La très belle scénographie d’Erlend Birkeland nous transporte dans une artère traditionnelle de Maruyama, le quartier des maisons closes de Nagasaki. Cette rue est projetée en avant-scène, privant l’espace de perspective, de toute issue. Cio Cio San évolue donc pendant toute la représentation dans une boîte où elle est déjà enfermée, avant même que Pinkerton ne l’épingle à son tableau de chasse d’entomologiste. Les maisons voisines permettent de découvrir le quotidien trivial de ces femmes soumises aux désirs lubriques des étrangers. Ainsi, même sans actualisation de la mise en scène, la double domination sexuelle et colonialiste dont est victime Butterfly se trouve-t-elle parfaitement rendue.

Dans le même temps, l’architecture des maisons traditionnelles japonaises, leurs panneaux coulissants, les ombres qu’on y devine, favorisent naturellement les jeux de dedans/dehors, de caché/dévoilé et partant, l’exposition de l’intime dont Sofia Adrian Jupither use avec un talent consommé. Le rendu final s’avère extrêmement esthétique, mais sans ostentation, avec, plutôt, un certain réalisme y compris dans les kimonos aux couleurs passées.

© Kungliga Operan/Sören Vilks

Hormis l’apparition de Kate Pinkerton, aussi obscure que la présence d‘Alice Sjölin est lumineuse avec ses manches gigot et sa jupe à cerceau (tellement 1820), nous nous trouvons au cœur d’une estampe quelque peu surannée, embellie par de très jolies harmonies lumineuses et colorées. Cet espace clos, fané, dit bien le monde en déliquescence où Pinkerton s’impose en conquérant. Dmytro Popov, son interprète, porte beau son odieuse confiance en lui, nous faisant profiter d’une émission nette, d’un phrasé intelligent au beau métal. Son duo avec Cio Cio San est superbe et glaçant tant la concupiscence de l’homme est évidente face à la pudeur de la jeune fille.

© Kungliga Operan/Sören Vilks

C’est elle, naturellement, en la personne d’Izabela Matuła, qui occupe l’espace du début à la fin de l’œuvre, avec une montée en puissance vocale formidablement maîtrisée. Technique impeccable, la soprano joue des couleurs en virtuose pour donner une dimension tour à tour juvénile ou déchirante à son personnage. Les notes poitrinées sont prenantes, le focus de l’aigu excellent.

Comme la veille, il faut saluer la direction d’acteurs au cordeau qui individualise chaque membre du chœur, chaque figurant ; qui donne aux personnages principaux une épaisseur, une justesse scénique évidente. Si la voix si large de Katarina Leoson manque de focus pour une Suzuki un peu en retrait, Sharpless, bellement interprété par Karl-Magnus Fredriksson, bénéficie d’une progression émotionnelle hautement convaincante tandis que Jonas Degerfeldt campe un Goro odieux à souhait. Comme l’ensemble de la distribution, il jouit d’une excellente diction qui rend le texte totalement audible.

L’orchestre, enfin, est à son meilleur sous la direction voluptueuse d’André Callegaro. Là encore, soulignons – comme chez les solistes – le superbe travail des nuances, des couleurs et un art consommé de l’installation des atmosphères qui culmine dans le somptueux passage orchestral de l’acte III, magnifié par cette nuit qui passe, par l’immobilité des personnages. Toute la pulsation de la vie réside alors dans la musique et le spectateur en est profondément touché.

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La reprise d’une mise en scène vieille de près de quinze ans pourrait se révéler périlleuse, mais force est de constater que les choix de Marco Arturo Marelli, également en charge de la scénographie et des lumières, n’ont guère pris de rides.

La Première a eu lieu le 26 avril dernier, comme un clin d’oeil, cent ans jour pour jour après la création milanaise. Le rideau se lève sur un Puccini malade qui trouve l’inspiration à son ultime chef-d’œuvre à l’écoute d’une boite à musique chinoise.

