Dès les premières mesures de l’œuvre – irrésistibles accords portés par les flûtes en bois – jusqu’à son terme, avec le legato des cordes en boyaux conférant une saveur singulière à l’apogée finale, c’est bien l’orchestre qui s’impose comme la véritable star de la soirée. Les musiciens réunis du Dresdner Festspielorchester et du Concerto Köln jouent avec un engagement total : on voit ces violoncelles sans pique, emmenés avec une discipline exemplaire par Moritz Kolb, ou ces violons à la cohésion remarquable derrière l’archet de Alexander Janiczek. On entend ces cuivres, tantôt tonitruants dans le spectaculaire deuxième acte, tantôt plus sombres et contenus, ou encore ce cor anglais de Lorenz Eglhuber, à la sonorité si chaleureuse et boisée. Qui aurait imaginé il y a quelques années une exécution sur instruments d’époque d’une telle solidité technique et si inspirée ? Geste précis, intervention mesurée, Kent Nagano maintient la tension, en privilégiant une lecture structurée et en modulant avec finesse les climats. Le chef sera chaleureusement applaudi, par le public et par ses musiciens.

La version de concert présentée ce soir permet à chaque spectateur d’observer ces détails orchestraux, tout en bénéficiant d’une écoute clarifiée, quelques gestes simples suffisant parfaitement à suivre l’action. La représentation prend par ailleurs une dimension presque spatialisée : certains protagonistes émergent du parterre pour déclamer leur texte, tandis que les chœurs se déploient en arrière-scène, avec également quelques solistes dispersés dans la salle. Les cors naturels résonnent en coulisse, tandis que trois joueurs de Stierhorn sont disposés dans différents balcons du Kulturpalast de Dresde, contribuant à un dispositif sonore particulièrement immersif.

© Oliver Killig

Åsa Jäger incarne une Brünnhilde d’une pureté inhabituelle, portée par une voix d’une insolente santé, au grave naturel et homogène, sans excès de poitrinage, et avec un aigu qui affronte sans peine les éclats du rôle. La soprano suédoise restitue en outre les exigences de la partition, des trilles aux gruppetti caractéristiques de son personnage et si chers à Wagner. Face à elle, Young Woo Kim campe un Siegfried fougueux, à la projection éclatante, qui confère au personnage une allure presque belcantiste. Le ténor coréen s’impose également comme un narrateur hors pair dans la grande scène de récit du troisième acte, dans laquelle Siegfried retrace ses aventures. En Hagen, Patrick Zielke fait preuve d’une grande finesse d’interprétation, privilégiant l’introspection et une présence presque intérieure du personnage, loin de toute brutalité démonstrative. La basse allemande, aux graves superbes et parfaitement projetés, aborde le rôle avec une retenue presque murmurée et presque inquiétante.

Johannes Kammler prête à Gunther un baryton au legato souple, en interaction toujours juste et sensible avec les autres personnages. Daniel Schmutzhard s’affirme en Alberich comme un excellent diseur, à la présence toujours mordante. Sophia Brommer donne à Gutrune une énergie franche et immédiate, portée par une voix à la fois claire et charnue. Moins ouvertement dramatique qu’à l’accoutumée, la Waltraute d’Olivia Vermeulen est d’une belle musicalité, avec un récit tout dans l’introspection. Les trois Nornes de Jasmin Etminan, Marie-Luise Dreßen et Valentina Farcas sont solidement incarnées, même si une projection un peu retenue en atténue un peu la dimension incantatoire. On retrouve enfin le vaillant trio des Filles du Rhin du premier épisode de ce Ring (Ania Vegry, Ida Aldrian et Eva Vogel), toujours d’un équilibre idéal et d’une présence scénique particulièrement vivante.

L’aventure de ce Ring historiquement informé n’est heureusement pas encore terminée. Viendront prochainement un enregistrement, réalisé au fil des dernières années, et puis une reprise complète du cycle en 2027, toujours en version de concert, au Konzerthaus de Vienne. Les spectateurs parisiens auront pour leur part la chance de découvrir ce magique Crépuscule des dieux pour l’ouverture de la saison 2026/2027 du Théâtre des Champs-Élysées.

