Dans le même entretien, Loebe racontait que son jeune chef, de retour de concerts avec des phalanges prestigieuses, l’appelle parfois pour lui assurer que l’orchestre de Francfort est bien meilleur. Cela n’empêche pas Guggeis de réclamer dix postes de musiciens supplémentaires, et les arguments ne lui manquent pas. Comme nous le rappelions récemment, Opernwelt l’a désigné chef de l’année, et la formation remporte pour la troisième fois d’affilée le titre d’orchestre de l’année.

Prochaine occasion d’en juger : le 8 novembre, Guggeis dirigera une rareté française encore jamais donnée à Francfort, Le Roi Arthus d’Ernest Chausson. Seul opéra achevé de Chausson, l’ouvrage fut créé à la Monnaie de Bruxelles en 1903, quatre ans après la mort accidentelle du compositeur. Il raconte comment la passion de Lancelot et Genièvre précipite la ruine de la Table ronde. L’ombre de Tristan plane sur la partition, mais Chausson s’affranchit peu à peu de son modèle jusqu’à l’apothéose finale d’Arthus. L’orchestration, aux couleurs somptueuses, annonce parfois Debussy. Nos lecteurs connaissent bien l’œuvre : nous lui avons consacré cinq clés pour mieux l’appréhender, puis une page de notre Discothèque idéale, autour de l’enregistrement de référence d’Armin Jordan.

Cette nouvelle production, partagée avec le Théâtre national de Prague, sera mise en scène par Manuel Schmitt. Domen Križaj, que nous avions applaudi dans le rôle-titre à Erl en 2022, y retrouvera Arthus, aux côtés de Magdalena Hinterdobler (Genièvre) et Thomas Blondelle (Lancelot).

Et ce n’est pas fini : la saison s’annonce faste, décidément, pour Le Roi Arthus. Du 23 avril au 2 mai 2027, l’Opéra national du Capitole de Toulouse inscrira à son tour l’œuvre à son répertoire, dans une mise en scène d’Aurélien Bory qui réutilisera notamment des éléments de décor de ses précédentes productions de Parsifal et du Château de Barbe-Bleue. Sous la direction de Victorien Vanoosten, Stéphane Degout abordera le rôle-titre, entouré de Catherine Hunold en Genièvre et Bror Magnus Tødenes en Lancelot (plus d’informations).

De Francfort à Toulouse, l’occasion de mesurer ce qui, chez Chausson, échappe à la tutelle wagnérienne.

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Aux côtés d’une saison chorégraphique qui mettra à l’honneur George Balanchine et Peter Martins, Hans van Manen et Edward Clug et proposera également une création de Benjamin Pech (Les Trois Mousquetaires) et un spectacle jeune public autour de la figure du Petit chaperon rouge (musique Benoît Menu, chorégraphie Andreas Heise), la saison des récitals, proposée à un tarif défiant toute concurrence (20 euros la place, et ça descend même à 5 euros pour les Midis du Capitole, qui permettront tout de même d’entendre Sandrine Piau et David Kadouch, Jean-François Lapointe ou Rose Naggar-Tremblay) confirme les ambitions de la maison en la matière : au programme, rien moins que  Rachel Willis-Sorensen, Joseph Calleja ou encore Asmik Grigorian, qui se souvient être venue enfant à Toulouse, quand son père, le ténor Gegam Grigorian, y chantait. Encore une histoire de retrouvailles !

