass, Shalom Goldmann, Robert Israël et Richard Ridell
Création au Württembergisches Staatstheater Stuttgart le 24 mars 1984
Orchestre Philharmonique de Nice
Direction musicale : Léo Warynski

Chœur de l’Opéra de Nice
Directeur : Giulio Magnanini

Participation des élèves du Pôle National de Danse Rosella Hightower
 
Mise en scène et chorégraphie : Lucinda Childs
Collaboration à la chorégraphie : Eric Oberdorff
Scénographie et costumes : Bruno De Lavenère
Lumières : David Debrinay
Vidéo : Etienne Guiol
 
Distribution : 
Akhnaten : Fabrice Di Falco
Nefertiti : Julie Robard-Gendre
Reine Tye : Patrizia Ciofi
Horemheb : Joan Martín-Royo
Grand Prêtre d’Amon : Frédéric Diquero
Aye : Vincent Le Texier
Amenhotep (rôle parlé) : Lucinda Childs
6 filles d’Akhnaten : Karine Ohanyan,
Rachel Duckett*, Mathilde Lemaire*
Vassiliki Koltouki*, Annabella Ellis*,
Aviva Manenti *
 
(*Artistes du CALM, Centre Art Lyrique de la Méditerranée)
 

Quand Philip Glass, considéré comme l’un des compositeurs contemporains les plus influents du siècle, décide de consacrer plusieurs opéras à de grandes figures de l’histoire, Akhnaten s’impose à lui avec évidence.

Ce pharaon est celui qui parvint, pendant quelques années, à imposer le premier monothéisme de l’histoire en faisant du dieu soleil l’unique divinité de l’Egypte.

Créé en 1984, Akhnaten vient clore une trilogie d’ouvrages inspirés de grandes personnalités ou de grands moments de l’histoire, les deux autres titres étant Einstein on the Beach (1976), consacré à l’itinéraire du célèbre physicien, et Satyagraha (1980) lequel retrace le combat du Mahatma Gandhi.

Utilisant des textes de l’époque, dont un poème du pharaon lui-même, Akhnaten parcourt le règne du monarque, aussi brillant qu’original, depuis son accession au trône après la mort de son père Aménophis III, jusqu’à sa chute. L’œuvre recèle quelques moments phare de la musique minimaliste, comme la géniale scène du couronnement.

La mise en scène et la chorégraphie sont signées de la célèbre chorégraphe américaine Lucinda Childs, une fidèle de la première heure de Philip Glass puisqu’elle dansait déjà lors de la création d’Einstein on the Beach !

L’Orchestre Philharmonique de Nice est placé sous la direction de Léo Warynski, l’un des grands spécialistes de la musique de notre temps.

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Pour votre première saison à la tête de cette belle institution, on ne peut pas dire que vous ayez eu la tâche facile…

En effet, la situation sanitaire n’a cessé de reconfigurer notre programmation ! Le tout premier rendez-vous que j’avais imaginé avec le public, « Réunion de famille », début septembre, devait être l’occasion de présenter la saison 2020-2021 avec, sur scène, toutes les forces vives de notre institution : orchestre, ballet, chœur, et quelques artistes invités – des chanteurs bien entendu, mais aussi une comédienne du Théâtre national de Nice pour lire quelques textes précisément choisis en fonction de leur lien avec les œuvres de la saison… Bref, nous avons été obligés d’annuler ce premier rendez-vous. Mais globalement, le début de la saison aura été extrêmement positif : nous avons donné un concert pour le départ du Tour de France, nous avons fait salle comble à chaque lever de rideau, que ce soit pour l’Orchestre, le Ballet ou le lyrique – on a donné deux opérettes en octobre, qui ont fait un tabac. Cet engouement du public a eu un impact très positif sur le moral des troupes !

Quelles ont été les mesures sanitaires que vous avez prises à ce moment-là ?

Côté « maison », nous avons mis en place un dispositif sanitaire extrêmement poussé. Nous nous sommes inspirés du protocole du Festival de Salzbourg, avec un code couleurs selon les corps de métiers. Par exemple, les « rouges + » sont ceux qui ne peuvent pas faire autrement que de se toucher (les chanteurs, les danseurs). Il fallait donc s’assurer qu’ils ne croisent que les personnes essentielles à leur travail (certains techniciens, maquilleurs, habilleurs etc., qui étaient quant à eux équipés d’une combinaison spéciale en plus du masque) et on a mis en place un dépistage hebdomadaire. Pour les autres groupes, comme les musiciens de l’Orchestre et les artistes du Chœur, on a organisé une distanciation qui permette à chacun de travailler en toute sécurité. Les autres (les membres de l’administration, moi-même…) avaient l’interdiction de s’approcher ! Je dois dire qu’on a eu la chance de travailler main dans la main avec le CHSCT (comité hygiène et sécurité) et les services de la Mairie, qui ont été très réactifs chaque fois.

