Thomas Adès
The Exterminating Angel par Christophe Rizoud

Daniel-François-Esprit Auber
La Muette de Portici par Christophe Rizoud

Béla Bartók
Le Château de Barbe-Bleue par Laurent Bury

Vincenzo Bellini
Beatrice di Tenda par Christophe Rizoud

George Benjamin
Written on Skin par Laurent Bury

Georges Bizet
Le Docteur Miracle par Christophe Rizoud

Walter Braunfels
Die Vögel (Les Oiseaux) par Christophe Rizoud

Benjamin Britten
Mort à Venise par Christophe Rizoud

Marc-Antoine Charpentier
David et Jonathas par Christophe Rizoud

Ernest Chausson
Le Roi Arthus par Christophe Rizoud

Luigi Cherubini
Médée Par Laurent Bury

Paul Dukas
Ariane et Barbe-Bleue par Laurent Bury

Gaetano Donizetti
Anna Bolena par Christophe Rizoud
Don Pasquale par Christophe Rizoud
La Favorite par Christophe Rizoud
Lucrezia Borgia par Christophe Rizoud
Roberto Devereux par Christophe Rizoud

Christoph Willibald Gluck
Armide par Christophe Rizoud

Charles Lecocq
Le Docteur Miracle par Christophe Rizoud

Franz Lehár
Giuditta par Christophe Rizoud

Albéric Magnard
Guercœur par Christophe Rizoud

Jules Massenet
Cendrillon par Christophe Rizoud

Pietro Mascagni
Cavalleria rusticana par Christophe Rizoud

Giacomo Meyerbeer
L’Africaine par Christophe Rizoud
Les Huguenots par Laurent Bury
Le Prophète par Christophe Rizoud

Modeste Moussorgski
Boris Godounov par Laurent Bury

Wolfgang Amadeus Mozart
Cosi fan tutte par Laurent Bury

Jacques Offenbach
Fantasio par Christophe Rizoud
La Grande-Duchesse de Gérolstein par Laurent Bury
Le Voyage dans la Lune par Christophe Rizoud
Les Brigands par Christophe Rizoud

Sergueï Prokofiev
L’Ange de feu par Laurent Bury

Giacomo Puccini
La rondine par Christophe Rizoud

Jean-Philippe Rameau
Hippolyte et Aricie par Christophe Rizoud
Les Indes galantes par Laurent Bury

Aribert Reimann
Lear par Laurent Bury

Wolfgang Rihm
Jakob Lenz par Laurent Bury

Nikolaï Rimski-Korsakov
Snégourotchka par Laurent Bury
Le Conte du Tsar Saltan par Christophe Rizoud

Gioachino Rossini
Moïse et Pharaon par Maurice Salles
Otello par Christophe Rizoud

Camille Saint-Saëns
Samson et Dalila par Christophe Rizoud

Giuseppe Verdi
Ernani par Laurent Bury
Giovanna d’Arco par Christophe Rizoud

Richard Wagner
Rienzi par Laurent Bury

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Lors de la diffusion en direct, notre appétence, après une longue disette, était telle que l’on avait oublié les outrances de la mise en scène. On la subissait tant bien que mal (Brigitte Maroillat en avait rendu compte : Pour l’effervescence vocale et musicale). Elle devient insupportable à la relecture : trop souvent, poncifs, provocations gratuites, laideur agacent, irritent, et desservent l’œuvre et ses interprètes. Passée la surprise, l’humour déjanté s’use très vite, et c’est à peine si l’on sourit à la fin lorsque Lea Desandre prend son vélo pour quitter la scène. Le temple de Diane au I ? Un drap blanc mal tendu, devant lequel Aricie (de dos) se bande la poitrine, avant d’enfiler la tenue des prêtresses (combinaison blanche avec ceinturon). La grossesse avancée de la chasseresse atteste sa relation à Hippolyte, mais ne semble pas faire obstacle à ses vœux. Ce dernier est en jupe, assortie à un gilet baroque, avec fraise. Les prêtres(ses) entrent, combinaisons blanches, équipées de ceintures à cartouches de chasse, qui font leurs ablutions dans un seau de plastique noir. La grande prêtresse, armée d’un fusil, tire une cartouche de peinture sur la toile de fond de scène, imitée après son premier air par ses obligées, pour un résultat à objet esthétique (clin d’œil à Niki de Saint Phalle)… la peinture au pistolet n’est-elle pas aussi convaincante que celle au fusil ? La vidéo mérite d’être attentivement regardée pour se convaincre de la vacuité prétentieuse du projet, et ce ne sont là que les premières scènes. En dehors du deuxième acte et du début du suivant, tout, ou presque, sera à l’avenant, trop souvent grotesque, parodique, en contradiction régulière avec le propos du livret et de la musique.  Oublions, si c’est possible. La direction d’acteurs est parfois convenue et il n’est que de scruter les visages et les attitudes des interprètes pour percevoir que le message ne passe pas toujours, en dehors des actes centraux. Après la trahison, l’oubli délibéré : alors qu’elle occupe une place de choix dans l’ouvrage, la danse est bannie, remplacée par des pantomimes très inégales, certaines plus que discutables.