Le jeu de miroir entre l’Orient et de l’Occident sert de fil rouge à toute la représentation. C’est l’interprète de Calaf qui endosse le rôle du compositeur. Tout comme son père, Liù et le choeur – aux oripeaux nettement sixties –, il porte un costume occidental, contrairement à Turandot et sa suite.

Les décors suivent la même dichotomie, avec un fond de scène flanqué de grandes fenêtres d’hôtel particulier, alors que Turandot, elle, entre côté jardin, par d’immenses portes bleues chinoises à la dimension sexuelle parlante. Elles évoquent la Nana géante de Niki de Saint Phalle, Elle – Une Cathédrale exposée en1966 au Moderna Museet de la capitale suédoise.
D’ailleurs, c’est par cet accès que le couple part consommer son amour avant de revenir s’asseoir sur une table éminemment bourgeoise. Nous comprenons alors que ce n’est plus Calaf et Turandot qui sont unis dans le final, mais bien Puccini et son héroïne.

Les ruptures de ton sont constantes et nourrissent le plaisir du spectateur : au choeur de la lune tout de poésie, éclairé aux lanternes succède danse et acrobaties ; un jeu de panneaux coulissants latéraux, fort habile, fait entrer et sortir le chœur de ce monde tout de guingois tandis que des accessoires, eux, sortent du sol… La palme revient aux trouvailles hilarantes du trio Ping, Pang Pong qui se font laborantins pour plonger les têtes des prétendants malheureux dans le formol.

 © Kungliga Operan/Sören Vilks

L’agrément est redoublé par une direction d’acteurs extrêmement soignée qui donne relief et profondeur au cast réuni avec une intelligence parfaite tant les voix sont en adéquation avec leurs rôles.
Si l’on peut reprocher dans la première partie à Daniel Johansson des aigus qui reculent, cela s’explique ensuite puisqu’en début de seconde partie, il est annoncé souffrant. Il s’en trouve comme libéré, assumant splendidement le Nessun Dorma. Il faut dire que ce chanteur jouit d’un timbre superbe déjà salué en France par nos confrères, d’une excellente projection dont il abuse parfois au détriment des nuances.

Face à lui, Elisabet Strid compose une Turandot absolument magnifique, au timbre somptueux, pleine d’autorité et de puissance, touchante dans ses doutes, main tremblante mais voix assurée et comme son compagnon, excellente comédienne. Elle est seulement desservie par une robe à la coupe fort peu seyante, qu’en treize ans l’on aurait pu remplacer !

Liu. Interprétée par Magdalena Risberg, complète ce trio en remplacement d’Ida Falk Winland, malade. La soprano bénéficie d’une jolie voix bien projetée et d’une grande pureté. Quel dommage qu’elle ne puisse s’empêcher d’osciller d’un pied sur l’autre. Un ancrage physique supplémentaire lui donnerait tellement plus de force émotionnelle ! Ceci dit, ses airs sont émouvants et fort bien interprétées.

Le réjouissant contrepoint formé par les Ping, Pang, Pong d’Ola Eliasson, Wiktor Sundqvist et Niklas Björling Rygert fonctionne idéalement. A la fois d’excellents chanteurs et comédiens, entre tasse de thé et saké bien bien tassé, leurs interventions sont très précisément chorégraphiées, avec des jeux ternaires en cascades calés sur la musique. Kristian Flor, le roi des tartares tout comme Johan Edholm en mandarin, complètent avantageusement la distribution pour une soirée d’un beau classicisme.

Sous la direction survitaminée de Tobias Ringborg, le choeur et l’orchestre de l’Opéra Royal de Suède sont très en place, équilibrés, impeccables de textures et d’engagement. Certains passages gagneraient en finesse avec moins de volume mais l’intensité du bain sonore reste tout de même assez jouissif pour l’auditeur.

Une reprise sans usure, donc, brodée au petit point, à découvrir jusqu’au 9 juin en même temps qu’une ville passionnante à quelques encablures de la France.