La réservation pour les abonnements ouvrira dès le 31 mars sur le site de l’Opéra National Capitole de Toulouse

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Thomas Adès
The Exterminating Angel par Christophe Rizoud

Daniel-François-Esprit Auber
La Muette de Portici par Christophe Rizoud

Béla Bartók
Le Château de Barbe-Bleue par Laurent Bury

Vincenzo Bellini
Beatrice di Tenda par Christophe Rizoud

George Benjamin
Written on Skin par Laurent Bury

Georges Bizet
Le Docteur Miracle par Christophe Rizoud

Walter Braunfels
Die Vögel (Les Oiseaux) par Christophe Rizoud

Benjamin Britten
Mort à Venise par Christophe Rizoud

Marc-Antoine Charpentier
David et Jonathas par Christophe Rizoud

Ernest Chausson
Le Roi Arthus par Christophe Rizoud

Luigi Cherubini
Médée Par Laurent Bury

Paul Dukas
Ariane et Barbe-Bleue par Laurent Bury

Gaetano Donizetti
Anna Bolena par Christophe Rizoud
Don Pasquale par Christophe Rizoud
La Favorite par Christophe Rizoud
Lucrezia Borgia par Christophe Rizoud
Roberto Devereux par Christophe Rizoud

Christoph Willibald Gluck
Armide par Christophe Rizoud

Charles Lecocq
Le Docteur Miracle par Christophe Rizoud

Franz Lehár
Giuditta par Christophe Rizoud

Albéric Magnard
Guercœur par Christophe Rizoud

Jules Massenet
Cendrillon par Christophe Rizoud

Pietro Mascagni
Cavalleria rusticana par Christophe Rizoud

Giacomo Meyerbeer
L’Africaine par Christophe Rizoud
Les Huguenots par Laurent Bury
Le Prophète par Christophe Rizoud

Modeste Moussorgski
Boris Godounov par Laurent Bury

Wolfgang Amadeus Mozart
Cosi fan tutte par Laurent Bury

Jacques Offenbach
Fantasio par Christophe Rizoud
La Grande-Duchesse de Gérolstein par Laurent Bury
Le Voyage dans la Lune par Christophe Rizoud
Les Brigands par Christophe Rizoud

Sergueï Prokofiev
L’Ange de feu par Laurent Bury

Giacomo Puccini
La rondine par Christophe Rizoud

Jean-Philippe Rameau
Hippolyte et Aricie par Christophe Rizoud
Les Indes galantes par Laurent Bury

Aribert Reimann
Lear par Laurent Bury

Wolfgang Rihm
Jakob Lenz par Laurent Bury

Nikolaï Rimski-Korsakov
Snégourotchka par Laurent Bury
Le Conte du Tsar Saltan par Christophe Rizoud

Gioachino Rossini
Moïse et Pharaon par Maurice Salles
Otello par Christophe Rizoud

Camille Saint-Saëns
Samson et Dalila par Christophe Rizoud

Giuseppe Verdi
Ernani par Laurent Bury
Giovanna d’Arco par Christophe Rizoud

Richard Wagner
Rienzi par Laurent Bury

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Gino Quilico (Arthus), Teresa Żylis-Gara (Genièvre), Gösta Winbergh (Lancelot), Gérard Friedmann (Lyonnel), René Massis (Mordred), Gilles Cachemaille (Merlin), François Loup (Allan), Thierry Dran (Un Laboureur) – Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, Chœurs de Radio France, direction : Armin Jordan

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L’académie accueille des professeurs primus inter pares qui, le soir venu, régalent les spectateurs de leur talent. C’est le cas sur les hauteurs, dans l’église Saint-Pierre de Saint-Pée-sur-Nivelle pour une séduisante proposition autour d’Ernest Chausson et de César Franck.

Barbara Hannigan propose d’abord une brassée de mélodies d’une belle intériorité. La soprano y offre son timbre capiteux, à la projection percutante, à la proverbiale conduite de la ligne musicale. Elle s’avère en revanche plus fragile dans les piani ainsi que dans la diction plus ou moins nette mais toujours au service de la narration.
En effet, les contes sont au cœur de cette édition 2024 et les deux artistes composent ici un bouquet dont chaque tige dessine la facette d’un même destin en forme de memento mori.

« Les Heures » ouvrent le concert et donnent le ton d’un univers déliquescent, impuissant face à la fuite du temps. Le tempo assez lent accentue la sensation d’immobilité encore renforcée par l’exceptionnel travail de legato de la chanteuse. Désespérées, à peine susurrées parfois les phrases s’étirent de sons droits, quasi baroques, de finales évanescentes.
Les fleurs cueillies, tressées, fanées filent ensuite la métaphore du tempus fugit.