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Pour les reprises, nous citerons Don Carlo avec Georg Zeppenfeld en Filippo II aux côtés de Stephen Costello dans le rôle-titre. Angel Blue fera ses débuts dans le rôle d’Elisabetta. Der Rosenkavalier est de retour avec Johanni van Oostrum dans le rôle de la Maréchale, La bohème avec Pene Pati , Die tote Stadt avec Klaus Florian Vogt et Camilla Nylund, Der Wildschütz de Lortzing avec Georg Zeppenfeld, ainsi que Parsifal avec Eric Cutler dans le rôle-titre. Eve-Maud Hubeaux sera Carmen dans la reprise de Nadja Loschky.
Tous les détails de  la saison sont à retrouver sur le site de l’opéra de Dresde.

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France

• Compiègne – mis à jour en 2024
• Dijon – 2020
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• Limoges – 2016
• Lyon – mis à jour en 2024
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• Paris (Salle Favart)– 2017
• Paris (Théâtre des Champs-Elysées) – mis à jour en 2024
• Rouen– 2015
• Saint-Etienne– 2018
• Soirées lyriques de Sanxay– 2017
• Strasbourg – 2015
• Thiré (Festival) – 2024
• Toulouse– 2017
• Versailles– 2016
• Vichy – 2016

Allemagne

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• Bad Kissingen (Kissinger Sommer) – 2015
• Bayreuth (Bayreuther Festspiele) – mis à jour en 2024
• Berlin (Deutsche Oper) – mis à jour en 2024
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• Dresde (Semperoper)– mis à jour en 2025
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• Munich (Bayerische Staatsoper) – 2015

Espagne

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Italie

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• Palerme (Teatro Massimo) – 2016
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• Venise (Fenice) – 2015
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Ailleurs en Europe

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• Londres (Royal Opera House) – mis à jour en 2024
• Liège (Opéra Royal de Wallonie) – mis à jour en 2024
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• Prague (Théâtre National) – 2015
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Amérique du Nord et autres continents

• Chicago – mis à jour en 2024
  
• Jérusalem (Festival d’opéra)– 2016
• Mascate (ROHM) – 2019
• New York (Metropolitan Opera)– 2016
• San Francisco– mis à jour en 2024
• Tel Aviv – 2016

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L’aspiration humaine à l’innocence retrouvée, telle que l’exprime la quatrième symphonie de Mahler, répond à ce vœu pieux. Chaque mouvement de cette partition, pensée comme un chemin vers l’apaisement, prépare le terrain pour le chant final qui décrit le paradis vu par un enfant. Le compositeur autrichien voulait une œuvre plus légère et plus accessible après les vastes dimensions et les effectifs massifs de ses symphonies précédentes. Cette légèreté, Fabio Luisi l’assume jusqu’à estomper l’ironie consubstantielle à la partition. De sa direction ressort d’abord l’élégance virevoltante d’un motif à l’autre à la manière d’une valse – viennoise forcément –, au gré d’un caprice dépourvu d’anxiété, mais non d’inquiétude. Pouvait-on rêver meilleurs musiciens que le NHK Symphony Orchestra pour traduire cette inquiète sérénité. L’éventail des nuances et l’équilibre des dynamiques préservent la transparence, sans écraser la ligne mélodique. Les changements soudains de mode majeur à mineur se font en douceur. La finesse d’articulation à laquelle parviennent les différents pupitres est remarquable de précision : les contre-chants des bois préfèrent une moquerie douce-amère au sarcasme ; les cuivres rayonnent avec parcimonie ; les cordes donnent du relief aux contrastes expressifs tout en préservant l’unité formelle de l’ensemble.

© Oliver Killig

Une telle lecture a pour avantage de ne jamais sombrer dans le caricatural – un des pièges tendus par cette écriture ambivalente, entre grincements et ravissement. Non qu’il y ait pour autant absence de tension – au contraire – ou d’équivoque, mais l’ambiguïté reste bienveillante, gracieuse a-t-on envie d’écrire car c’est dans un état de grâce que l’on accède à l’ultime mouvement – la vision enfantine du paradis. Ying Fang le chante d’une voix claire, toujours musicale. La ligne vocale est soutenue droite, sans vibrato excessif. Seul revers à ce parti pris d’un soprano léger, la projection dans le médium manque de corps. A rebours d’une idée reçue qui voudrait les chanteurs asiatiques moins expressifs, le texte, dans un allemand jugé « très correct » par un locuteur natif, est habillé d’intentions. Le dernier mot s’éteint dans un silence long et profond, de ceux qui signalent, dit-on, le passage d’un ange.

