Pour Ralf Krüger (Klassik begeistert), Bernheim vole tout simplement la vedette à ses partenaires. Le critique admire sa façon de conduire la voix vers l’aigu et de soulever des vagues d’émotion, et voit dans sa prestation le sommet vocal d’une soirée dont il est ressorti transporté.

Dans le même média, Jean-Nico Schambourg partage cet enthousiasme. Dès « Recondita armonia », la salle applaudit. Legato, précision des aigus, maîtrise du souffle, intelligence du phrasé : il range Bernheim parmi les meilleurs Cavaradossi du moment. Plus encore que les moyens, il salue l’incarnation d’un homme passionné, qui aime Tosca avec la même démesure qu’il hait Scarpia.

Eric Alexander Hoffmann (Online Merker) se montre plus nuancé. S’il loue la beauté du timbre, son élégance et des aigus émis avec une apparente facilité, il relève une jonction parfois inégale entre le médium et le haut de la tessiture, les notes supérieures semblant se détacher de la ligne. Une question de continuité plutôt que de puissance, que la fréquentation du rôle devrait permettre de régler.

Kirsten Liese (Klassik begeistert) est la plus partagée. Elle admire sans réserve un « E lucevan le stelle » où Bernheim rend palpables l’angoisse et le désespoir du héros. Mais les duos avec Tosca la laissent de marbre : il leur manquerait le moelleux et la chaleur des grands ténors italiens d’autrefois, de Giuseppe Di Stefano à Carlo Bergonzi. Elle juge le timbre trop clair, l’incarnation trop effacée, et lui préfère la couleur sombre et l’engagement de Jonas Kaufmann. Là où Schambourg entend un amoureux fiévreux, elle voit un personnage dont les émotions peinent à franchir la rampe. Le désaccord est entier.

Aleksandra Kurzak fait davantage consensus. Pour Hoffmann, la soprano polonaise est la grande triomphatrice de la soirée : sa Tosca, longuement mûrie, culmine dans un « Vissi d’arte » bouleversant. Liese va jusqu’à la préférer, dans ce rôle, à plusieurs illustres consœurs, dont Sondra Radvanovsky. Schambourg apprécie la richesse de ses couleurs et la grâce de ses moments lyriques, tout en notant quelques limites dans les passages les plus dramatiques.

Davide Luciano, qui faisait lui aussi ses débuts en Scarpia, séduit par un baryton sombre et généreux. Hoffmann regrette que cette noblesse vocale atténue parfois la noirceur du personnage ; Liese, au contraire, loue son autorité et l’intensité de son affrontement avec Kurzak.

À la tête de la Staatskapelle Berlin, Alexander Soddy fait l’unanimité. Son Puccini ardent et vigoureux, toujours attentif aux chanteurs, compte parmi les grands atouts du spectacle. Hoffmann salue en particulier son art de passer des déchaînements orchestraux aux nuances les plus ténues.

La mise en scène d’Alvis Hermanis, créée en 2014, divise davantage. Krüger et Schambourg louent sa lisibilité, son sens du récit et son refus des relectures artificielles ; Hoffmann la trouve trop conventionnelle, presque muséale, malgré le raffinement des décors et des projections.

Une prise de rôle largement saluée, donc, même si tous ne voient pas encore en Bernheim le Cavaradossi idéal. Après une dernière représentation berlinoise le 31 octobre, le ténor traversera l’Atlantique pour ses débuts au Carnegie Hall, dans Les Nuits d’été de Berlioz avec l’Orchestra of St. Luke’s et Louis Langrée. Après les pinceaux de Cavaradossi, retour aux vers de Gautier le 5 novembre.

L’article Bernheim, premier Cavaradossi à Berlin : la critique conquise, ou presque est apparu en premier sur Forum Opéra.

Le conseil de la Fondation des opéras de Berlin a pris la décision le 8 octobre. Elle a été officialisée mercredi 14 octobre par la signature des contrats, paraphés par les intéressés et par le sénateur berlinois à la Culture, Stefan Evers, en présence du ministre d’État fédéral à la Culture, Wolfram Weimer.

À 67 ans, le chef allemand, qui avait succédé à Daniel Barenboim à la tête de la Staatskapelle Berlin, peut ainsi envisager de diriger la maison jusqu’à ses 75 ans. C’est une marque de confiance particulièrement précoce pour un tandem qui entame à peine sa troisième saison, et dont le contrat initial courait jusqu’en 2029.

