Janvier 2019

Avec deux productions polémiques et les premières suppositions concernant son nouveau directeur, l’Opéra de Paris inaugure sa 350^e année avec fracas. Le retour sur scène des Troyens, revus et corrigés par Dmitri Tcherniakov et dirigés par Philippe Jordan, ne s’est pas contenté des huées du soir de la première : il a ébranlé durant tout le mois de janvier la lyricosphère qui a adoré le détester. Sans déchaîner autant les passions, le Primo omicidio de Scarlatti à la sauce Castellucci a lui aussi provoqué son lot de réactions mitigées. Un début d’année chargé aussi bien à Garnier qu’à Bastille – dont le bâtiment fêtait sa trentième année d’existence –, bientôt suivi par le feuilleton à rebondissements de la nomination d’Alexander Neef.
Un vieux monsieur de 350 ans, l’Opéra de Paris ?

Février 2019

Si le mois de février a vu sur scène les très rares Finta pazza et Divisione del mondo, ou encore les récitals remarqués de Yusif Eyvazov et Vivica Genaux, ce ne sont pas les spectacles qui ont le plus retenu l’attention des lecteurs de notre site. Ils passeraient presque inaperçus alors que Jonas Kaufmann domine l’actualité avec deux brèves en quelques jours, annonçant l’acte III de Tristan pour 2020 et faisant entendre sa maîtrise de la voix de tête dans la Barcarolle des Contes d’Hoffmann ! A ses côtés, les espoirs d’entendre Anna Netrebko à Bordeaux et à Paris, les adieux d’Edita Gruberova à Lucia et les diverses annulations de Bryan Hymel : l’actualité lyrique revêt bien des formes, et ne se limite décidément pas à des comptes rendus et à des interviews.
La preuve – s’il en fallait une – qu’à l’opéra le spectacle n’est pas seulement dans la salle…

Mars 2019

Que de ténors pour un seul mois ! Et quels ténors ! Mars guette fébrilement la présence de Jonas Kaufmann dans La Forza del destino à Londres et s’inquiète pour sa santé ; Roberto Alagna montre des signes de fatigue dans Otello à Bastille et Aleksandrs Antonenko se voit contraint de renoncer à Samson à New York… Chanter chaque jour à l’opéra ? « Mais le gosier le plus flexible / Ne peut résister à cela ! » nous rappelle Saint-Phar dans Le Postillon de Lonjumeau. Tout auréolé de gloire, le ténor n’en est pas moins un homme : notre empathie et notre bienveillance devraient être à la hauteur de l’admiration que nous leur portons. Heureusement, de belles nouvelles viennent aussi parsemer le mois : le triomphe de Javier Camarena en Tonio au Metropolitan, le retour sur cette même scène de Gregory Kunde après douze ans d’absence, et même un nouveau-né dans la famille Kaufmann !
Décidément… On ne peut pas résister à un ut !

Avril 2019

Avril voit la France sous le coup de l’émotion après l’incendie qui a ravagé Notre-Dame de Paris, nous rappelant que les chefs-d’œuvre du passé eux aussi sont fragiles et en péril. Un rappel également qu’il convient de saisir la beauté lorsqu’elle nous vient : une Semiramide fabuleuse enregistrée par Mark Elder, le retour du Postillon de Lonjumeau salle Favart, une Damnation de Faust à l’affiche éblouissante, le duo Bernheim et Sierra à Bordeaux, un premier des Grieux superlatif pour Juan Diego Flórez, un Reinoud van Mechelen stupéfiant d’émotion en Evangéliste… Avril est le triomphe de la voix, qui vient mettre un peu de baume au cœur des auditeurs.
Pour mieux sécher mes pleurs, que ta voix parle encore…

Mai 2019

C’est en mai 1999 que Camille De Rijck inaugurait un site qui, s’il a évolué par sa forme au gré des mutations d’internet, demeure un repère favori des lyricomanes. Riche de multiples métamorphoses et de rédacteurs passionnés qui ont donné de leur temps et de leur plume tout au long de ces deux décennies d’existence ; riche de comptes-rendus, brèves et dossiers en tous genres ; riche enfin de lecteurs qui permettent à Forum Opéra de poursuivre son chemin avec toujours plus de succès. Un grand merci à tous !
Nous n’avons encore que vingt ans… mais sommes prêts à continuer vingt ans de plus ! La preuve ? Nos rédacteurs n’ont pas cessé de parcourir l’Europe : une belle Walkyrie napolitaine, le Chénier londonien de Roberto Alagna, une Femme sans ombre viennoise à la formidable distribution ou un Vaisseau fantôme berlinois… L’aventure se poursuit !