Le plaisir musical – heureusement – réside dans l’écoute. La distribution, proche de la perfection, l’orchestre et les chœurs conduits de main de maître n’appellent que des éloges. La version ultime du premier chef-d’œuvre de Rameau, plus proche de la Phèdre de Racine que les précédentes, supprime le prologue et réduit les interventions des dieux pour se concentrer sur la dimension humaine. La chaconne finale est supprimée avant l’ariette Rossignols amoureux.

Triomphateur de la soirée, Stéphane Degout nous touche, bouleversant de justesse dramatique et musicale. Son jeu, sa présence, très travaillés, paraissent relever de l’évidence tant notre grand chanteur ne fait qu’un avec Thésée. La voix, profonde, noble, chaude sait se faire imposante, caressante, émue comme hautaine et froide. Dès son apparition aux enfers, avec Tisiphone, l’autorité vocale est manifeste, elle se renforce lors du dialogue avec Pluton. Son invocation à Neptune, le finale du III, son monologue « Grands dieux ! de quels remords je me sens déchirer ! » ont-ils été plus justes, plus émouvants ? Quant à Tisiphone, confié à Edwin Fardini, autre baryton, la voix est souple, élégante et toujours intelligible. Arnaud Richard, qui chante Neptune et Pluton, sans pour autant faire oublier Laurent Naouri, ne démérite jamais dans ses interventions.

Reinoud Van Mechelen, Jélyotte de notre temps, compte parmi les grands ramistes. Sa voix est idéale pour chanter Hippolyte, lyrique, aux accents héroïques que le rôle appelle. Le style, comme la diction sont parfaits. Le jeu, ardent comme juvénile, et la ligne se marient idéalement à ceux d’Aricie. C’est particulièrement vrai lors du dernier acte. Elsa Benoit réunit tous les moyens pour nous offrir une Aricie jeune, fraîche, passionnée, émouvante, servie par une voix colorée, longue, agile et expressive. La scène finale, d’une extrême douceur est la plus belle des récompenses vocales pour le spectateur qui aura persévéré deux heures vingt. Sylvie Brunet-Grupposo est une excellente tragédienne. Sa Phèdre est habitée, poignante dans sa rage comme dans sa plainte (son monologue qui ouvre le III). Dès ses premiers airs, elle s’impose, servie par une voix sonore dont les accents et conduite sont admirables. Son duo avec Hippolyte « Ma fureur va tout entreprendre » est d’anthologie. Lea Desandre, sous ses multiples incarnations, est toujours juste : de la prêtresse à la bergère chantant « Rossignols amoureux », en n’oubliant pas la Matelote-sirène portée par trois marins, ni la chasseresse. Adorable voix, au timbre mordoré, sensuel, d’une élégance stylistique rare, à la technique infaillible. Œnone est confiée à Séraphine Cotrez. La nourrice et confidente, au jeu noble, est servie par une émission chaude et son chant est convaincant, dès « Vos yeux n’attaquent plus un cœur ». Eugénie Lefebvre, Diane, dont les récitatifs sont exemplaires, reste un peu en-deçà de nos attentes (autorité et projection), même si la relative froideur est bien dans le caractère de la déesse. Les trois Parques, au second acte, forment un ensemble équilibré, puissant, d’une harmonie constante : Constantin Goubet, Martial Pauliat et Virgile Ancely sont de vrais complices. Leur accord est proche de l’idéal, assorti d’une diction exemplaire. Les petits rôles sont aussi investis que le reste de la distribution.

Raphaël Pichon, familier de l’ouvrage, qu’il dirigeait déjà à Beaune il y a dix ans, en maîtrise tous les ressorts. Sa lecture est habitée. Le chœur, malgré les gestiques imposées par la mise en scène, s’avère en très grande forme. Les airs infernaux, ceux des matelots, le finale du IV, sont particulièrement superbes. Les ensembles sont réglés à merveille. Quant à l’orchestre, on le sent inspiré, animé de cette volonté de communiquer tout ce que la partition appelle. Puissant, enflammé comme tendre, toujours coloré, c’est un bonheur de tous les instants.

(*) A signaler, la coupure accidentelle intervenue lors de l’unique représentation n’a pu être corrigée… alors qu’au III, le conflit Hippolyte – Phèdre se développe, (à 1 :14 :12), le premier ne peut achever sa réplique « Ah ! je me sens glacé… », l’orchestre enchaîne la danse réjouissante précédant le premier air des matelots : les grotesques envahissent l’espace pour le divertissement – inqualifiable – dédié à Neptune… Qu’est-ce que Thésée est venu faire en cette galère carnavalesque ?