Les deux intéressés se disent ravis. Thielemann promet de cultiver le grand répertoire « tout en explorant de nouveaux horizons ». Le grand répertoire est déjà là : les Vier letzte Lieder avec Diana Damrau et Eine Alpensinfonie les 20 et 21 octobre, puis les reprises de Tannhäuser et de Tristan und Isolde aux Festtage 2027. Pour les nouveaux horizons, il faudra attendre le 1er mai 2027 et les rares Königskinder de Humperdinck, mis en scène par David Bösch, avec Diana Damrau, Evelyn Herlitzius et Christian Gerhaher.

Huit ans de contrat pour un tandem en place depuis deux : à Berlin, la confiance n’a pas attendu le nombre des années.

L’article À Berlin, Thielemann rempile jusqu’en 2034 est apparu en premier sur Forum Opéra.

Pour son arrivée à Berlin — le spectacle est une coproduction avec l’Opéra national de Paris, où il avait été créé en 2024 —, Lydia Steier abandonne la Rome antique au profit d’une Sorbonne tombée aux mains d’un régime militaro-religieux totalitaire, dans un univers qui emprunte beaucoup à The Handmaid’s Tale. Les vestales sont soumises à une discipline d’une brutalité extrême, les opposants suppliciés et le feu sacré que Julia est chargée d’entretenir consume désormais des livres.

À Berlin, difficile évidemment de ne pas songer à l’autodafé nazi du 10 mai 1933 sur la Bebelplatz, à quelques dizaines de mètres seulement de la Staatsoper. L’image est forte — trop appuyée pour certains critiques. La proposition de Steier a en tout cas fortement divisé et valu à l’équipe de mise en scène une copieuse bordée de huées au salut.

Sonya Yoncheva s’en sort mieux, même si sa prise de rôle ne fait pas tout à fait l’unanimité. Concerti voit en elle le principal atout vocal de la soirée et rappelle combien peu de sopranos peuvent aujourd’hui affronter une partie de cette ampleur, admirant notamment le volume, l’agilité, l’engagement dramatique et la beauté du médium. Bachtrack retrouve ce timbre immédiatement reconnaissable et cette intensité qui lui sont propres, tout en relevant, au premier acte, un legato parfois appuyé, une articulation moins nette et un vibrato plus présent dans l’aigu. La suite de la soirée le convainc davantage.

Plus sévère, Ulrich Amling, dans le Tagesspiegel, admire lui aussi la richesse et l’opulence du médium, mais entend des aigus plus durs et tranchants, comme si la voix se partageait désormais entre deux registres de couleurs différentes — contraste qu’il résume par une image saisissante : celle d’un « abîme devenu son ». Klassik begeistert va plus loin et estime la soprano mise en difficulté par la partie, avec un timbre devenu plus métallique. À l’inverse, le Financial Times retient une remarquable pureté de ligne et place Yoncheva parmi les réussites d’une soirée qu’il juge par ailleurs décevante.

Difficile, donc, de parler de consensus — sinon pour constater que cette Julia ne laisse personne indifférent.

Autour d’elle, la distribution se défend vaillamment. David Butt Philip, en Licinius, est généralement bien accueilli : Bachtrack relève la noirceur presque spinto de son ténor, sa précision et son assurance, tandis que le Financial Times le trouve robuste et viril. Concerti regrette seulement que l’alchimie amoureuse avec Yoncheva ne prenne jamais véritablement feu.

Le Cinna de Siyabonga Maqungo séduit davantage encore par un ténor clair et lumineux, un français particulièrement soigné et une belle facilité dans l’aigu. Mais c’est peut-être Marina Prudenskaya qui rassemble le plus largement les suffrages. Sa Grande Vestale, glaçante gardienne de l’ordre moral, impressionne par ses graves sonores et son autorité scénique : « terrifiante et grandiose » pour Concerti, elle mêle, selon Die Deutsche Bühne, fanatisme religieux et humanité. Même les critiques les plus hostiles à la soirée la distinguent.

Les avis divergent tout autant sur Carlo Rizzi. Bachtrack admire une lecture méticuleuse, structurée et attentive aux couleurs instrumentales ; Concerti entend une Staatskapelle qui, après quelques hésitations, gagne progressivement en transparence et en finesse. Le Financial Times est beaucoup moins tendre et reproche au chef de ne pas retrouver la rhétorique particulière de cette musique à la croisée de Gluck et du futur grand opéra. Sur radio3, Kai Luehrs-Kaiser se montre plus sévère encore et parle d’un « sérieux échec », jugeant l’esthétique vocale et orchestrale trop italienne pour rendre pleinement justice à Spontini.