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Remise par le roi de Suède Carl XVI Gustaf du prix Birgit Nilsson à la maire d’Aix-en-Provence, Sophie Joissains, et au président du Festival d’Aix-en-Provence, Paul Hermelin. A droite, la présidente de la Fondation Birgit Nilsson, Susanne Rydén © Yanan Li

Mais la Fondation ne se limite pas à ce prix. Patrimoine, éducation et mémoire sont mis en jeu à travers de multiples initiatives, telles la conversion de la maison natale de Birgit Nilsson en musée – à Svenstad –, des masterclasses de chant, des expositions iconographiques (par exemple à Stockholm en 2018, pour le centenaire de sa naissance) ou encore la publication d’ouvrages et de coffrets discographiques retraçant la carrière de la chanteuse. Le Stipendium Birgit Nilsson continue de soutenir de jeunes chanteurs suédois. Sa bourse annuelle s’élève à la coquette somme de 250.000 couronnes suédoises (un peu plus de 22.000 euros). La dernière lauréate, la jeune soprano Karolina Berngtsson était invitée l’été dernier à Båstad. Cette petite ville-côtière de la péninsule de Bjäre, au bord de la mer d’Öresund (entre la Suède et le Danemark) célèbre depuis 2018 Birgit Nilsson à travers un festival estival qui porte son nom. L’édition 2026, du 2 au 8 août, culminera avec une représentation en plein air du Vaisseau fantôme de Richard Wagner portée par une distribution prestigieuse : Elisabet Strid, Christopher Maltman, Stanislas de Barbeyrac, Günther Groissböck… (plus d’informations).

Båstad vu du ciel avec, au centre de la photo, le cours de tennis de Bāstad, transformé en théâtre de plein air chaque été durant le Birgit Nilsson Festival 
© Johan-Lilja

En 2019, la fondation a été placée sous l’égide de l’Académie royale de musique de Suède (Kungl. Musikaliska Akademien) et a adopté son appellation actuelle (Birgit Nilsson Stiftelse). Son rayonnement ne se veut pas moins international, car les défis qu’elle relève n’ont pas de frontières. Au moment où la musique classique et l’art lyrique font face à de nouvelles problématiques – évolution des publics, renouvellement du répertoire, numérisation, contraintes économiques, écologistes et sociétales –, l’un de ses enjeux est d’ouvrir davantage encore les horizons : encourager la création contemporaine, soutenir la transmission, accompagner les institutions innovantes, favoriser une diversité d’approches…

Ainsi, l’héritage de Birgit Nilsson ne se résume pas à une voix d’exception, mais à l’élan qu’elle inspire encore à ceux qui façonnent l’opéra de demain.

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La remise du prix a eu lieu en présence des souverains de Suède, le roi Carl XVI Gustaf et la reine Silvia, lors d’une soirée de gala où se sont succédé discours et musique. Un hommage émouvant a été rendu à Pierre Audi, directeur historique du Festival d’Aix-en-Provence, qui avait appris la distinction quelques semaines avant sa disparition. Sur scène, Susanna Mälkki dirigeait le Royal Stockholm Philharmonic et le Royal Swedish Opera Chorus dans quelques pages emblématiques du répertoire. Parmi les temps forts : la sérénade de Don Giovanni et la Romance à l’étoile de Tannhäuser, hissées à la hauteur de l’événement par le baryton suédois Peter Mattei. Les lauréats de la bourse Birgit Nilsson étaient aussi à l’honneur : la soprano Matilda Sterby (2024) a interprété un extrait d’Innocence, l’opéra de Kaija Saariaho créé avec le succès que l’on sait au Festival d’Aix-en-Provence en 2021, tandis que le ténor Daniel Johansson (2009) a bravement affronté le finale du dernier acte de Tannhäuser. La cérémonie était diffusée en direct et peut être visionnée dans le monde entier sur Konserthuset Play pendant trente jours.

Récompenser un festival représente une évolution notable du Prix Birgit Nilsson. Elargir son horizon aux institutions capables de créer, commander et diffuser l’opéra envoie un signal fort : la vitalité de l’art lyrique ne tient plus seulement aux artistes mais aussi aux structures et à la création.