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Cela tient d’abord aux choix opérés par Simon Rattle quant à la version de l’œuvre qui nous est donnée à entendre. Le chef a globalement penché pour la troisième version, celle de 1757, qui a toutefois malheureusement indéniablement moins d’ampleur tragique que la toute première de 1733. Le prologue est supprimé ; le premier quart d’heure de l’acte 1 est expéditif – la révélation de l’amour d’Hippolyte, banalement directe et immédiate tient de la praecox ejaculatio…sans intensité dramatique aucune. Certes, l’orchestre s’en voit ravi car il sort renforcé de ce remaniement et c’est peut-être pourquoi Rattle – comme nombre de ses homologues – privilégie cette version. On peut toutefois se réjouir de l’insertion de « Cruelle mère des amours » chanté par Phèdre à l’acte III. Passé ces réserves, le chef défend très bien sa version de l’œuvre, même s’il est vrai que le ressort principal est l’alternance piano / forte, qui, pour un opéra de cette durée, peut avoir tendance à lasser. Mais la parfaite maîtrise des nuances lors de l’acte II excuse tout : la cruauté des enfers est parfaitement rendue et les tempi comme l’énergie insufflés lors de l’air final des Parques sont le pinacle de la soirée, comme espéré. En revanche, on s’interroge sur la pertinence du changement de tessiture de la Furie, taille transmutée en basse-taille, ce qui atténue l’impression d’étrangeté que doit normalement dégager le rôle. Curieux arbitrage !

Le Freiburger Barockorchester expose, sous la baguette de Rattle, s’il en était besoin, sa totale maîtrise du genre et de l’œuvre. L’orchestre est d’une extraordinaire agilité et sait montrer les muscles si nécessaire, tout en explosion à l’acte II ou encore à l’arrivée de Diane. Le chœur de Berlin fait preuve d’une belle maîtrise de l’œuvre et présente une excellente diction.

Ensuite, le plateau vocal n’est pas de qualité homogène. Disons-le toutefois d’emblée : la star de la soirée n’est autre que l’excellentissime Reinoud Van Mechelen. Si son Hippolyte a tout le poids du héros tragique mais aussi l’innocence du jeune premier, c’est surtout la voix qui force l’admiration. La pureté de l’émission, la puissance et l’excellente diction lui permettent de camper ce rôle-titre avec brio. L’Aricie d’Anna Prohaska est de qualité mais manque un peu d’énergie et de tourments, même si elle sait surprendre par d’inattendues ornementations ; son rossignol final s’envole, mission accomplie ! Au demeurant, chaque duo entre Prohaska et van Mechelen atteint parfaitement sa cible. La Phèdre de Magdalena Kožená a tous les atours de la grande tragédienne ; le récitatif de la révélation de son horrible amour est théâtralement poignant et la dynamique instaurée avec Van Mechelen convaincante. Gyula Orendt campe un Thésée très énergique – pas forcément royal, néanmoins. L’acte II le trouve tout de même aussi tourmenté qu’il faut.

La Diane de Ema Nikolovska a toute l’assurance et l’aisance d’une déesse, ainsi que la surface vocale. Jérôme Varnier ne convainc pas tout à fait en Pluton : la gestuelle est trop appuyée et ne sied pas exactement à la stature d’un dieu… En revanche, ses graves onctueusement caverneux sont un réel plaisir qui à eux seuls suffisent à nous plonger au septième cercle des enfers. Le Tisiphone de Benjamin Chamandy est intéressant mais l’impression que le rôle est parfois trop grave pour son titulaire domine. Les Oenone et Grande Prêtresse d’Adriane Queiroz et d’Evelin Novak sont convaincantes, tout comme les chasseresse et bergère de Slávka Zámečníková et de Liubov Medvedeva. Une réserve globale toutefois : les impuretés de diction – sans parler des liaisons ou des « e » rajoutés ou absents – se font tout de même entendre assez souvent parmi le plateau vocal, ce qui atténue la qualité générale de la prestation.

Enfin, il faut noter l’excellentissime prestation des trois Parques qui livrent une performance parfaite en tout point. Ce n’est pas anodin car sur elles reposent la charge de nous gratifier de l’air le plus intrigant de l’œuvre ! L’équilibre des voix de Magnus Dietrich, Arttu Kataja et de Frederic Jost est parfait : la profondeur de la basse de Jost apporte un magnifique contraste avec les aigus extrêmement puissants – ce qui est fort notable – de Dietrich qui percent littéralement la nuit profonde ! C’est ainsi l’acte II qui apparaît le plus réussi, du côté vocal comme orchestral, de par la parfaite restitution de l’ambiance glauque de ces effroyables et fascinants enfers.