« Le temps des lilas » , oscillant entre forte et piani, est tout d’élans brisés, de faisceaux tendus vers le ciel qui s’étiolent brusquement. Bertrand Chamayou – comme tout au long du concert – y souligne chaque nuance sans ostentation, dessinant chaque couleur, chaque émotion, d’un pinceau fin pour mieux soutenir Barbara Hannigan à la présence intense et grave jusqu’aux « Couronnes », où – merveilleuse comédienne – elle dessine la silhouette souriante puis désappointée de cette « fillette aux yeux cernés » qui tresse des guirlandes de fleurs pour un chevalier imaginaire afin de tromper sa solitude.

La délicatesse du piano perlé ajoute à ce moment de magie, qui fleurit plus encore avec la « chanson d’Ophélie », pareillement liée aux fleurs, pareillement incarnée. La voix est souveraine, les aigus superbes, la diction soignée et – toujours – la conduite de la phrase musicale tuile chaque syllabe vers l’inéluctable destin de l’héroïne sacrifiée. « Oraison » – extrait de « Serres Chaudes » comme un autre hommage au végétal – est presque enchaîné avec la mélodie précédente, comme si nous suivions les flux et reflux de la pensée de cette fillette grandie en Ophélie avant de s’évaporer en un spectre dont « la tristesse de la joie semble de l’herbe sous la glace ». Ainsi, avec une remarquable élégance, les deux musiciens donnent une dimension intense et poignante à ces mélodies qui deviennent le chemin d’une vie.

Le duo a enregistré l’an passé la « Chanson Perpétuelle » pour le label Alpha et l’interprète magnifiquement avec le soutien du quatuor Belcea. La richesse des harmonies du quintette, la transparence et la propriété quasi charnelle du son nourrissent la bouleversante interprétation de cette Ophélie séduite et abandonnée.

Après l’entracte les musiciens s’installent en majesté dans le chœur pour une somptueuse version du quintette avec piano en fa mineur de César Franck. Ils semblent y poursuivre sans paroles ce monologue intérieur qui alterne des moments de tension presque insoutenables, de révolte, de sanglots déchirants sans qu’aucun apaisement de vienne soulager l’âme tourmentée.

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Audacieux pari que de commencer par les six Ariettes oubliées de Debussy, tant elles sont dans toute les oreilles des mélomanes. D’autant plus que le français n’est pas la langue maternelle de notre soprano, Viviane Hasler, dont l’intelligence du texte est aussi manifeste que son élocution. Chaque pièce est servie avec art, tant par la voix que par le piano, dans un respect scrupuleux de l’esprit comme de la moindre indication du compositeur. La couleur vocale surprend, dans un premier temps, juvénile au point que la correspondance avec le Noël des enfants paraît une évidence. L’émission saura trouver les sonorités appropriées à chaque passage, de la rêverie tendre à la passion violente.

Les mélodies de Chausson sont un régal, où le piano n’est pas sans rappeler celui de Lily Bienvenu, l’oubliée. Car le piano a autant à nous dire que la voix, éloquente et sensible. On se laisse séduire par les mélodies de Cécile Chaminade, malgré la mièvrerie de certains poèmes qu’elle illustre. La belle sensibilité et l’exaltation grandissante de La lune paresseuse, et l’entrain de la Villanelle sont à retenir. Quant aux cinq mélodies de Reynaldo Hahn, c’est un constant régal, depuis A Chloris jusqu’à L’heure exquise. La délicatesse, l’émotion, la sensualité, la plénitude sereine (Si mes vers avaient des ailes) sont au rendez-vous d’une interprétation généreuse.