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France

• Compiègne – mis à jour en 2024
• Dijon – 2020
• Lille – 2016
• Limoges – 2016
• Lyon – mis à jour en 2024
• Marseille – 2017
• Massy – mis à jour en 2024
• Nancy – 2016
• Nantes – 2017
• Paris (Bastille) – 2016
• Paris (Châtelet)– 2019
• Paris (Palais Garnier)– 2015
• Paris (Salle Favart)– 2017
• Paris (Théâtre des Champs-Elysées) – mis à jour en 2024
• Rouen– 2015
• Saint-Etienne– 2018
• Soirées lyriques de Sanxay– 2017
• Strasbourg – 2015
• Thiré (Festival) – 2024
• Toulouse– 2017
• Versailles– 2016
• Vichy – 2016

Allemagne

• Baden-Baden (Festspielehaus) – 2015
• Bad Kissingen (Kissinger Sommer) – 2015
• Bayreuth (Bayreuther Festspiele) – mis à jour en 2024
• Berlin (Deutsche Oper) – mis à jour en 2024
• Berlin (Staatsoper) – 2025
• Dresde (Semperoper)– mis à jour en 2025
• Francfort (Oper Frankfurt)– 2015
• Karksruhe (Internationale Händel Festspiele) – 2017
• Munich (Bayerische Staatsoper) – 2015

Espagne

• Barcelone (Liceu) – mis à jour en 2024
• Madrid (Teatro Real) – 2015
• Peralada (Festival)– 2017

Italie

• Milan (Teatro alla Scala) – mis à jour en 2024
• Naples (Teatro San Carlo) – 2016
• Palerme (Teatro Massimo) – 2016
• Parme (Teatro Regio) – 2017
• Turin (Teatro Regio) – 2024
• Venise (Fenice) – 2015
• Vérone (Festival Arena di Verona) – 2024

Ailleurs en Europe

• Båstad (festival en hommage à Birgit Nilsson) – 2025
• Bruxelles (La Monnaie) – 2015
• Garsington Oper– 2015
• Harrogate (Gilbert & Sullivan) – 2015
• Londres (Royal Opera House) – mis à jour en 2024
• Liège (Opéra Royal de Wallonie) – mis à jour en 2024
• Monte-Carlo – 2016
• Prague (Théâtre National) – 2015
• Prague (Summer Nights) – 2017
• Stockholm (Kungliga Operan) – mis à jour en 2025
• Tiroler Festspiel Erl – 2025
• Vienne (Staatsoper) – 2015
• Verbier (Festival) – 2016
• Zurich (Opernhaus) – mis à jour en 2024

Amérique du Nord et autres continents

• Chicago – mis à jour en 2024
  
• Jérusalem (Festival d’opéra)– 2016
• Mascate (ROHM) – 2019
• New York (Metropolitan Opera)– 2016
• San Francisco– mis à jour en 2024
• Tel Aviv – 2016

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***

Adresse : Gustav Adolfs torg 2, 103 22 Stockholm.

Institution lyrique hébergée : Kungliga Operan (Opéra Royal de Stockholm).

Site Web : www.operan.se

Année de construction : 1892, inauguré le 19 septembre 1898.

Architecte : Axel Anderberg.

Style architectural : néo-renaissance à l’extérieur ; néo-baroque à l’intérieur.

Répertoire de prédilection : pas de préférence avouée mais avantage au répertoire germanique avec la Tétralogie représentée une centaine de fois, de 1895 à 2017.

Education : des spectacles à destination du jeune public sont proposés chaque saison. Des billets à demi-tarif sont réservés aux étudiants.