Une chose au moins semble réconcilier presque tout le monde : le Staatsopernchor, préparé par Dani Juris, particulièrement sollicité dans une œuvre où la foule est un personnage à part entière. Bachtrack le trouve dans une forme éclatante ; radio3 en fait même le meilleur élément de la soirée.

Applaudissements pour la vestale, huées pour sa prêtresse scénique : le feu de Spontini brûle donc toujours à Berlin.

Sonya Yoncheva incarne Julia les 3, 6 et 9 octobre, avant de retrouver le rôle les 30 avril, 6 et 8 mai 2027. Carlo Rizzi dirige les représentations des 3 et 6 octobre ; Giuseppe Mentuccia prend le relais le 9.

L’article À Berlin, Yoncheva attise le feu de La Vestale : revue de presse est apparu en premier sur Forum Opéra.

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Tout le programme est à retrouver sur le site du SOB.

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© Monika Rittershaus

On le voit, pratiquement aucune réserve sur le plateau vocal ni en fosse ; on ne pourra pas en dire autant de la mise en scène signée Dmitri Tcherniakov.
Contrairement à ce qu’on pourrait attendre, la deuxième vision de sa mise en scène ne résout pas tous les problèmes dont nous avions déjà rendu compte. Tout n’est pas clair dans sa proposition même si l’idée de base (une expérimentation des comportements humains, dont Wotan serait l’instigateur) semble assez claire. Moins évidents apparaissent les positionnements de Siegfried et Brünnhilde qui feront tout au III de Siegfried pour éviter l’amour dans leur duo.
Voyons quelques détails des spécificités du travail de Tcherniakov.
Tout commence avant le lever de rideau de Rheingold ; une vidéo projette une image montrant comment un produit est inoculé dans le cerveau (on supposera qu’il s’agit de celui d’Alberich). On comprend que nous ne sommes pas au bord du Rhin, mais dans un centre d’expérimentation à l’acronyme (E.S.C.H.E.) signifiant le « frêne » , arbre que l’on retrouvera à la fin du dernier tableau. Les trois filles du Rhin sont des infirmières qui prennent des notes sur le comportement d’Alberich, enfermé dans une chambre où il est branché de partout. Point d’or (si ce n’est l’anneau qui apparaîtra plus tard), c’est incontestablement le parti pris cette mise en scène ; quand Alberich s’enfuit à la fin du premier tableau, il part avec sous le bras tout le matériel d’expérimentation dont il aura au préalable furieusement arraché tous les câbles, laissant les observateurs sans réaction.
Au second tableau de Rheingold, les plans du château (pas encore baptisé Walhalla) sont vidéoprojetés et nous nous retrouvons dans les bureaux de Wotan qui se transforment vite en salle de négociations lorsqu’il s’agit de rendre à Fafner et Fasolt leur dû. Ceux-ci apparaissent en vulgaires mafieux (enlevant Freia en l’emportant comme un vulgaire sac à patates) ce qui se confirmera au quatrième tableau, quand Fafner abattra son frère d’un coup de revolver dans le dos. Loge semble un entremetteur un peu farfelu, Froh, Donner et Freia totalement dépassés par les enjeux du deal. Quant à Wotan, c’est le parrain, affublé du reste de la bague (l’«anneau » en réalité).  Un ascenseur permet de descendre au Nibelheim. Les Nibelungen sont des esclaves maltraités par Alberich qui s’en prend brutalement à Mime lorsque celui-ci veut embarquer le Tarnhelm ; chacun porte un uniforme identique avec son nom. Alberich ne se transforme en dragon puis en crapaud que dans sa tête, de même qu’il imagine les Nibelungen apportant l’or en rançon, un or que l’on ne verra jamais, si ce n’est sous la forme donc de la bague-anneau. La dernière scène de L’Or du Rhin restera sans doute la moins réussie du cycle, d’un kitsch risible pour ne pas dire ridicule.