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Autre institution musicale emblématique Outre-Rhin : le Dresdner Kreuzchor, un des chœurs de garçons les plus anciens et les plus renommés au monde : huit siècles d’existence ; 125 membres de 9 à 19 ans formés dès le plus jeune âge au sein de l’école Kreuzschule, qui combine éducation générale et formation musicale intensive. Bien que principalement connu pour ses interprétations de musique sacrée protestante, quelques œuvres catholiques majeures, comme le Requiem de Mozart, appartiennent à son répertoire.

© Huy Nguyen Quang

Avouons-le :  nous étions de prime abord sceptique quant à l’impact d’une version chorale exclusivement masculine sur la théâtralité du chef d’œuvre religieux de Mozart – l’amateur d’opéra, coutumier des drames implacables, tend à préférer une interprétation secouée de frissons et de larmes. De fait, l’absence de voix féminines et de voix de basse à la maturité affirmée émousse les contrastes nécessaires à la violence sauvage du « Dies irae » ou à la confrontation entre damnés et élus dans le « Confutatis maledictis ».

Mais ce que l’on perd en clair-obscur, en vérité crue et en intensité dramatique, on le gagne en ligne et en lumière. Enraciné dans la tradition protestante saxonne, le Kreuzchor offre au Requiem une sobriété et une intériorité influencées par des siècles d’interprétation de musique sacrée allemande. Précision, pureté d’intonation et homogénéité enrichissent l’interprétation des polyphonies complexes de Mozart. L’accord entre les quatre solistes, dominé par l’expressivité séraphique de la soprano – Katharina Konradi – et le choix d’une basse au timbre clair, proche du baryton – Krešimir Stražanac –, la direction mesurée de Martin Lehmann à la tête d’une Dresdner Philharmonie réduite à une vingtaine d’instruments, achèvent de convaincre du bien-fondé d’une autre approche, plus introspective.

Finalement, le plus déconcertant dans ce concert est l’insertion d’œuvres d’Arvo Pärt entre les différents numéros du Requiem. Ce saucissonnage veut marquer un double anniversaire : les 80 ans de la fin de la seconde guerre mondiale en Europe et les 90 ans du compositeur estonien. Deux événements sans rapport aucun, tout comme il existe peu de correspondances entre les musiques de Mozart et de Pärt. Le collage, réalisé sans autre transition qu’un court temps de silence, n’apporte rien à l’œuvre de l’un comme aux pièces de l’autre – au contraire. Mais il donne à apprécier la riche diversité de la musique occidentale dans sa quête de spiritualité, la versatilité de la Dresdner Philharmonie et l’excellence du Kreuzchor, admirable notamment par sa tenue et sa longueur de souffle dans « Peace Upon You Jerusalem ».

© DR

De l’imprégnation de la tradition luthérienne allemande dans le tissu musical saxon, une nouvelle preuve était donnée à la Frauenkirche le lendemain en matinée à travers l’interprétation de quatre motets de Bach, émaillée d’un sermon et de prières. Matthias Grünert, premier cantor de la Frauenkirche depuis sa reconstruction en 2005, dirigeait de main amoureuse le chœur – une petite trentaine d’artistes amateurs – accompagné par l’ensemble maison, composé de musiciens issus de la Staatskapelle et de la Philharmonie de Dresde. Entièrement détruite lors des bombardements de 1945 et reconstruite après la réunification grâce à des dons venus du monde entier dans une volonté de paix, de pardon et de dialogue œcuménique entre les peuples, l’église accueille une fondation qui propose une centaine de concerts par an – en 2025 une attention particulière est portée à Bach pour le 275e anniversaire de sa mort. C’est ainsi que la Frauenkirche se pose en symbole de réconciliation dont la musique se fait le porte-parole. Messe ne saurait être mieux dite.