On connaît Wolfgang Rihm pour son abondante production, depuis son premier opéra, Jakob Lenz (2). Les trois chansons d’Ophélie (Ophelia sings), sur le texte original de Shakespeare, écrites en 2012, sont une heureuse découverte.  Si on pouvait redouter d’un compositeur lié à l’avant-garde de Donaueschingen une écriture abstraite, dépouillée à la Webern, ces trois pages fascinantes, d’une rare exigence technique et expressive, méritent d’être dégustées avec bonheur. Le compositeur traduit à merveille la rêverie comme la versatilité des états d’âme de l’héroïne : elle se survit dans la folie, qui lui dicte ces chansons où le pur amour se mêle de sous-entendus, avec son obsession du mal. Brahms (3) s’était déjà laissé séduire par ces textes d’une force inhabituelle. La voix de Viviane Hasler s’y révèle d’une richesse peu commune : la palette est large, la dynamique extrême, l’émission magistrale, assortie des couleurs les plus variées. A dessein, plutôt que de nous les proposer groupées, la chanteuse nous les offre en guise de ponctuation entre les quatre compositeurs du tournant du XXe siècle, de manière à en faire ressortir la modernité, comme les ruptures ou la continuité. L’écriture de Rihm s’accorde fort bien au voisinage de ses lointains prédécesseurs, et cette association-confrontation nous fait écouter Chausson, Chaminade et Hahn d’une toute autre oreille. La maturité vocale et musicale épanouie, un piano aussi juste, ample et libre que complice, que demander de plus ?

Manifestement le CD, réalisé avec le concours de la ville de Lucerne, est avant tout destiné aux publics alemaniques, germanophones, puisque la brochure d’accompagnement est rédigée en allemand, avec traduction anglaise, ce qui n’en amoindrit pas l’intérêt. Bien entendu les textes chantés sont édités dans leur versions originales avec leur traduction allemande.

(1) Ne pas la confondre avec Floriane Hasler, mezzo, dont la carrière est également en pleine ascension. 
(2) Suivi de sept autres ouvrages lyriques, et de nombre de mélodies comme de pièces faisant appel à la voix. 
(3) Après Berlioz, puis Ambroise Thomas, suivis d’une dizaine d’autres, moins connus.

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Pour peindre « les décors successifs à travers lesquels se meuvent les désirs et les rêves du Faune » (Debussy), le chef bien aidé de solistes de premier plan, dont la flûte nuancée de la brillante Silvia Careddu, a privilégié l’équilibre des proportions d’une partition au panthéisme néo-grec (avec ses cymbales antiques), ne mettant pas trop en exergue les faits compositionnels trop souvent donnés comme autant d’instants jetés à tous les vents du moderne. Avec sa gestique élégante et enveloppante, Philippe Jordan a donc préféré la beauté des lignes, soutenue par un art consommé des variations rythmiques.

La fascination sensuelle était aussi au rendez-vous avec le « Poème de l’amour et de la mer » d’Ernest Chausson. C’est la première apparition de Stéphanie d’Oustrac dans ce chef-d’œuvre lyrique et vénéneux, avec cette entrée à son répertoire, à l’occasion de ses retrouvailles avec l’ancien directeur musical de l’Opéra de Paris (qui nous avait offert un superbe « Roi Arthus » en 2015 du même Chausson). Si l’œuvre se révèle un peu ennuyeuse quand elle est donnée dans sa version avec voix et piano, elle se fait envoûtante quand l’accompagnement orchestral et la voix transcendent les médiocres poèmes de Maurice Bouchon. Avec sa ligne vocale ductile, sa technique soignée évitant la wagnérisation, sa diction parfaite et une expressivité à la palette riche donnant son poids et tout son sens au texte, la chanteuse – fine liane sombre très engagée scéniquement – nous ravit. Elle est bien servie il est vrai par un orchestre voué à l’équilibre dynamique, aux contrastes fondus et aux couleurs irisées, offrant une texture faite de lumières et d’ombres. Sortilèges de la flûte dans « La Fleur des eaux », puis pour « La Mort de l’amour », vite soutenue par les bois, entrée de solistes magnifiques (dont la clarinette de Patrick Messina, le violoncelle de Raphaël Perraud ou le violon de Luc Héry), pupitres aux interventions artistes, tous concourent, dans un assombrissement progressif, à créer un drame bouleversant.