Dans Walküre, là encore une vidéoprojection précède le lever de rideau. Elle nous apprend qu’un criminel « dangereux et instable » vient de s’échapper. Des images de vidéosurveillance vont très vite nous permettre de reconnaître dans le fuyard Siegmund qui se présente dans la maison de Sieglinde et Hunding. Celle-ci est située dans le centre d’expérimentation que nous avions découvert dans le Prologue. En réalité il est situé derrière le bureau de Wotan qui, grâce à une vitre opaque, voit l’intérieur de l’appartement sans être vu. Hunding est un policier à la recherche du dangereux criminel. Sa journée finie, celui qui nous est présenté comme un butor boit sans modération de la Vodka Parlament, on le voit manger, pisser et maltraiter sa femme qu’il oblige à passer les menottes à Siegmund pendant qu’il va dormir, l’épée Nothung fichée au-dessus de la porte d’entrée !
Au II, on voit Sieglinde et Sigmund s’enfuir pendant que Hunding dort encore. Arrivent alors dans cet appartement Wotan et Brünnhilde qui sabrent le champagne, avant que Wotan retrouve sa femme dans son bureau pour lui faire signer un contrat l’engageant à ne pas défendre Sigmund.
Dans la 3^e scène on retrouve le couple de fuyard dans les sous-sols (le Nibelheim). Le combat entre Hunding et Sigmund ne nous est pas montré, on le vit au travers des réactions de Sieglinde. Finalement Sigmund ne sera pas tué mais attrapé par les mêmes policiers auxquels on l’avait vu échapper dans la vidéo précédant le lever de rideau.
Le troisième acte se déroule dans l’amphithéâtre du centre de recherche ; on va évaluer le degré de violence de plusieurs criminels, dont le pedigree est vidéoprojeté. On comprendra vite que ce sont des combattants que les Walkyries doivent conduire au Walhalla. Dans l’amphi les huit Walkyries, hilares,  écoutent de la musique, prennent des photos, attendent Brünnhilde. Le cercle de feu où Brünnhilde sera enfermée est piètrement représenté par un cercle de chaises, sur lesquelles Brünnhilde dessinera des flammes au marqueur fluo. Très belle image conclusive en revanche avec les adieux du père et de la fille. Le décor de l’amphithéâtre recule en fond de scène et dans le noir, laissant Brünnhilde, seule sur l’avant scène, comme livrée à elle-même.
Siegfried commence encore par une vidéoprojection. On y voit Siegried enfant malheureux au milieu de ses jouets, ne sachant que faire avec. Siegfried et Mime sont toujours dans le même appartement, surveillés de loin par Wotan et, cette fois-ci, les trois nornes. Point d’enclume on le devine mais du matériel de cuisine. Dans l’appartement les jouets de Siegfried vont être brisés au moment où le héros va forger Nothung. On comprendra que le feu mis aux jouets marque la fin de l’enfance et le début des années de formation d’un gamin hyperactif, sale et mal éduqué. Le Voyageur a bien vieilli depuis le Prologue et la première journée. Il s’appuie sur une canne. Son œil droit est totalement fermé.
Au deuxième acte, la grotte est une salle d’expérimentation. Les six phases de l’expérimentation (c’est Siegfried qui en est l’objet) se déroulent. La phase 5 est la « confrontation au conflit, la réaction au danger » : c’est le combat entre Siegfried et Fafner. Celui-ci est amené par deux infirmiers geôliers. Il est muselé comme un dangereux criminel. L’affrontement entre Siegfried et son grand-père se tiendra dans la salle de négociations. C’est finalement Wotan qui brise lui-même et comme malgré lui sa propre lance. Götterdämmerung débute toujours dans le même appartement ; les 3 nornes sont maintenant de très vieilles femmes et les fils du destin qui se brisent correspondent à la porcelaine qui se casse sous leurs mains tremblantes alors qu’elles prennent le thé. Tout le monde a vieilli, sauf Brünnhilde et Siegfried qui ne prennent pas une ride ; Alberich est maintenant un vieillard presque nu et qui tricote des chaussettes pour son fils Hagen. A noter que quand Siegfried se rend chez Brünnhilde, il ne porte pas le Tarnhelm et ne prend pas l’aspect de Gunther. Au III, Siegfreid sera tué pendant son match de basket, par la hampe d’un drapeau de supporter. Brünnhilde pleure son amant, de même que les principaux personnages qui viennent se recueillir auprès de Siegfried (dont Erda et Wotan) et s’en va, seule avec sa valise, pendant que le centre d’expérimentation (le Walhalla) se dissout.

On le voit, et nous n’avons donné là que quelques exemples marquants ; les idées foisonnent, Tcherniakov est soucieux du moindre détail, ce que confirmera Schager. Mais n’y en a-t-il pas trop et sont-ils surtout toujours cohérents ?
Telle est la question qui, au final, demeure.

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L’article Saison 2025-26 : les programmes est apparu en premier sur Forum Opéra.