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Adresse : Theaterplatz 2 – 01067 Dresde

Institution lyrique hébergée : Semperoper Dresden, deuxième composante des Sächsiche Staatstheater (Théâtres de l’Etat de Saxe) avec le Schauspiel. Le bâtiment abrite également le ballet de l’opéra ainsi que son orchestre, la Sächsiche Staatskapelle Dresden.

Site web : www.semperoper.de

Année de construction : 1838 pour le premier bâtiment par Gottfried Semper ; 1871 pour le deuxième par son fils Manfred ; 1985 pour la reconstruction à l’identique après les bombardements de 1945 .

Style architectural : Style éclectique. Semper expliquait : « J’ai surtout voulu ne pas dissimuler la forme semi-circulaire de l’auditorium, une forme belle et variée en sanctionnée d’ailleurs par la tradition théâtrale » (à savoir la propension à édifier à l’époque des théâtres cubiques).

Répertoire de prédilection : La Semperoper aime mettre son riche passé en avant et se fait donc une spécialité dans le répertoire romantique allemand : Beethoven, Weber, Wagner ou Strauss. Le répertoire français, bien que présent, le montre moins à son avantage. La petite scène (Semper 2), davantage tournée vers la musique contemporaine, accueille souvent des raretés et des opéras de chambre.

Education : Si peu de représentations sont accessibles aux enfants dans la grande salle, la petite scène prévoit souvent des représentations destinées aux enfants : Pierre et le Loup ou Cendrillon de Prokofiev ainsi que la Princesse au petit pois d’Ernst Toch font partie du répertoire courant. Avec le programme « Kapelle für Kids », la Staatskapelle prévoit plusieurs fois par an des ateliers lors desquels les enfants peuvent faire plus ample connaissance avec des instruments de l’orchestre.

Histoire : Tout comme celle de la ville, l’histoire de l’Opéra de Dresde est aussi riche que mouvementée. Il est intéressant de noter, que l’orchestre de l’opéra, la Staatskapelle, est antérieur à l’institution qui l’abrite. Il est fondé en 1548 par Maurice, grand électeur de Saxe avec son premier chef Johann Walter, ami de Martin Luther, et est à ce titre l’un des orchestres les plus anciens au monde. Si de nombreux théâtres fleurissent déjà dans Dresde dès le 17^e siècle, il faut attendre 1838 pour que débute la construction du premier véritable opéra par Gottfried Semper, architecte renommé dans toute la Saxe. Le bâtiment est salué par la population dresdoise et voit de nombreux artistes internationaux s’y produire (parmi eux un certain Richard Wagner). Un premier incendie détruit complètement cette première version du bâtiment en 1869. On cherche rapidement un nouvel architecte pour sa reconstruction et les regards se tournent vers le vieux Semper. Celui-ci a néanmoins été banni de Saxe pour des « comportements radicalement démocrates » lors des manifestations de 1848. La famille royale de Saxe accepte après de nombreuses pressions de la population de gracier Semper et d’organiser son retour de Vienne. Cependant, le vieux lion est trop méfiant et préfère envoyer son fils ainé Manfred. Celui-ci sera donc chargé de diriger le chantier selon les plans de son père. L’opéra rouvre ses portes en grandes pompe et sous sa forme actuelle en 1878. Avec le bombardement de la ville de Dresde en février 1945, l’opéra est fortement endommagé et le bâtiment laissé à l’abandon, car ce n’est qu’en 1977 qu’est posée la première pierre pour une reconstruction d’après les plans de Gottfried et Manfred Semper. C’est enfin le 13 février 1985, quarante ans ans après sa destruction dans le bombardement que la « troisième » Semperoper accueille le public pour une représentation du Freischütz de Weber.

Premier opéra représenté : Der Freischütz de Carl Maria von Weber pour la réouverture de 1985

Créations marquantes :

Premières représentations des opéras de Richard Wagner :

• Rienzi en 1842
• Der fliegende Holländer en 1843
• Tannhäuser en 1845

Premières représentations des opéras de Richard Strauss:

• Feuersnot en 1901
• Salome en 1905
• Elektra en 1909
• Der Rosenkavalier en 1911
• Intermezzo en 1924
• Die ägyptische Helena en 1928
• Arabella en 1933
• Die schweigsame Frau en 1935
• Daphne en 1938

Mais aussi :