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Hier soir, en direct de l’Opéra Comique, dans une retransmission en streaming quelque peu chaotique pour cause d’incident technique, l’œuvre de Rameau a revêtu les habits d’un écrin transposé et résolument théâtralisé. Jeanne Candel, dans sa mise en scène, a imaginé un spectacle déconcertant serti de multiples digressions fantaisistes, voire grand-guignolesques, envisagées comme autant de contrepoints à la tragédie vécue par les personnages. Ce divertissement protéiforme, entre art théâtral et spectacle de rue, n’est pas à propos et à cet égard on a connu la metteur en scène plus inspirée et plus inventive notamment dans sa parodie déjantée de Didon et Enée aux Bouffes du Nord ou Les psaumes de David présentés en début d’année sur la Scène Nationale de Saint- Quentin-en-Yvelines. Pour cet Hippolyte et Aricie à l’Opéra Comique, les propositions scéniques apparaissent poussives et, outre des airs de déjà vus, ne sont pas du meilleur goût. Ainsi, en est-il des damnés travestis en femmes de ménage nettoyant le sang qui coule des escaliers des Enfers ou du chœur transformé en baigneurs des cotes rejouant le ballet des toréadors façon Traviata avec des têtes de taureau. En revanche, l’acte II, point d’orgue de cette mise en scène, est plutôt réussi montrant les Enfers comme un enchevêtrement d’escaliers métalliques que Thésée monte et descend frénétiquement, et dont on atteint les profondeurs par un ascenseur central. Ce décor illustre avec pertinence l’enfermement des personnages dans un univers froid aux allures carcérales qui contraste à merveille avec l’image répandue d’un purgatoire incandescent. Il est fort dommage qu’une interruption technique du streaming nous ait privé de la fin de ce deuxième acte inspiré.

Dans cette parure scénique, il convient de saluer la direction d’acteurs fluide et efficace de Lionel Gonzalez qui a su guider efficacement les interprètes. L’engagement des chanteurs nous fait lire sur chaque visage, dans chaque attitude, dans chaque mouvement l’émotion dont ils sont porteurs. Cet engagement d’ensemble des corps et des voix nous fait imaginer, l’atmosphère de la partition, ses toiles peintes, ses perspectives, ses couleurs automnales, sa symbolique qui font cruellement défaut dans la mise en scène en scène.

Sur le plan vocal, la prestation des interprètes est de belle tenue. La Phèdre incandescente de Sylvie Brunet-Grupposo et le Thésée bouleversant de Stéphane Degout dominent incontestablement la distribution. En tragédienne née, la mezzo habite son personnage avec une telle conviction qu’elle séduit tant dans la rage exprimée que dans les accents éplorés. Quant à Stéphane Degout, il est un Thésée déchiré et déchirant dont il a peaufiné les contours, travaillé les affres intérieurs et cela se voit. Il sait également se faire spectateur de l’action, comme une ombre hantant la lisière de la scène, une présence muette, interdite, comme murée à l’intérieur d’elle-même. Sur le plan vocal, son chant capte d’emblée par ce timbre chaud et caressant, la beauté du legato, une diction parfaite et cet art consumé des nuances qui épousent les oscillations du personnage notamment dans ses relations avec Phèdre et Hippolyte, qui vont de la douceur irradiante  à la froideur glaciale.

Stéphane Degout, chœur Pygmalion © stefan Brion

Le reste de la distribution offre une belle présence à leurs personnages, dans des caractérisations habitées. Haute-contre à la française, mais aussi ténor léger amoureux de la musique française du XIXe et du XXe,  Reinoud Van Mechelen livre un Hippolyte juvénile et fougueux dans une diction limpide. Elsa Benoit en Aricie convainc avec des graves bien timbrés et une ligne de chant élégante notamment dans son poignant duo avec Hyppolite du quatrième acte. Eugénie Lefebvre parvient à conférer une constellation émotionnelle au personnage guindé de Diane et la rendre crédible, sinon attachante. Tour à tour grande prêtresse, chasseresse, et bergère, Lea Desandre dénoue souplement cette voix au grave dramatique, au médium moelleux finement ornementé. Il y a du velouté et du sensuel à chaque phrase musicale dans ce timbre suave et moiré. Avec une voix pleine d’ascendant, Arnaud Richard confère une belle autorité à  Pluton. Le jeu dramatique de Seraphine Cotrez donne une rare dimension à Oenone, la nourrice-confidente-manipulatrice meme si le brilliant n’est pas le point fort notamment au premier acte où la voix se heurte à des limites dans le duo avec Phèdre. Edwin Fardini prête une voix, souple, ronde à Tisiphone qui se fait particulièrement entendre au début de l’acte II, lorsque la furie entraîne Thésée aux enfers. Les trois Parques, Constantin Goubet, ténor à la voix solide, et assurée, Martial Pauliat, ténor à la voix claire et à la diction remarquée,  et  Virgile Ancely basse au beau timbre, complètent avec brio la distribution. La panne technique survenue pendant le second acte n’a pu hélas nous permettre d’entendre le Mercure de Guillaume Guttierez.