© DR

Œuvre rare au concert ensuite, cette suite « Mer calme et heureux voyage » de Mendelssohn retrouve toutes les vertus romantiques, entre orages et effusion. Cette pièce comme imprégnée ici d’une influence toute beethovénienne sous la baguette du chef suisse nous passionne avec un orchestre électrique, incisif, toujours très engagé. Une vraie réussite – pour un compositeur souvent traité de manière soporifique. Les « Four Sea interludes », extraits de l’opéra Peter Grimes de Benjamin Britten, brillent tel un diamant noir dans la splendide interprétation qui nous est ici donnée, l’effectif de la phalange se faisant beaucoup plus lourd. Du prélude de l’opéra si évocateur avec son atmosphère menaçante, sa cantilène faussement tranquille troublée par les cuivres, aux autres épisodes à l’orchestration toujours luxuriante et raffinée (on ne se lasse pas de la harpe et des bois après les traits staccatos des cordes, les avertissements des cors, entre nombreux autres fascinants événements musicaux) le chemin fatal jusqu’à la tempête emporte tout. Talents et haute vision se sont rencontrés pour susciter notre plaisir et notre admiration. Rien de tel que ces soirées d’exception pour toucher au sublime, celui-là même théorisé par Burke. Grâce en soit rendue à un des meilleurs orchestres dirigé par un des plus grands chefs de la scène internationale.

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Très élégante dans une robe noire, courte et évasée, La soprano aborde le premier lied avec prudence, et une certaine retenue qui convient particulièrement aux pages plaintives et douloureuses de Fanny Hensen-Mendelssohn dont la carrière a été sérieusement bridée par son père et son frère qui, déclarant qu’elle n’avait jamais souhaité devenir compositeur, ajoutait « Elle est trop femme pour cela [sic] ». Puis la voix s’échauffe peu à peu et s’épanouit pleinement dans les lieder plus aboutis de Clara Schumann qui exaltent l’amour romantique et serein. Ceux qui redoutaient d’assister aux derniers feux d’une chanteuse finissante auront été rassurés. Natalie Dessay est encore en pleine possession de ses moyens, aucun vibrato intempestif n’affecte sa ligne de chant, le timbre lumineux et limpide a conservé ses sonorités juvéniles, le medium s’est étoffé et le registre grave a gagné en largeur. Seuls un ou deux aigus forte légèrement détimbrés en seconde partie pourraient trahir le passage des ans. L’ensemble de ces mélodies mettent en valeur la musicalité et l’intelligence de la cantatrice dont le talent de diseuse rend justice aux poèmes qui les ont inspirées. Ni les textes ni leur traduction ne figurant dans le programme de salle, pas plus que les surtitres durant le concert, Natalie Dessay pallie cette lacune en présentant elle-même, non sans malice, les pages qu’elle interprète pour le plus grand bonheur des spectateurs. La première partie s’achève avec trois lieder d’Alma Mahler et leurs grandes envolées lyriques qu’elle exalte avec une voix radieuse, non dépourvue de sensualité

Après l’entracte la chanteuse paraît dans un ensemble rouge et noir tout à fait seyant et nous offre une « Chanson perpétuelle » particulièrement émouvante suivie de « La Dame de Monte-Carlo », cheval de bataille des sopranos coloratures, dont elle fait une véritable scène de théâtre et qu’elle conclut par une note longuement tenue qui s’éteint doucement comme le personnage qui se noie dans la mer, déchaînant l’enthousiasme du public. Sans transition, la « vieille » héroïne de Poulenc se change en jeune fille au timbre pur et diaphane pour incarner l’énigmatique Mélisande peignant ses cheveux. Suivent une interprétation personnelle mais tout à fait émouvante de l’air de Chimène « Pleurez mes yeux » que Dessay dit avoir rêvé de chanter depuis le conservatoire tout en soulignant qu’il n’est pas pour elle et un air des bijoux ébouriffant avec ses vocalises agiles et précises qui évoquent les fastes de ses grandes années. « C’est un hommage à Hergé » (né un 22 mai), précise-t-elle avec humour.