Juin 2019

Il n’en est pas fini des anniversaires pour 2019, loin de là : un 20 juin il y a 200 ans naissait notre Jacques Offenbach national… à Cologne ! L’occasion de (ré)entendre les chefs d’œuvre du roi de l’opérette mais aussi des raretés : Les voyages de MM. Dunanan père et fils, Maître Peronilla, Pomme d’Api, ou encore le retour de Madame Favart à l’Opéra Comique ont réjoui les oreilles des auditeurs en ce bicentenaire. Autant de bulles de champagne distillées tout au long de l’année, accompagnées d’un dossier consacré au compositeur mettant en lumière son goût éclectique pour la légèreté et le sérieux, le burlesque et l’héroïque, la tradition et la parodie, et toutes les formes d’entre-deux.
Un anniversaire dignement fêté, mais assombri par la disparition de Franco Zeffirelli, metteur en scène de légende dont les productions n’ont pas fini d’occuper la scène.

Juillet 2019

L’été revient comme chaque année avec son lot de festivals, dont certains sortent l’opéra de la salle de concert – et de son confort. Un décor enchanteur ne suffit certes pas à adoucir les exigences du public, ce dont le festival d’Aix-en-Provence a fait les frais avec un Requiem de Mozart et une Tosca dont les mises en scène ont provoqué des critiques véhémentes. Mais l’extérieur et le ciel étoilé ont évidemment leur magie, comme en témoignent un très beau Guillaume Tell à Orange, un Rigoletto à Bregenz avec sa marionnette monumentale, ou encore des Noces de Figaro au cœur des jardins de l’Alhambra. Difficile malgré tout d’éviter les caprices météorologiques, comme lorsque l’orage s’invite au milieu des Indes Galantes : en juillet, la nature reprend ses droits sur l’opéra !

Août 2019

Dans la série des anniversaires – on vous l’avait dit, 2019 fut une année festive ! – citons également les 150 ans de la mort d’Hector Berlioz. Si les hommages ont été nombreux, le mois d’août a connu deux soirées mémorables – un Benvenuto Cellini dirigé par John Eliot Gardiner offrant une leçon de chant berliozien en la personne de Michael Spyres, et un Roméo et Juliette sous la baguette inspirée de Valery Gergiev – ainsi que la parution d’une Damnation de Faust dirigée par Simon Rattle et d’une Mort de Cléopâtre où éclot le talent de Lucile Richardot. Un mois faste donc, qui offre plusieurs versions de référence à la discographie.
« Mais révère en ton cœur et garde en ta mémoire / Et d’Enée et d’Hector les exemples de gloire » écrivait Berlioz : les artistes étrangers rendent en tout cas un bel hommage à un génie français en attendant, qui sait, son entrée au Panthéon ?

Septembre 2019

Tout pluriséculaire qu’il est, l’opéra n’a pas oublié en ce mois de septembre de plonger à pieds joints dans la modernité. Avec une Traviata à l’ère des réseaux sociaux, des Indes Galantes à la sauce voguing, un Don Carlos en hôpital psychiatrique et un Idoménée transposé comme il se doit, les metteurs en scène nous rappellent – s’il en était besoin – à quel point l’opéra peut être brûlant d’actualité et miroir de notre temps. Que cela plaise ou déplaise, l’art lyrique ne semble pas avoir épuisé l’intérêt que les metteurs en scène lui portent – et c’est au moins une bonne nouvelle. Mais il se révèle aussi de son temps lorsqu’il est frappé par les débats qui agitent le monde contemporain, tels que les accusations portées à l’encontre de Placido Domingo, entraînant le chanteur à renoncer à se produire sur le sol américain dans Macbeth. L’opéra, un art définitivement 2.0.

Octobre 2019

Il est des mois où le sort semble s’acharner : octobre est de ceux-là, voyant disparaître trois grands noms de la scène lyrique. Le décès de Jessye Norman a ému la planète comme rarement lorsqu’une grande voix s’éteint. De la Marseillaise, la mort de Didon, les gospels enflammés ou son Elisabeth chez Wagner, chacun choisira sa madeleine. Nous ont quittés également Rolando Panerai – formidable Taddeo au disque auprès de l’Italienne de Teresa Berganza – et Marcello Giordani, ténor aux moyens éblouissants.
C’est sans conteste toujours une grande tristesse de perdre ces figures qui, au fil des concerts et des enregistrements, ont accompagné d’une manière ou d’une autre des moments de notre vie. Octobre fut donc, en quelque sorte, le mois des souvenirs et du temps qui passe.