Dans cette version de 1757 sans prologue, l’Ensemble Pygmalion sous la direction de Raphaël Pichon habite avec énergie les passages dramatiques aux agitato intenses. On aurait pu toutefois attendre plus de contrastes et de couleurs de cette lecture vitaminée. On sent toutefois l’accord parfait entre le chef et son ensemble qui donne une belle cohérence à une œuvre aux multiples visages et dont André Campra, le rival de Rameau, disait qu’elle comportait assez de musique pour faire dix opéras.. Le chœur est, quant à lui, dans une forme éblouissante et confère à ses interventions une vraie présence scénique. Il y a incontestablement ici dans les voix et dans la fosse une vie en effervescence.

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Après les mesures annoncées par le Gouvernement et la fermeture des établissements accueillant du public, nous devons à nouveau nous adapter et revoir notre programmation.

Les représentations d’Hippolyte et Aricie prévues au mois de novembre ne pourront donc pas avoir lieu en présence du public.

Cependant, le spectacle ne s’arrête pas totalement. En effet, toute l’équipe de l’Opéra Comique et les artistes se mobilisent pour poursuivre les répétitions de l’opéra de Rameau, dirigé par Raphaël Pichon et mis en scène par Jeanne Candel.

Evénement de la saison d’Arte Opéra, Hippolyte et Aricie sera capté par Fra Prod et diffusé en livestream sur Arte Concert samedi 14 novembre à 16 heures.

Le spectacle sera sous-titré en 6 langues (français, allemand, anglais, espagnol, italien et polonais) et disponible également sur le site de l’Opéra Comique.

Une diffusion ultérieure sera proposée sur l’antenne d’Arte et sur France Musique.

Nous vous tiendrons informés de la programmation pour le mois de décembre au fur et à mesure des décisions prises face à la crise sanitaire.

Cette période est difficile pour toutes et tous, pour les artistes également. Les équipes de l’opéra comique et moi-même sommes déterminés à faire vivre le lien avec vous en attendant de vous retrouver Salle Favart.

Hippolyte et Aricie de Rameau

Direction musicale : Raphaël Pichon
Mise en scène : Jeanne Candel
Décors : Lisa Navarro
Costumes : Pauline Kieffer
Dramaturgie et direction d’acteur : Lionel Gonzalez
Lumières :César Godefroy

Hippolyte : Reinoud van Mechelen 
Aricie : Elsa Benoit
Phèdre : Sylvie Brunet-Grupposo
Thésée : Stéphane Degout
Oenone : Séraphine Cotrez
Neptune/Pluton : Nahuel di Pierro
Diane : Eugénie Lefebvre 
Prêtresse de Diane, Chasseresse, Matelote, Bergère : Lea Desandre
Tisiphone : Edwin Fardini
1ère Parque : Constantin Goubet*
2e Parque : Olivier Coiffet*
3e Parque : Virgile Ancely *
Mercure : Guillaume Gutierrez*
Arcas : Martial Pauliat*

Chœur et Orchestre : Pygmalion

* artistes issus du choeur Pygmalion 

Production Opéra Comique | Coproduction Opéra Royal – Château de Versailles Spectacles

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• Première avancée au mercredi 11 novembre, 15h
• Samedi 14 novembre, 15h
• Dimanche 15 novembre, 15h
• Mercredi 18 novembre, 15h
• Samedi 21 novembre, 15h
• Dimanche 22 novembre, 15h

Plus d’informations sur opera-comique.com.

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A l’exemple de la musique de Rameau, le plateau sur tournette est en perpétuel mouvement. Un angle de vue chasse l’autre. Les sentiments de Thésée pour Pirithoüs outrepassent les frontières de l’amitié. L’amant du roi sera assassiné dès l’ouverture. Parques menaçantes dans l’acte des Enfers, les trois sicaires à l’allure de jésuites emmêlent les fils de l’intrigue. Le meurtre a-t-il vraiment été commandé par la reine ? Phèdre en pince toujours pour Hippolyte. Ce n’est plus à Diane que l’on sacrifie Aricie mais à un mariage de convenance. Le crépuscule des dieux est advenu. La fille de Jupiter est une rombière moralisatrice au nez chaussé de lunettes. Le visage dissimulé par un masque de corbeau, Pluton commande une cour d’oiseaux inquiétants. D’innocents divertissements se transforment en chasse à l’homme. Le drame se referme sur une note amère. Devenu souverain, Hippolyte écarte d’un geste Aricie. Les prêtres gardent leur emprise sur le trône. Le pouvoir a eu raison de l’amour sans que la représentation de l’œuvre ne se sclérose sur cette lecture originale.

© T+T Fotografie_Toni Suter

Tout le bien possible a été dit, à juste titre, de l’interprétation musicale, de la direction d’Emmanuelle Haïm, d’un lyrisme maîtrisé, à la tête d’un Ensemble de la Scintilla dont la virtuosité sonore rend justice à l’orchestration savante de Rameau. La fosse a été surélevée pour optimiser l’équilibre acoustique. Trop occupé sans doute à obéir aux impératifs scéniques, le chœur en revanche bat de l’aile. Décalages et aigreurs dans les pupitres féminins altèrent la beauté stupéfiante des ensembles.