Histoire : Tout démarre avec le roi de Suède, Gustav III (1746-1792), dont l’assassinat lors d’un bal masqué le 16 mars 1792 à l’endroit même où se trouve l’opéra aujourd’hui inspira Verdi et Auber. Bien avant d’être poignardé par d’infâmes conspirateurs (et sans lien de cause à effet), ce monarque, épris de théâtre lyrique, avait décidé d’établir de manière permanente une troupe de chanteurs en Suède et d’édifier sur ses propres deniers une maison d’opéra pour les accueillir. Confié à l’architecte Carl Fredrik Adelcrantz, inauguré le 30 septembre 1792, le bâtiment dont la salle blanche, bleue et or pouvait contenir 948 spectateurs, fut longtemps considéré comme un des plus beaux monuments de Stockholm. Devenu vétuste, cet édifice fut démoli à la fin du 19e siècle pour laisser place à l’actuel. Sept années furent nécessaire pour en mener à terme la construction, de 1892 à 1898, année de son inauguration. D’une exubérance décorative conforme au goût de l’époque, ce nouvel opéra se veut alors le symbole d’une royauté rayonnante (ainsi qu’en témoigne dans la salle la loge royale placée côté cour à la vue de tous). Le marbre de Norvège, utilisé dans le hall d’entrée, symbolise l’union entre les deux pays. L’auditorium, d’une capacité de 1100 sièges, est dominé par un lustre de deux tonnes. Une fresque de Vicke Andrén en décore le plafond. En 1989, une rénovation intérieure totale a rendu à l’opéra son lustre initial.

Premier opéra représenté : Cora och Alonzo, un opéra de Johann Gottlieb Naumann (1741-1801), le 30 septembre 1782. L’édifice actuel fut inauguré le 29 septembre 1898 avec des extraits d’opéra de deux compositeurs suédois – Frondörerna d’Adolf Fredrik Linblad (1801-1878), Estrella de Soria de Franz Berwald (1796-1868) – ainsi qu’une cantate à la gloire de l’ancien bâtiment, commandée à Ivar Hallström (1826-1901).

Créations marquantes (depuis la réouverture) : Pas de création d’œuvres qui soient depuis entrées au répertoire mais une volonté, conforme au vœu de Gustave III, de développer une école nationale avec dès la saison initiale les premières représentations de Tirfing, un opéra de Wilhelm Stenhammar (1871-1927), et de Valdemars skatten, composé lui par Andreas Hallén (1846-1925). Cette volonté perdure avec, par exemple, ce mois d’octobre, Dracula, un opéra en suédois commandé à la compositrice d’origine russe vivant en Suède Victoria Borisova-Ollas (1969).

Meilleures places : comme souvent, dans les théâtres à l’italienne, les premiers rangs du paradis sont recommandés d’un point de vue acoustique ; les sièges face à la scène au centre du parterre et dans les étages supérieurs d’un point de vue visuel.

Acoustique : de bonne à moins bonne selon la place occupée (voir ci-dessus), de toute façon concentrée compte tenu de la dimension réduite de la salle, flatteuse pour les voix, moins confortables pour les chanteurs privés de retour.

Tarifs : plus que raisonnables, surtout si on les compare au coût de la vie, particulièrement onéreux en Suède : de 55 SEK à plus de 1000 SEK, soit environ de 6€ à 100€ la  place.

Anecdote : Dans l’auditorium, la loge royale est aujourd’hui encore réservée à l’usage exclusif de la famille régnante, peu intéressée par l’opéra ou très occupée, quoi qu’il en soit peu encline à partager ses privilèges, si l’on en juge à son occupation totalement vide les cinq soirs où nous étions présent. Dans la salle toujours, lever le nez pour examiner au plafond la fresque de Vicke Andrén. Un des chérubins représenté par le peintre tient en sa main le plan de l’édifice.

Détail de la fresque au plafond de la salle peint par Vicke Andrén © Christophe Rizoud

Vestiaire : à chaque étage, payant (1€ environ par objet), non expérimenté lors de notre venue compte tenu des températures estivales (si, si, c’est possible en Suède aussi ; le réchauffement climatique n’épargne aucun pays)

Toilettes : à chaque étage, côté jardin pour les hommes et cour pour les femmes mais en nombre insuffisant dans les deux cas ; prévoir un peu d’attente, prendre ses précautions avant le spectacle et ne pas abuser de boissons diurétiques à l’entracte (voir ci-dessous)