• Doktor Faust de Ferrucio Busoni en 1925
• Der Protagonist de Kurt Weill en 1926
• Cardillac de Paul Hindemith en 1926
• Penthesilea de Othmar Schoeck en 1927
• Thomas Chatterton de Matthias Pintscher en 1998
• Celan de Peter Ruzicka en 2001

Meilleures places : Evidemment, elles se trouvent dans la loge centrale, où elles peuvent exceptionnellement grimper jusqu’à 175 euros pour les opéras très demandés (Carmen. Mais consolons-nous, comme dans chaque théâtre à l’italienne, elles sont tout aussi excellentes (et bien moins chères) au deuxième ou troisième balcon ainsi que dans le parterre, si vous préférez être proche de la scène. Si vous avez une place au troisième ou quatrième balcon, attention à ne pas vous mettre trop sur le côté, la balance sonore y est parfois déséquilibrée. Avec 1400 places, ce n’est pas une très grande salle et le public est assez proche de la scène, même depuis le fond (il n’y a que 17 rangées dans le parterre).

Acoustique : Elle a été savamment travaillée par Semper et flatte particulièrement les voix. Celles-ci sont rarement couvertes par l’orchestre (même chez Wagner) et la qualité sonore des derniers balcons est peut-être encore meilleure que celle du parterre. Détail amusant : notez les conques ornant les loges des balcons qui servent à mieux répartir le son.

Tarifs : De 15 à 175 euros en fonction du spectacle et de la catégorie (moins de 100€ en moyenne). Pour certaines représentations, il est possible de se procurer des Stehplätze (places debout) quand l’espace n’est pas occupé par les éclairagistes.

Anecdotes : L’horloge située au-dessus de la scène a été fabriquée par la compagnie d’horlogers A. Lange & Söhne. Installée en 1841, son fonctionnement était révolutionnaire pour l’époque, ce qui fit d’elle la première horloge digitale de l’histoire. Sa raison d’être à l’origine aurait été d’éviter le claquement répété des montres à gousset, durant les réprésentations.
De nombreux allemands connaissent très bien la Semperoper sans jamais y avoir mis les pieds. En effet, le bâtiment est utilisé comme symbole de marque par la brasserie Radeberger, qui produit l’une des bières les plus distribuées en Allemagne.

Vestiaires : Les vestiaires se situent au rez-de-chaussée, sont gratuits mais obligatoires.

Toilettes : Au pied de chaque escalier montant au premier balcon pour les hommes, sur le même escalier après quelques marches pour les femmes.

A l’entracte : Promenez-vous dans le foyer en demi-lune, au niveau du premier balcon. Vous y profiterez de la vue sur la place du théâtre, avec à droite le Zwinger et en face la Hofskirche et le château. De part et d’autre du foyer, vous pouvez aussi admirer les élégantes colonnades des deux escaliers avec les fresques illustrant d’un côté les drames de l’Antiquité (Médée, Phèdre, Antigone…) et de l’autre les chefs-d’œuvre de l’époque moderne (Hamlet, Nathan, Tannhäuser…), les premiers destinés à éduquer la bourgeoisie, prétendument inculte, les seconds à instruire l’aristocratie, supposée réactionnaire. Vous pouvez aussi vous amuser à deviner les personnalités dont les bustes sont dispersés un peu partout dans l’opéra (chanteurs, compositeurs, chefs d’orchestre…).

Le bémol : Pour les amateurs d’un large répertoire, la programmation centrée sur le répertoire germanique traditionnel (Wagner, Strauss, Mozart…).

Le dièse : La cohésion artistique entre l’orchestre de la Staatskapelle de Dresde et la scène, fruit d’une longue histoire commune, qui garantit une exigence musicale constante, même dans les productions les plus discrètes.

Accessibilité : L’opéra est accessible aux personnes à mobilité réduite. Le bâtiment est équipé d’une rampe d’accès sur la droite et un ascenseur au fond des vestiaires à droite permet d’accéder à la salle sans devoir emprunter les nombreux escaliers.

Boutique : Une petite boutique (assez inintéressante) se trouve au niveau des vestiaires. Vous pouvez y acheter des CDs et DVDs de spectacles enregistrés à la Semperoper ainsi que quelques souvenirs musicaux de la ville.