Novembre 2019

En moins d’une semaine, l’actualité de notre site s’est trouvée bousculée par deux spectacles aux propositions dramaturgiques diamétralement opposées, et qui ont déchaîné les passions des lecteurs. D’un côté des Noces de Figaro vues par le cinéaste James Gray, partisanes d’un classicisme et d’une tradition comme on n’en voit plus guère sur nos scènes ; de l’autre un Prince Igor par Barrie Kosky, résolument ancré dans le monde contemporain et assumant un propos politique. Nous voici à une époque charnière pour les metteurs en scène, mus par leur désir de réinvention mais se heurtant aux résistances d’une partie du public. Si la question n’est pas tout à fait nouvelle, le hasard de la programmation des scènes parisiennes a pourtant fait surgir à cette occasion un débat d’une rare violence sur notre forum.
Après prima la musica ou prime le parole et après la querelle des Bouffons, peut-être la mise en scène sera-t-elle le sujet de la nouvelle grande querelle de l’opéra ?

Décembre 2019

Grèves obligent, la vie musicale s’est vue perturbée et ralentie en ce mois de décembre. Annulations en série – notamment à l’Opéra de Paris –, salles moins remplies, inquiétudes et attente ont été le lot de cette fin d’année, assombrie également par le décès du ténor Peter Schreier, fervent interprète de Bach aussi bien que de Mozart et de Lieder.

Heureusement, de magnifiques spectacles viennent illuminer ces temps troublés : un Fortunio plein de poésie à l’Opéra Comique, un Pirata à Madrid au casting éblouissant, le triomphe de Jonas Kaufmann dans Die tote Stadt à Munich… Quant aux malheureux lyricomanes immobilisés loin des salles de concert, ils ont pu se consoler en retrouvant, au DVD, L’Enlèvement au sérail mythique de Giorgio Strehler et en lisant les lettres de Maria Callas rassemblées par Tom Volf.

En attendant de voir ce que l’année 2020 nous réserve, belle fin d’année à tous !

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Pour ajouter encore à la difficulté, Anne Kessler a pris le parti d’une mise en scène métaphorique. Justine Favart fut à l’origine, dit-on, du costume de théâtre. Était-ce une raison suffisante pour transposer l’action dans un atelier de couture ? L’histoire, déjà alambiquée, perd en lisibilité ce qu’elle gagne en séduction visuelle.

© Steve Barek

A la tête des forces limougeaudes, Laurent Campellone utilise sa connaissance intime de la musique française pour défendre au mieux la partition. Ses propos dans le programme sur l’orchestration – mozartienne – empreinte de nostalgie dix-huitièmiste, et sur le traitement frénétique des chœurs, impliquant un travail permanent sur la variété des intentions, relèvent d’une théorie que s’emploie à illustrer la pratique.

Comme à Paris, Éric Huchet (Pontsablé) offre une démonstration éblouissante de ce que chanter Offenbach signifie en termes de style et de diction. Anne-Catherine Gillet ( Suzanne) est admirable de fraîcheur vocale et de musicalité, avec ce soprano serré à la saveur délicieusement parfumée des bonbons à la violette chers à nos grands-mères. Franck Leguerinel (Cotignac) et Lionel Peintre (Biscotin) transforment en or le peu de plomb que leur réserve la partition. Il faut attendre la deuxième partie pour que Marion Lebègue (Justine Favart) prenne la mesure d’un rôle aux multiples travestissements. Si la voix peine à se projeter, le menuet du 2e acte « je passe sur mon enfance » est nimbé de cette mélancolie qui fait Offenbach grand. Plus embarrassés nous ont semblé François Rougier (Boispréau) et Christian Helmer (Favart) dont l’émission, raide, peine à épouser les pleins et les déliés d’une écriture moins légère qu’il n’y paraît.