A l’entracte : nombreux bars à chaque étage avec grand choix de boissons et de friandises sucrées et salées, quelques sandwiches et même des cocktails servis sur les terrasses en été. Pour éviter l’affluence, un système de commande avant le spectacle ou – mieux – en ligne sur le site de l’opéra permet de réserver son en-cas et d’être servi sur un mange-debout individuel marqué d’un numéro (non expérimenté mais a priori assez efficace).
Ne pas manquer de déambuler dans le foyer imité du Palais Garnier, en beaucoup moins long, pour admirer les fresques de Carl Larsson, le travail sur les stucs dorés au mur et au plafond, les lustres en cristal, les miroirs, les rideaux de brocard florentin et, parmi les bustes exposés, celui de Jenny Lind (1820-1887), soprano surnommée le « rossignol suédois » pour laquelle Verdi composa le rôle d’Amelia dans I masnadieri (1847).

Le bémol : l’absence de surtitres en anglais et d’une manière générale une signalétique en suédois seulement qui complique toute quête d’information.

Le dièse : la taille raisonnable de la salle (1100 places) avec une fosse suffisamment large pour accueillir un orchestre wagnérien.

Accessibilité : comme tous les bâtiments de cette époque, beaucoup d’escaliers. Des places pour personnes à mobilité réduite sont cependant réservées au parterre.

Accès : pas facile en voiture, l’opéra étant situé au centre de Stockholm et les embouteillages fréquents compte tenu de la géographie de la ville (un archipel de 14 îles). Préférez la marche ou les transports en commun (métro Kungsträdgården)

Boutique : La billetterie à gauche en entrant dans le bâtiment vend quelques livres et CDs ainsi qu’un magnet maison. Pas de quoi faire des folies.

Où dîner a proximité ? Bakfickan, au pied de l’opéra, à gauche quand on regarde le bâtiment, face à la Jacobs kyrka (église Saint Jacques), sert avant et après le spectacle, dans la limite d’horaires raisonnables (mieux vaut s’en assurer au préalable) une cuisine locale à des prix locaux, c’est-à-dire pas bon marché. Mais le service est stylé, le pain excellent et le saumon fumé légèrement salé un des meilleurs qu’il nous ait été donné de manger durant notre séjour. En été, terrasse calme et agréable avec vue sur la façade écarlate de l’église. De l’autre côté de l’opéra, symétriquement opposé au précédent, Brasseriet, également en charge de la restauration durant l’entracte (voir plus-haut), peut représenter une alternative moins gourmande mais aussi onéreuse. Terrasses également en été mais plus bruyantes, dont deux à l’étage du foyer accessibles de l’intérieur de l’opéra (voir plus haut). Pour rester dans l’esprit décoratif de l’opéra, on peut réserver à cinq minutes de marche une table à Asiatiska, un des restaurants de l’hôtel Berns. Nourriture asiatique comme son nom l’indique, pas forcément inoubliable, mais servie dans une ambiance modeuse et une débauche de stucs et de dorures qui rendent le repas mémorable. Là encore, prix en conséquence.

Où dormir à proximité ? Quitte à faire des folies, pourquoi pas l’Hotel Berns justement qui allie le luxe à la patine d’un établissement chargé d’histoire. Josephine Baker, Liza Minnelli, Frank Sinatra et Marlene Dietrich ont chanté en ses murs. Toujours à des tarifs déraisonnables, At Six, à une enjambée de l’opéra, offre un confort d’une modernité incontestable (l’établissement vient d’ouvrir) juste au-dessus d’une galerie marchande où l’on peut déguster des muffins meilleurs qu’à New York (American cookie). Pour les budgets plus serrés, Le Routard conseille dans la vieille ville à quinze minutes maximum à pied de l’opéra, l’Archipelago Hostels, une auberge de jeunesse à l’atmosphère « cool et plutôt jeune ». A tout prendre, dans la même gamme et à distance égale, on préférerait le Chapman, un ancien navire école de la Marine suédoise, amarré à la petite île de Skeppsholmen et transformé en auberge de jeunesse en 1949 (mais que l’on se rassure, rénové depuis).

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