Où dîner à proximité ?: Les amateurs de cuisine saxonne iront se restaurer en vieille ville, dans les restaurants qui entourent l’imposante Frauenkirche, à quelques centaines de mètres de l’opéra (essayez la Kurfürstenschänke). Pour de la restauration plus variée ou internationale, n’hésitez pas à aller de l’autre côté de l’Elbe dans la Neustadt où vous trouverez de nombreux bars et petits restaurants. Attention ! Les Allemands dinent tôt. Il y a peu de chance de trouver un restaurant ouvert le soir après le spectacle. Après 22 heures, tentez L’Opera Bar&Dining juste en face du Semperoper. Exceptés les traditionnels bretzels, le bar de l’opéra à l’entracte propose peu de victuailles.

Où dormir à proximité ?: Les hôtels dans le centre historique sont nombreux et proposent une palette de prix très large. Les budgets les plus modestes iront à l’Ibis de la Wilsdruffer Straße ou au Art’otel, juste derrière l’opéra. Viennent ensuite le Motel One et l’Hyperion, plus chers mais toujours aussi proches de la Semperoper. Enfin, pour les folies, il reste le Taschenbergpalais, dans lequel l’opéra loge ses invités d’honneur (Netrebko, Kaufmann, Thielemann etc.).

*** fiche mise à  jour par Christophe Rizoud en mai 2025 ***

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A Dresde, dans une nouvelle production de l’opéra de Gounod, c’est Valérie Eickoff qui interprète le rôle de Stephano. Cette jeune mezzo-soprano allemande, déjà récompensée par plusieurs prix, est membre de la troupe du Semperoper depuis 2024. L’aisance crâne avec laquelle elle interprète la chanson, son agilité, sa facilité à ornementer, la clarté et la brillance de son timbre, une prononciation convenable du texte captent l’attention. Sa présence, la manière dont le page de Roméo est habilement dessiné dans son espièglerie – et sa fatale inconséquence – en font un nom à suivre, assurément.

© Semperoper Dresden / Sebastien Hoppe

Si l’on s’attarde ainsi sur un rôle somme toute anecdotique, c’est parce qu’il s’agit du seul élément de la production qui ait trouvé grâce à nos yeux et à nos oreilles. Aucun des autres chanteurs, tous non francophones, n’a répondu à nos attentes – il est vrai plus exigeantes chez un auditeur français. Bien que la plupart des mots – voire la totalité pour certains – soit incompréhensible, il ne s’agit pas tant de diction que de style. Attaques imprécises, sons forcés, absence de demi-teintes, de phrasé, de couleurs, de modulations, d’intentions… D’un extrême à l’autre du paysage vocal, le soleil appelé de ses vœux par Roméo ne se lève pas. Était-il si difficile de trouver des interprètes mieux en phase avec les exigences de ce répertoire ?

D’une lenteur et d’une pesanteur lénifiante, la direction d’orchestre ne fait pas preuve de plus de pertinence stylistique. Fête, scènes intimes, moments de tension dramatique reçoivent un traitement identique, privés de respiration comme d’élan. Ni clarté, ni transparence – deux qualités essentielles à la musique française – mais une matière compacte à laquelle fait défaut le lyrisme délicat qu’exige la partition. Ceux qui à l’époque de la création dénonçaient les tendances wagnériennes de Gounod auraient trouvé dans cette interprétation de nouveaux arguments pour étayer leurs critiques.

Que la tragédie des amants de Vérone soit universelle et intemporelle, nul n’en doute. La mise en scène l’assène. Le drame se dissout dans un décor grisâtre – deux pans de murs pivotants percés d’arceaux qui portent préjudice à la projection des voix lorsqu’ils sont trop ouverts. Les costumes véhiculent la morosité des vêtements d’aujourd’hui : jean, tee-shirt et robe trop courte. A défaut d’idées, la projection en lettres capitales de phrases en anglais censément instructives – WHERE CIVIL BLOOD MAKES CIVIL HANDS UNCLEAN, à titre d’exemple – et l’utilisation de la vidéo durant le sommeil de Juliette, sans valeur théâtrale ajoutée, se veulent gages de modernité – et ils le sont dans ce que cette prétendue modernité a de plus vain.