Tout a été dit aussi sur les chanteurs, dont le jeu et la silhouette, comme le timbre, correspondent idéalement aux rôles. Aurions-nous voulu imaginer Aricie que nous l’aurions parée, telle Mélissa Petit, d’une blondeur angélique et d’un soprano pulpeux dont la pureté d’émission abrite une innocence non dénuée de sensualité. Hippolyte aurait eu la voix idéalement placée de Cyrille Dubois, inscrite d’une écriture délicate dans la noble lignée des haute-contre françaises, avec une souplesse qui donne l’impression d’un chant libéré de toute contrainte, naturel et fluide. On aurait pu rêver Thésée plus viril, aux teintes plus sombres, aux accents plus rageurs mais le parti-pris scénique rend l’élégance d’Edwin Crossley-Mercer incontournable. Est-il concevable enfin d’envisager aujourd’hui Phèdre autrement que chantée par Stéphanie d’Oustrac, avec dans la présence comme dans la voix, une grandeur tragique, des inflexions blessées, une expression dont la vérité ne s’exerce jamais au détriment du style.

Autour de ce quatuor d’exception, s’ébattent des artistes en adéquation à l’esprit de leur rôle et de la musique. Seule réserve mais de taille : la prononciation française est trop souvent négligée. A peu d’exceptions près, c’est avec difficulté que l’on suit le texte lorsqu’on en a oublié les paroles. S’agissant de tragédie lyrique, où le mot importe autant que la note, quel dommage !

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Et c’est une prestation d’un beau raffinement qu’il nous a été donné d’entendre, comme un juste écho à la langue de l’abbé Pellegrin, librettiste de cette première tragédie lyrique de Rameau. La prestation des interprètes (ceux mêmes qui sont actuellement dans la même oeuvre sur la scène du théâtre de Zurich), nous fait lire sur chaque visage, dans chaque attitude, dans chaque mouvement l’émotion dont ils sont les émissaires. La partition vit comme un être de chair et de sang. Cet engagement d’ensemble des corps et des voix nous fait imaginer, l’atmosphère de la partition, ses toiles peintes, ses perspectives, ses couleurs automnales, sa symbolique aussi. La distribution de très belle tenue est incontestablement dominée par l’Hippolyte juvénile et lumineux de Cyrille Dubois dont l’élégance de la ligne de chant et la délicatesse du legato font ici merveille et la Phèdre incandescente de Stéphanie d’Oustrac. Tragédienne née, elle habite son personnage avec une telle conviction qu’elle séduit tant dans la rage exprimée que dans les accents éplorés. Son expérience consommée du récital et de la mélodie française confére incontestablement à son interprétation l’art de sculpter les mots.  L’impressionnant Thésée d’Edwin Crossley-Mercer n’est pas en reste. Doté d’une belle projection et une ardeur du verbe, l’excellent baryton-basse francophone (comme son nom ne l’indique pas) met ici en avant ses qualités d’acteurs, son impeccable diction et une voix puissante et solide dans tous les registres, de l’aigu héroïque au grave abyssal.

Le reste de la distribution offre une belle présence aux personnages secondaires, dans des caractérisations habitées, La jeune et fraîche soprano Melissa Petit illumine de son timbre aérien et fruité le personnage d’Aricie avec quelques graves bien timbrés notamment dans son poignant duo avec Hippolyte au quatrième acte. Hamida Kristoffersen parvient à conférer une constellation émotionnelle au personnage guindé de Diane. Si la basse Wenwei Zhang unit à l’ampleur de la voix une verve scénique indéniable, il manque cependant de puissance dans l’extrême grave de sa tessiture pour être le Pluton plein d’autorité et d’allant que l’on souhaiterait entendre. Il semble toutefois plus à son aise en Neptune dans ce style typiquement ramiste, déclamatoire et éloquent, qui caractérise le personnage. La voix, souple, bien timbrée et le jeu dramatique d’Aurélia Legay donnent une belle dimension à Oenone, la nourrice-confidente-manipulatrice. Gemma Ní Bhriain tour à tour grande prêtresse, chasseresse, et matelote se distingue par un superbe timbre.  Spencer Lang, qui incarne également la deuxième Parque, prête une voix sonore et ronde à Tisiphone qui se fait particulièrement entendre au début du deuxième acte, lorsque la furie entraîne Thésée aux enfers. Nicholas Scott, ténor à la voix claire et à la diction remarquée, et  Alexander Kiechle basse au beau timbre, complètent avec brio la distribution. En les écoutant avec Spencer Lang, on se dit que le trio des Parques, qui se déploie sur le tapis soyeux d’une contrebasse inspirée, est vraiment un pur joyau. Le chœur de Zurich est quant à lui dans une forme éclatante, 