Vingt-neuf reprises sont au programme avec beaucoup de belles choses. Le Ring Tcherniakov 2022 sera redonné deux fois à l’automne, citons encore La traviata (Aida Garifullina /Marina Rebeka et Pene Pati / Stefan Pop ), Roméo et Juliette (Lisette Oropesa, Charles Castronovo), Chowanschtschina avec Andreas Schager, Mika Kares et Marina Prudenskaya, le Falstaff de Mario Martone (Michael Volle), Wozzeck dirigé par Christian Thielemann (Simon Keenlyside, Anja Kampe, Andreas Schager), Die Zauberflöte avec la Pamina d’Elsa Dreisig, La Bohème (Aleksandra Kurzak et Saimir Pirgu), Tosca (Sonya Yoncheva /Aleksandra Kurzak, Vittorio Grigolo /Piotr Beczała), Der Rosenkavalier dirigé par Thielemann (Julia Kleiter, Peter Rose), l’Aida de Calixto Bieito avec Marina Prudenskaya, Marina Rebeka, Yusif Eyvazov et René Pape ) la Norma de Sonya Yoncheva, le rare Schweigsame Frau (Thielemann/Gloger avec Peter Rose et Evelyn Herlitzius ) ou encore Samson et Dalila avec Roberto Alagna et Aigul Akhmetshina.
Tout le programme est à retrouver sur le site de l’Opéra d’Etat.

L’article Staatsoper Berlin 2025-26 : seulement cinq nouvelles productions est apparu en premier sur Forum Opéra.

Adresse : Staatsoper Unter den Linden, Bebelplatz, Unter den Linden 7, 10117 Berlin

Institution lyrique hébergée : Staatsoper Berlin

Site Web : https://www.staatsoper-berlin.de/de/

Année de construction : La première pierre a été posée en 1741, sous le règne de Frédéric II de Prusse (dont le nom apparaît sur le fronton du bâtiment). Objet de nombreuses phases de consolidation, restructuration, reconstruction et mises aux normes, la bâtiment actuel a été achevé et inauguré en 2017.

Architecte : C’est Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1699 -1753) qui a travaillé sous les ordres du roi de Prusse. C’est Richard Paulick (1903 – 1979) qui fut chargé en 1951 de la reconstruction à l’identique d’un bâtiment entièrement détruit par les bombardements du 3 février 1945.

Style architectural : néo-classique avec portique corinthien.

Répertoire de prédilection : Comme bon nombre d’institutions lyriques germaniques, le Staatsoper est une maison de répertoire. L’activité lyrique y est impressionnante et les levers de rideau se comptent par centaines chaque année. Outre les éternels grands classiques, souvent revisités par des mises en scènes contemporaines, on trouvera, programmées par les différents patrons de l’institution des œuvres d’aujourd’hui, voire des créations, commandes de la boutique.

Histoire : L’opéra d’État de Berlin doit beaucoup à Frédéric II de Prusse, dit Frédéric le Grand, né à Berlin et mort à Potsdam, monarque qui régna plus de 45 ans et qui conserve une formidable popularité en Allemagne et particulièrement dans sa ville natale. Monarque éclairé, dirait-on aujourd’hui, ami de Voltaire, bon flûtiste à l’occasion, il lui importait de doter sa ville natale d’un lieu où l’opéra serait dignement représenté. Ainsi naît le Hofoper (opéra de cour) qui va connaître au fil des siècles moult transformations. Détruit par un incendie en août 1843, il est reconstruit dès l’année suivante. Au lendemain du premier conflit mondial, l’opéra d’État devient Staatsoper Unter den Linden, sa dénomination actuelle, qu’il doit au nom de l’avenue où il se situe. Après la destruction de février 1945, il faudra attendre dix années pour que les autorités est-allemandes reconstruisent le bâtiment, inaugurée en 1955 par une représentation des Meistersinger von Nürnberg . Enfin les travaux de mises aux normes et de consolidations sont effectués entre 2010 et 2017.

Premier opéra représenté : Cleopatra e Cesare de Carl Heinrich Graun, le 7 décembre 1742. Pour l’inauguration du bâtiment rénové, Die Szenen aus Goethes Faust de Robert Schumann ont été données le 3 octobre 2017.

Meilleures places : Peut-on être mal placé au Staatsoper ? Le nombre relativement réduit de places (environ 1300, sensiblement moins qu’au Deutsche Oper) fait que, même au troisième balcon (il n’y a pas de poulailler, pas de place aveugle), le spectateur n’est jamais éloigné inconsidérément de la scène et de la fosse. Le premier balcon offre bien entendu le meilleur emplacement à tout point de vue (voir ci-après).