A la Bastille il y a deux saisons, Juliette et Roméo avaient été sans raison abusivement spoliés de leur ultime réplique. A Dresde au moins, les deux amants meurent en chantant « Pardonnez-nous ! ». Maigre consolation.

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En France, Lyon le proposait il y a deux saisons. Notre dernier souvenir remonte à Anvers en 2013. Michael Spyres illuminait le rôle-titre – ce qui n´est pas sans peser sur nos impressions dresdoises.

Sur la scène du Semperoper, un récitant se charge de faire le lien entre les numéros. Jan Josef Liefers manie l’ironie avec brio ; la salle s’esclaffe, mais le choix d’une version de concert porte préjudice à l’intégrité dramatique de l’œuvre, transmutée en revue de music-hall. Au jeu du « trois petits tours, et puis s’en vont », se détachent d’abord les artistes pouvant conjuguer présence scénique, énergie communicative et voix de stentor – car il faut de la puissance pour s’imposer face à une Säschsiche Staatskapelle Dresden que la direction de Karen Kamensek ne cherche pas à brider.

Citons Tichina Vaughn à cheval sur deux registres – poitrine et tête – pour composer en souplesse une Old Lady explosive ; Christoph Pohl, imparable en Pangloss comme en Martin dans l’attention portée au texte et au chant à travers ses nuances, sa ligne et ses couleurs – « Dear Boy » idéal, long de souffle, railleur et affectueux à la fois – ; et dans une moindre mesure, car Maximilian et le Capitaine sont moins avantagés par la partition, Joshua Hopkins – magistral Almaviva dans Les Noces de Figaro au Met cette saison –, réjouissant de timbre, d’émission et d’intentions.

Excellent dans chacune de ses interventions, Aaron Pegram ferait un quarté de ce tiercé de tête s’il parvenait mieux à s’imposer face à l’orchestre. Le ténor se distingue sinon par sa clarté, sa souplesse, sa musicalité, son insolence aussi, et une diction particulièrement soignée – qualités qu’il met en valeur dans une sérénade du Gouverneur tout en finesse.

© Semperoper Dreden / David Baltzer

Cunégonde n’a plus de mystère pour Erin Morley. La soprano américaine avance en terrain conquis, dans sa langue maternelle, alliant l’à-propos scénique à une technique vocale d’une indiscutable précision. L’agilité et la fraîcheur intacte d’un timbre cristallin font merveille dans ce pastiche de bel canto qu’est « Glitter and Be Gay ». Si l’aigu demeure son royaume, le medium en revanche peine à franchir la rampe, notamment dans les ensembles, où la projection manque de corps.

L’expression, plus que la puissance, est l’obstacle sur lequel achoppe David Butt Philip. La voix, homogène sur toute la tessiture, franchit sans dommage le mur du son mais peine à traduire les affects de Candide, sauf à considérer le jeune homme introverti et timide. Tout semble chanté sur un même plan, sans les variations de lumière et la poésie qui caractérisent la plupart de ses airs. L’interprétation ne se libère que trop rarement, lorsque le ténor parvient à détacher les yeux de sa partition.

Omniprésent, l’orchestre, doublé d’un chœur pléthorique – une soixantaine de chanteurs –, prend le lead dès l’ouverture, pétaradante. Bois bavards, cuivres flamboyants, percussions facétieuses, cordes tantôt lyriques, tantôt grinçantes : chaque pupitre, en mouvement perpétuel, s’empare de la partition. Les scènes chorales reposent sur une structure rigoureuse, comparable à un édifice monumental dont les voix assureraient la stabilité et la cohérence. De la tendresse, voire de l’émotion, comme le voudrait « It Must Be So », la ballade de l’Eldorado ou le « Make our garden grow » final ? Non, mais de l’éclat, à faire trembler les murs, du brillant à faire pâlir les néons de Broadway, des contrastes dynamiques, un kaléidoscope de styles crânement assumé sans jamais sombrer dans l’hétéroclite. De ce feu d’artifice sonore jaillit un théâtre auquel il est impossible de résister. Dans la salle, les mains battent la mesure en catimini, les pieds marquent le rythme, indifférents à la gêne que cette manifestation de plaisir peut causer à leurs voisins. C’est debout que le public termine la soirée.

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