A la tête de l’Orchestra La Scintilla de Zurich, l’intrépide cheffe Emmanuelle Haïm se lance à l’assaut du monument, déployant une belle énergie dans une gestuelle ample et nerveuse. Sous cette battue dansante et énergisante, ciselant détails et articulations, l’orchestre est impressionnant de justesse et de virtuosité instrumentale. Il propose des sonorités subtiles, notamment dans la musique la plus audacieuse, celle des enfers. On aurait pu toutefois attendre plus de contrastes et de couleurs de cette lecture électrisante, mais Il est vrai qu’ à force d’entendre des enregistrements enrichis en effets on place un curseur dans l’écoute qui n’est pas forcément au plus juste pour apprécier un Hippolyte et Aricie sur le vif.  La direction rend toutefois amplement justice à cette œuvre magnifique, dont André Campra, le rival de Rameau, disait qu’elle comportait assez de musique pour faire dix opéras. Il y a, à l’évidence, dans cette lecture raffinée une vie en ébullition.

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Grâce à Marc Minkowski nous connaissions déjà la nouvelle mouture du duo entre Tisiphone et Thésée (« Contente-toi d’une victime », II, 1), que le compositeur agrémente de deux bassons solos tout en transposant pour une basse-taille (baryton) le rôle de la furie, originellement écrit pour une taille (ténor). Rameau, observe Sylvie Bouissou, qui signe l’édition de cette version d’Hippolyte, n’entend plus faire de compromis et rétablit les modulations enharmoniques du second trio des Parques, supprimées dès 1733, ainsi que la mort de Phèdre qu’il avait retirée en 1742. En revanche, comme il l’avait fait dans Zoroastre en 1749, il coupe le prologue. Rameau restructure également le cinquième acte, qui manquait d’allant, réorchestre l’ouvrage de manière substantielle et revoit les récitatifs dans le sens de la concision et de l’efficacité dramatique. Saluons néanmoins l’heureuse initiative du chef qui restaure « Cruelle mère des amours », le monologue de Phèdre (III) auquel le compositeur avait renoncé en 1742.

Reinoud Van Mechelen (Hippolyte) © Karl und Monika Forster

Dans les années 90, Simon Rattle avait abordé Rameau par la fin, dirigeant Les Boréades à Salzbourg, mais il rêvait depuis longtemps de se frotter à son premier chef-d’œuvre. Le directeur du Berliner Philharmoniker voulait travailler avec un metteur en scène qui soit en même temps chorégraphe. Comment ne pas lui donner raison ? Même dans cette version, il s’en faut de peu qu’Hippolyte et Aricie, « d’une apparence à peine sauvée » comme le relevait Jean-Marie Villégier, « ne soit plus une tragédie en musique mais un opéra-ballet ». Aletta Collins a développé une solide expérience dans le domaine lyrique. Elle a entre autres revisité Carmen (Salzbourg), Didon & Enée, La Traviata (Glyndebourne), La Voix humaine (Leeds), mais elle a  aussi collaboré avec Mark Anthony Turnage sur Anna Nicole puis Coraline dont l’adaptation française vient d’être créée à Lille. En vérité, le coup d’audace de cette production est d’avoir confié la scénographie et les costumes à Õlafur Elíasson, artiste contemporain parmi les plus doués de sa génération, et à son Studio, un vaste collectif pluridisciplinaire basé à Berlin.

Sur le plan visuel, le spectacle se révèle éblouissant, dans tous les sens du terme, jalonné d’images fortes et très suggestives où les jeux de lumière nouent un dialogue fécond avec les interprètes et investissent largement un espace sans véritable décor, où même les armatures stylisées évoquant une manière de Tour Eiffel naissent de projections lumineuses. Si la proposition, sans vouloir jouer avec les mots, n’éclaire pas toujours le drame, elle ne l’obscurcit pas et surtout ne le trahit jamais, trop subtile, du reste, pour confisquer l’imagination du spectateur. Les clichés reproduits en illustration permettent de se faire une idée de quelques tableaux particulièrement saisissants : l’apparition des protagonistes de l’acte des Enfers, entravés d’anneaux borroméens luminescents, les Parques foudroyant à coups de laser Thésée ou les arabesques noires des danseurs qui se déploient devant une fumée blanche. Mais en même temps, la photographie escamote la mobilité de certaines images, notamment ces nuages colorés qu’un balayage vertical transforme lentement en brouillard au sein duquel surgissent des silhouettes irréelles ou cette vidéo hypnotique dans laquelle d’incessantes ondulations redessinent la surface d’une eau mystérieuse. Aletta Collins, pour sa part, a voulu renouer avec l’esprit d’improvisation qui prévalait dans l’exécution des gavottes et autres danses françaises. Ses ballets rivalisent de fluidité et de vitalité et innervent avec bonheur ce cinquième acte qui, même remanié par Rameau, apparaît toujours un peu comme une pièce rapportée, décorative et superflue sur le plan dramaturgique. 