Et pour le public ?

Là encore, on a mis en place une série de mesures drastiques : des groupes de 10, puis de 6 personnes au maximum, prise de température à l’entrée, gel hydroalcoolique en libre-service un peu partout, suppression des entractes (et donc modification à la marge des programmes symphoniques, et légères coupures prévues pour l’opéra afin de réduire le temps passé assis en salle), sens de circulation pour entrer et sortir du bâtiment… J’ai même enregistré une annonce pour expliquer tout cela au public ! Et plus récemment, nous avons modifié les horaires des représentations, à partir du moment où le couvre-feu a été instauré.

Vous avez pu répéter Akhnaten sans problème ?

Cela ne s’est pas fait dans les conditions habituelles, mais oui, tout s’est déroulé de la meilleure manière possible, grâce à l’implication, à la bonne volonté et aux compétences techniques de chacun ici. En effet, j’ai voulu éviter à Lucinda Childs, qui fait partie de la population à risque, de risquer de tomber malade. Nous avons donc imaginé de lui permettre de faire sa mise en scène tout en restant chez elle, à New York. Ce fut un tour de force humain et technique – et j’en profite pour remercier ici tout ceux qui ont contribué à cet exploit ! Cela n’aurait pas été possible sans le formidables équipes qui nous ont épaulés, les collaborateurs de Lucinda Childs d’un côté¹, et les équipes de l’Opéra de Nice, qui ont fait preuve d’une capacité d’adaptation unique. Très vite, on ne se rendait plus compte que Lucinda était à quelques milliers de kilomètres de là : on lui parlait comme si elle était à coté de nous, parmi nous… Tous les artistes – et vous savez qu’il y en a beaucoup sur cette production : danseurs, chanteurs, choristes, musiciens – ont été merveilleux, jouant pleinement le jeu de ce processus nouveau.

Akhnaten aurait donc dû être le premier opéra de votre mandature à la tête de cette institution…

Oui, et comme pour le concert d’ouverture de début septembre, je suis contraint de fermer la Maison au public. Mais nous avons pris la décision de ne pas laisser se perdre le travail de ces cinq semaines : nous jouerons dimanche comme prévu, et nous enregistrerons la représentation ! Certes, nous jouerons donc à huis-clos, mais nous aurons ainsi pu faire aboutir tout ce travail, et nous pourrons le proposer au public. Certains médias culturels étaient intéressés, comme Arte par exemple, mais étant donné les délais très courts et la situation un peu compliquée, nous avons pris la décision de faire ça nous-mêmes, en interne. J’ai la chance d’avoir ici une équipe vidéo exceptionnelle, qui va se charger de filmer le spectacle avec quatre caméras. Nous diffuserons ensuite sur le réseau dédié de la Ville de Nice, « Cultivez-vous », et sur nos propres réseaux (notre site internet, nos page Facebook et Instagram). Rien ne remplace le contact humain, la présence du public et des artistes, mais ce sera une belle manière de montrer que nous ne nous laissons pas abattre.

Votre enthousiasme et votre énergie contrastent avec la morosité ambiante !

J’avoue que je suis galvanisé par les retours de chacun, ici. Cette expérience aura eu le mérite de révéler l’incroyable potentiel de cette maison : tous les employés ont montré le meilleur d’eux-mêmes dans ces moments peu communs. Les difficultés nous ont soudés, et je dois dire que la noblesse et l’abnégation avec lesquelles Lucinda Childs a géré cette situation ont été des leçons pour nous tous. Et savoir que tout ce travail ne va pas avorter, mais que le public va pouvoir profiter de ce spectacle si beau, si généreux, avec cette musique hypnotique de Glass, avec une distribution géniale – je ne peux les citer tous mais on retrouvera sur le plateau Patrizia Ciofi, Fabrice Di Falco, Vincent Le Texier, Julie Robard-Gendre, Joan Martin-Royo…

Notes
1. Bruno de Lavenère à la scénographie et aux costumes, David Debrinay aux lumières, Etienne Guiol à la vidéo, Jean-Michel Criqui comme assistant à la mise en scène, et Éric Oberdorff comme collaborateur à la chorégraphie

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La mise en scène confiée à Phelim McDermott, habitué à l’univers de Glass (il a créé la production de Satyagraha du Met en 2008), n’est pas très inspirée ; elle prend même le contrepied de l’esprit de l’œuvre. En effet, comme le rappelle Joyce DiDonato en introduction, chez Glass, le propos est « abstrait », la narration, toujours secondaire, l’œuvre, articulée autour de tableaux. Or cette mise en scène insiste très lourdement pour nous raconter une histoire, à tout prix. La recontextualisation de l’Egypte, via les décors de Tom Pye et les costumes de Kevin Pollard est dès lors très travaillée, même si elle a le mérite d’être ambiguë, puisqu’il s’agit plus d’une Egypte orientalisée façon XIXe siècle. A chaque instant, malheureusement, la mise en scène se construit autour de l’action dramatique, alors qu’elle devrait plutôt construire des visions et autres tableaux poétiques hallucinatoires. Il en ressort une pauvreté généralisée, le sentiment d’un décalage désagréable entre musique et mise en scène qui frise parfois le ridicule : ainsi de la scène du siège de la ville de l’acte III qui lorgne du côté de la scène d’action de série B américaine des années 1980.