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Dans cet hommage au genre de l’opéra comique, Offenbach et ses librettistes se sont inspirés, librement, de faits et de personnages réels. Charles-Simon Favart et son épouse Justine, forment un couple épanoui : il écrit des pièces, elle les interprète avec succès. C’était sans compter sur le Maréchal de Saxe qui s’amourache de Madame Favart ; pour préserver la vertu de Justine, les époux doivent fuir et c’est là que commence l’opéra. Dans une auberge d’Arras dont le tenancier cache le Sieur Favart, arrivent le Major Cotignac – qui est là pour quémander auprès du gouverneur Pontsablé un poste de lieutenant de police – et sa fille, la charmante Suzanne, suivis de près par le prétendant de cette dernière, Hector de Boispréau. Justine Favart arrive sur ces entre-faits pour retrouver son mari. Elle se fait ensuite passer pour l’épouse d’Hector auprès du libidineux gouverneur Pontsablé, afin d’obtenir pour Hector le poste de lieutenant de police et la main de Suzanne. Vous suivez ? Et nous n’en sommes qu’au premier acte, l’acte 2 voyant les deux couples intervertir leurs identités et adopter des déguisements divers pour échapper au maréchal de Saxe et fuir les assiduités de son émissaire, le gouverneur Pontsablé. Tout finira pour le mieux : La Favart obtient un triomphe devant le roi et ainsi le châtiment du gouverneur, le bonheur d’Hector et Suzanne et surtout la nomination de son époux à la tête de l’Opéra Comique.

Ce livret quelque peu décousu est surtout prétexte à d’incessants (et réjouissants) quiproquos et travestissements, Justine passant tour à tour de jeune servante, à fausse épouse, de vielle rombière à vendeuse ambulante tyrolienne.

La partition recèle bien des pépites qui nous trottent longtemps dans l’oreille après avoir quitté la salle. Après une ouverture qui alterne joyeux galop, passage plus dramatique et une flûte particulièrement rêveuse, nous sommes entrainé sans temps mort dans un tourbillon mêlant airs et ensembles, comiques ou sentimentaux. Surtout, avec une chanson campagnarde égrillarde, un duo tyrolien, des airs à base d’onomatopées, l’œuvre semble un condensé des composantes du rire chez Offenbach qu’identifiait notre collègue Jean-Marcel Humbert, ce qui explique sûrement en partie l’énorme succès (l’un des derniers pour Offenbach) que connut l’ouvrage lors de sa création.

Laurent Campellone empoigne avec visible gourmandise la partition, cravache les musiciens de l’Orchestre de Chambre de Paris qui le suivent dans une belle griserie : cela vit, emporte, sans temps mort, au prix de menus décalages qui se règleront au fil des représentations.

Des longueurs, on pourrait en revanche en trouver quelques-unes dans les (longs) dialogues, parfois inutilement explicatifs. On comprend qu’Anne Kessler, en tant que sociétaire de la Comédie Française, n’ait pas voulu couper dans le texte. On devine également le travail approfondi de la metteuse en scène avec les chanteurs sur ces dialogues, dans la diction, le rythme, le ton. Quelques petits accrocs nous rappellent que nous sommes à la première, mais le jeu, l’intelligibilité, la précision scénique sont remarquables, au bénéfice de l’effet comique.

On sera moins sensible à quelques pas de danse redondants et surtout à un décor passe-partout. Non qu’il soit vilain, au contraire : ces galeries de part et d’autre de la scène sont élégantes mais ne sont guère utilisées et pourraient sans aucun problème être recyclés pour un tout autre spectacle. De même, pourquoi avoir situé l’acte 1 dans l’atelier de couture de l’Opéra Comique en lieu et place de l’auberge du livret ? On comprend bien ici l’évocation du thème du travestissement qui irrigue toute l’œuvre, mais cette transposition n’est au final que peu exploitée et ne sert qu’à rendre certaines répliques incongrues.

Le chant nous aura, lui, globalement comblé, surtout chez les femmes.

A tout seigneur tout honneur, Marion Lebègue embrasse le rôle-titre avec fougue. Au-delà des qualités vocales requises qui sont réelles, Madame Favart exige une présence scénique : c’est sur son abattage que repose l’essentiel de la réussite de l’œuvre. Or la jeune mezzo est la femme de la situation : accents contrefaits, chanson leste de la fille de taverne… rien ne lui fait peur ! Le léger défaut de projection au premier acte est vite oublié, et l’opulence du timbre conjugué à la gouaille de l’interprète font ici merveille. Anne-Catherine Gillet est une parfaite Suzanne. Qui mieux que la soprane belge parvient à retranscrire simultanément une certaine candeur, de l’élégance et de la juvénilité ? La voix a gardé toute sa ductilité et sa fraicheur avec une légère acidité un peu surannée qui fait mouche.

Chez les ténors, François Rougier campe un Hector un peu lourdaud. Si la voix est claire et bien projetée, on aurait aimé davantage de demi teintes ; cependant le chanteur utilise efficacement ses aigus émis en force à des fins comiques dans une tyrolienne bien acrobatique. Eric Huchet lui ne fait qu’une bouchée de Pontsablé : le personnage est fat à souhait sans que cela ait une influence sur le style chatié et la belle souplesse de l’émission.