Tout au long de la soirée la complicité qui unit la chanteuse et son pianiste depuis des années fait merveille. Philippe Cassard offre à sa partenaire un accompagnement raffiné et respectueux des ouvrages qu’il interprète. La délicatesse de son toucher dans les lieder de Fanny Hensel-Mendelssohn ainsi que dans l’élégie de Massenet contraste avec les tourments de Chimène ou les effusions romantiques de la romance en la mineur de Clara Schumann que la musicienne avait dédiée à Brahms. En bis, l’air d’entrée de la Comtesse des Noces de Figaro interprété avec sensibilité et retenue conclut la soirée dans une ambiance chargée de nostalgie.

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© Foto Xiomara Bender

Mais il faut convenir que l’œuvre s’y prête tout particulièrement. La publicité du festival d’Erl mise sur une œuvre wagnériste : c’est Chausson reconnu au sein du « Bayreuth autrichien ». Et c’est bien connu, Chausson, qui est allé plusieurs années de suite à Bayreuth, était un grand admirateur de Wagner. Des impressions, pour ne pas dire des citations, rappellent notamment Parsifal, Tristan et Yseut (quant à La Walkyrie on en retrouve l’idée scénique avec le cercle de feu final). Mais dans le même temps, on ne peut pas ignorer tout ce que la musique de film a emprunté aux compositeurs français, et l’on ne peut entendre les cuivres retentissants sans penser aux reconstitutions historiques hollywoodiennes des années 50 : l’ombre de Robert Taylor plane sur la représentation.

© Foto Xiomara Bender

L’autre grande qualité de la création de cette nouvelle production est sa grande unité de ton. Le jeu des chanteurs y est strictement contrôlé, le moindre geste, la moindre intonation ont leur raison d’être, c’est vraiment l’union intime du théâtre joué et du théâtre chanté. Quand des interprètes se donnent à fond dans ce jeu d’illusion, alors c’est le bonheur complet, et la troupe réunie ce soir y réussit brillamment. La distribution est dominée par Aaron Cawley (Lancelot), dont Yvan Beuvard vient de saluer la récente performance dans le rôle d’Hermann de La Dame de Pique à Avignon. On le retrouve ce soir en très grande forme : la puissance de sa voix est impressionnante, son endurance à l’avenant, sa prononciation du français et sa capacité à varier les registres jusqu’à la plus grande douceur, en font un ténor héroïque avec lequel il va falloir compter. À ses côtés, Anna Gabler, habituée des œuvres wagnériennes, chante une Genièvre tout en finesse, avec bien sûr quelques éclats, mais aussi en parfaite adéquation avec le jeu de ses partenaires. Même la scène de son suicide (elle se pend à l’aide de sa longue chevelure) passe ici en douceur, devenant ainsi presque plausible. Le roi Arthus de Domen Križaj, plein de tact et d’émotion comme toute la mise en scène, assure de sa voix forte et posée l’équilibre général. On ne peut citer tous les autres chanteurs, qui concourent au haut niveau de cette représentation, avec une mention spéciale pour le Merlin de Kabelo Lebyana et pour le fidèle écuyer Lyonnel d’Andrew Bidlack. Les chœurs sont excellents, de même que l’orchestre, mené de main de maître par le chef Karsten Januschke qui a su retrouver les plus belles sonorités de la partition de Chausson.
Une magnifique représentation, en tous points exemplaire, saluée par un triomphe public particulièrement mérité.

Signalons que la production, prévue à l’origine dans le Festspielhaus, a été déplacée au Passionsspielhaus du fait de la reprogrammation à de nouvelles dates de Bianca e Falliero, la lourdeur des dispositifs scéniques ne permettant pas de programmer dans le Festspielhaus les deux œuvres deux jours de suite.

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