Acoustique : L’acoustique, suite aux travaux des années 2010, est en tout point exceptionnelle. On ne saurait toutefois trop recommander le premier balcon (face ou côtés) qui permet, notamment pour les œuvres où l’orchestration est « lourde », de parfaitement distinguer les différents pupitres.

Tarifs : Le point commun entre les trois places lyriques berlinoises (Staatsoper, Deutsche Oper et Komische Oper) est l’incroyable rapport qualité-prix. Certes les prix fluctuent beaucoup en fonction du calendrier (les premières sont forcément moins abordables), mais, en 2024, vous pouviez assister à une représentation de Die Frau ohne Schatten (Schager, Nylund) pour 80 € aux meilleures places ! Qui dit mieux ?

Anecdote : Il y a une vie sous les bâtiments somptueux de l’Opéra d’Etat. A peine franchie une porte discrète située au niveau de l’orchestre, vous plongez dans un labyrinthe où seuls les initiés réussissent à se repérer. C’est dans ce Nibelheim que vous accèderez aux bureaux techniques, administratifs et… aux loges des artistes. Si vous vous y aventurez, faites-vous accompagner par un bon cicérone, afin de ressortir au bon endroit et non pas de l’autre côté de l’avenue !

Vestiaire : A peine franchies les portes des contrôles, l’ouvreur ou l’ouvreuse vous indiquera « Garderobe rechts » ou bien « Garderobe links ». Vous descendrez alors, à main droite ou main gauche, deux magnifiques escaliers monumentaux qui vous conduiront aux vestiaires. Là on vous remettra, en échange de vos vêtements, les précieuses et mythiques médailles numérotés en laiton auxquelles plus d’une et plus d’un sacrifieraient leur étole ou leur chapeau pour repartir avec…

A l’entracte : Comme dans toute bonne institution lyrique allemande, vous utiliserez les entractes pour vous sustenter. Le mieux est de passer commande à l’avance dès votre arrivée, après avoir déposé vestes et manteaux. Vous aurez le choix entre deux ambiances ; dans les sous-sols, ambiance Kneipe, ou bien, au niveau du premier balcon, la somptueuse Apollosaal, où vous trouverez, parfaitement alignées sur une table ronde, la coupe de champagne et l’incontournable Bretzel que vous aurez préalablement commandées.

Le bémol : Si vous êtes assis à l’orchestre, au milieu du rang, essayez de ne pas arriver en retard après la coupe de champagne pour ne pas avoir à déranger tous ceux qui seront prudemment arrivés avant vous ; en effet, il n’existe pas d’allée centrale qui desservirait les deux rangées de fauteuils.

Le dièse : les Allemands d’aujourd’hui se rendent à l’opéra comme au bureau. S’il n’y a aucune chance de croiser de somptueuses robes de soirées ou de magnifiques queues de pie au Deutsche ou au Komische, la possibilité existe encore au Staatsoper, les soirs de première.

Accessibilité : Bien que le bâtiment ait conservé sa structure historique, les travaux de reconstruction ont bien entendu intégré la mise aux normes. Celle-ci permet d’accéder en fauteuil roulant au premier balcon et quasiment aux meilleures places.

Accès : Privilégiez le métro (U-Bahn) : Si le Deutsche Oper possède une station à son nom, le Staatsoper est accessible par plusieurs stations : sur la ligne 2 (U2), vous descendrez soit à Stadtmitte, soit à Hausvogteiplatz ; sur la ligne U6, descendez à Stadtmitte.

Boutique : elle se situe à gauche en entrant, avant de passer le contrôle des billets. Elle est étroite et assez sommairement achalandée.

Où dîner à proximité ? A la différence du Deutsche Oper, le Staatsoper ne possède pas son propre restaurant où l’on réservera une table pour échanger ses impressions ou…croiser les chanteurs. En sortant, il conviendra de se rapprocher de Gendarmenmarkt, où des restaurants, du plus simple aux plus raffinés, vous attendent.

Où dormir à proximité ? Restez du côté de Gendarmenmarkt après dîner et optez pour le fabuleux hôtel de Rome, si vos moyens vous le permettent, ou poussez du côté de Friedrichstrasse où le Leonardo Hotel-Berlin Mitte de la Bertolt Brecht-Platz vous attend.

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