Le premier acte devrait nous plonger in medias res, or, d’abord statique, il peine à décoller et semble se dérouler dans une atmosphère de rêve éveillé. Annoncée souffrante, Anna Prohaska (Aricie) demeure sur son quant-à-soi et son timbre manque de rayonnement. En même temps, elle doit s’économiser si elle veut tenir jusqu’à l’issue de la représentation – le rossignol amoureux, en dépit de jolis battements d’ailes, ne s’envolera jamais vraiment. Les producteurs négligent encore trop souvent la diversité des emplois de haute-contre. Hippolyte, par exemple, n’a rien d’héroïque et le confier à un de ces ténors trompétant qui sont volontiers distribués dans les tragédies lyriques, n’aurait ici aucun sens. Reinoud Van Mechelen a la légèreté, la délicatesse de touche qu’appelle ce « cœur trop sensible et trop tendre » et le premier duo des amants nous procure un doux ravissement. Ce ne sont pas les interventions sans relief de la Grande Prêtresse de Diane (Sarah Aristidou) qui vont nous arracher à notre contemplation, mais bien la Phèdre de Magdalena Kožená, d’une toute autre présence vocale et scénique, ce qui n’étonnera bien sûr pas ses admirateurs. Cependant, sa composition nous laisse aussi une impression mitigée. Ses arrêts sont implacables et cet Hippolyte, avouons-le, n’est pas assez incisif pour lui tenir tête. « Cruelle mère des amours » la trouve habitée, mais son mezzo trop uniment clair et sonore peine à rendre la noblesse du personnage, a fortiori quand elle décroche brutalement en registre de poitrine et donne dans le parlando – affaire de style, de sensibilité aussi, probablement. La détresse de Phèdre (« Quelle plainte en ces lieux m’appelle ? ») nous semble en tout cas trop extérieure et les convulsions de l’actrice, vaines, alors qu’elle module si peu ses inflexions.  

En revanche, le Thésée de Gyula Orendt nous séduit dès les premières mesures et nous étreindra jusques au fond cœur. Il a tout pour lui et d’abord la densité du timbre, dont certaines couleurs ne sont pas sans rappeler celles de Stéphane Degout. Le mélange des voix devait d’ailleurs avoir quelque chose de troublant dans le dernier opéra de George Benjamin, Lessons in Love and Violence où le jeune chanteur, d’origine hongroise et roumaine, incarnait Piers Gaveston, l’amant du roi Edward II campé par le baryton français. L’ardeur, les accents de ce Thésée pourraient être ceux d’Orphée et rien ne nous surprend moins que d’apprendre que Gyula Orendt fit également forte impression en endossant le rôle sous la conduite de Christophe Rousset. « Puissant maître des flots » exige une longueur de souffle qu’il ne possède pas encore, mais son Thésée viril et magnétique domine sans partage la distribution. Par contre, le Pluton de Peter Rose manque cruellement d’ampleur et peine à exister au point de s’effacer devant le Tisiphone de David Oštrek. La confrontation de ce dernier avec Thésée prend un tout autre poids quand elle oppose, comme ici, deux basses-tailles dont, en outre, les bassons, qui inspiraient tant Rameau, colorent vigoureusement la joute. 

Si les trios des Parques tiennent toutes leurs promesses (Linar Vrielink, Arttu Kataja, Jan Martiník), les chœurs nous comblent également et il faut d’autant plus saluer leur performance que, contrairement aux musiciens du Freiburger Barockorchester, toujours aussi virtuoses, ils évoluent fort loin de leur répertoire habituel. Il nous semble avoir lu à l’époque des Boréades que Simon Rattle avait profité des conseils d’Emmanuelle Haïm, qui avait auparavant étudié avec lui. Nous ne sommes donc pas étonné de découvrir aujourd’hui Benoît Hartoin, collaborateur régulier du Concert d’Astrée, parmi les assistants musicaux de cette production d’Hippolyte et Aricie. Le chef britannique ne cravache pas ses troupes et certains préféreront une lecture plus contrastée, mais les danses sont magnifiquement caractérisées et Rattle détaille avec un soin admirable les splendeurs d’une partition où l’invention prolifère. « La musique, écrivait Jean-Marie Villégier alors qu’il travaillait sur Hippolyte avec William Christie, dans l’épanouissement de sa beauté, épouse sans amour, mais non sans réflexion, un vieux théâtre qui ne tardera pas à mourir. […] C’est ainsi, par exemple, que Phèdre ou Thésée, secoués comme des pantins mécaniques ou comme les ombres tressautantes d’un film muet lorsqu’ils interviennent dans les scènes d’action prennent la stature et le mystère des grands portraits du Titien dès l’instant qu’un air les fixe et les dote d’une épaisseur qui ne doit rien à leurs évolutions de scène en scène – mais tout à leur plongée dans l’harmonie.» Les interprétations de l’ouvrage demeurent pourtant inexplicablement rares et nous ne saurions que trop recommander celle de Simon Rattle. 

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