Le Charles-Simon Favart de Christian Helmer laisse plus perplexe. La voix séduit par sa rondeur et ses teintes sombres, mais le baryton semble gêné par la tessiture tendue et les quelques allègements dans sa belle romance du troisième acte frôlent le détimbrage. En Cotignac et Biscotin, Franck Leguérinel et Lionel Peintre ont, eux, peu à chanter : par leur présence scénique ils n’en campent pas moins des personnages savoureux.

Nous n’oublierons pas le Chœur de l’Opéra de Limoges, fort sollicité tout au long de l’œuvre et qui brille par son équilibre et son intelligibilité.

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Avec cette œuvre de 1878, on retrouve la bonne humeur souriante qui caractérise la plupart des œuvres d’Offenbach d’après la guerre franco-prussienne, sans rien – hélas pour notre époque friande de sarcasme – de l’ironie mordante de ses chefs-d’œuvre créés sous le Second Empire. Il faut pour la porter une interprète de premier plan. Justement, Juliette Simon-Gérard, après avoir créé à 19 ans le rôle de Justine Favart (elle venait de créer Serpolette des Cloches de Corneville l’année précédente), devait enchaîner l’année suivante avec la susdite Fille du tambour-major. A son époux, le ténor Simon-Max, était dévolu le rôle du jeune premier, Hector de Boispréau, un peu moins exigeant sur le plan théâtral. Celle qu’on appelle ici Madame Favart, actrice forcément hors pair, aurait selon le livret succédé à Adrienne Lecouvreur dans le cœur de Maurice de Saxe, avec cette différence qu’elle aurait, elle, repoussé ses avances.

Autant dire que le rôle-titre de Madame Favart ne saurait être confié qu’à une interprète des plus soides, possédant idéalement cette aura scénique qu’on imagine avoir été celle d’une Hortense Schneider. Même si son nom est sans doute bien oublié de la jeune génération, Fanély Revoil (1906-1999) fut de celles-là. Créatrice du rôle de Lucine dans Le Testament de la tante Caroline de Roussel, à l’affiche ces jours-ci au Théâtre de l’Athénée, elle se consacra presque exclusivement à l’opérette et à l’opéra-comique. Elle fut notamment Nicklausse dans l’intégrale des Contes d’Hoffmann dirigée en 1948 par André Cluytens. Et comme chacun de ses enregistrements permet de le vérifier, Fanély Revoil était une « nature », un tempérament né pour le théâtre. Son interprétation du fameux Rondeau susmentionné ferait passer Yvonne Printemps pour une timide débutante, en comparaison. Tous ses airs et toutes ses interventions dans les dialogues parlés sont autant de leçons d’interprétation. Dommage simplement que la qualité sonore de cette diffusion radio ne soit pas toujours aussi limpide qu’on le souhaiterait.

Autour de l’héroïne, la RTF avait réuni du très beau linge, familier de ce style. On ne présente plus Michel Dens, aussi à l’aise dans le grand répertoire d’opéra que dans les œuvres plus frivoles. Son Favart a toutes les qualités requises, qu’il déploie dans les charmantes pages qu’Offenbach offre au personnage. Liliane Berton fut la plus délicieuse des sopranos légers de son temps, qui ne chercha jamais à s’aventurer au-delà des emplois que son organe lui destinait : elle est naturellement exquise en Suzanne. René Lenoty n’était probablement pas le plus suave des ténors de l’après-guerre, mais cette tessiture est toujours un peu le parent pauvre de ces concerts d’opérette, et il faut s’estimer heureux d’échapper à l’inévitable Joseph Peyron, Hector de la version de 1960. Et on ne saurait oublier les seconds rôles, campés par des personnalités hautes en couleur : on salue l’excellent René Hérent, inénarrable en marquis de Pontsablé, tout comme il excellait en Guillot de Morfontaine dans la Manon enregistrée en 1955 par Victoria de Los Angeles (il tenait le rôle Salle Favart depuis 1918 !). Gilbert Moryn a moins à chanter mais est un Cotignac savoureux.

En complément de programme, un hommage supplémentaire à Fanély Revoil, à travers une quinzaine d’airs, d’opérette surtout, avec des tubes (deux extraits de La Périchole), mais avec surtout des titres que l’on aimerait voir revenir sur les scènes, comme Le Cœur et la main de Lecoq, La Petite Fonctionnaire de Messager, Fragonard de Pierné ou Virginie Déjazet de Georges Van Paris.

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