Le jeu de mise en abîme des époques serait intéressant s’il n’était pas si hollywoodien, assez typique de la patte du Met, s’agissant de l’Egypte notamment. Les décors steampunk ne servent que de cadre, plus ou moins esthétique, à l’action. Surtout, le metteur en scène a décidé de faire la part belle au jonglage, sous la direction du spécialiste Sean Gandini. L’idée est de mimer et traduire sur scène, par la jonglerie permanente, l’aspect répétitif de la musique de Glass. L’approche, si premier degré à nouveau, prête à sourire. Pire, le tout n’a rien de spectaculaire, au contraire, dans la mesure où les chanteurs du chœur, forcément amateurs, se joignent aux professionnels pour jongler ; l’espace d’un instant, le public croira assister au spectacle de gymnastique d’un lycée du fin fond de l’Ohio… La gêne culmine à l’Epilogue durant lequel des créatures marchent à quatre pattes devant Akhnaten ; le manque d’inspiration et de créativité est cruel.

Seuls deux tableaux ne ratent pas leur cible (Akhnaten and Nefertiti et Hymn) : dans ces moments-là, l’action est délaissée et l’approche se recentre autour du pouvoir évocateur de la musique ainsi que du charisme mystérieux de ces figures historiques aussi fascinantes qu’étranges. Le duo Néfertiti/Akhnaten avançant l’un vers l’autre dans d’immenses et sobres robes rouges est profondément touchant ; de même que la prière au soleil d’Akhnaten captive l’auditoire de bout en bout, notamment grâce au sublime décor de cette boule immense et ardente vers laquelle s’élève doucement le Pharaon.

 © Karen Almond, Met Opera

Côté musique, la réussite est glorieuse et sauve la production. Karen Kamensek fait une entrée fracassante au Met, par son excellente maîtrise du style de Glass. Les réverbérations soutenues, les superpositions d’accents, les jeux de canons : toutes les techniques chères au compositeur américain sont sublimement restituées. Loin du piège mécanique que peut constituer l’aspect répétitif de la musique, la cheffe d’orchestre imprime un remarquable relief à la partition, prodiguant des effets tantôt incisifs tantôt lancinants. Sous sa baguette, la répétition se fait pulsation vivante, travaillée de l’intérieur. Enfin, son choix de tempo est un sans-faute, en ce qui nous concerne.

Anthony Roth Costanzo maîtrise à la perfection le rôle d’Akhnaten qu’on croirait écrit pour lui. Déjà titulaire lors de la création de la production en 2016, le contre-ténor brille autant dans les moments qui requièrent puissance vocale (Window of Appearance) que les scènes intimistes où la pureté de la voix rappelle que le chanteur excelle également dans le répertoire baroque. Sa présence scénique est bouleversante, ses talents d’acteur lui permettent de transmettre avec grande subtilité bon nombre d’émotions. La mezzo-soprano J’Nai Bridges fait d’excellents débuts au Met . La profondeur de sa voix, ainsi que sa texture sombre et brumeuse, sied parfaitement au rôle de l’envoûtante Néfertiti. Son charisme et son jeu dramatique lui confèrent une prestance magnétique. En Reine Tye, Dísella Lárusdóttir est convaincante même si son costume n’est vraiment pas des plus heureux. Ses talents de chanteuse et d’actrice lui permettent de constituer un très beau trio aux côtés de Bridges et Costanzo.

Le reste de plateau vocal est de très bonne facture ; Will Liverman propose un Horemhab tout en puissance, tandis que le grand prêtre d’Amon trouve en Aaron Blake un très bon interprète. Richard Bernstein en Aye complète efficacement ce trio, par une performance aboutie et crédible. Enfin, Zachary James campe un Amenhotep III de luxe, même s’il a parfois tendance à déclamer de son texte d’une voix par trop chevrotante. Le chœur est également de bonne facture même si sa pugnacité reste perfectible.

Le Met Opera poursuit sur sa lancée Philip Glass et dévoile ces jours-ci sa production de Satyagraha par Phelim McDermott créée en 2008.

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